Величайшие музеи мира читать онлайн - Андрей Низовский

Величайшие музеи мира

Андрей Юрьевич Низовский

В книге представлены около трехсот музеев из различных стран мира. Речь идет не только об известнейших музеях и галереях, но и редких, уникальных, – таких как Лондонский музей детства, где представлены игрушки всех времен и народов; Музей рок-н-ролла в Кливленде, который стал меккой для поклонников современной музыки; музей «Дом Корана» – единственный в мире, посвященный исключительно священной книге мусульман и произведениям искусства, вдохновленным Кораном. Живым, доступным языком рассказывается об истории музеев, а также о том, какое место занимают они в мировой культуре.

Андрей Низовский

Величайшие музеи мира

© Низовский А. Ю., 2008

© ООО «Издательский дом Вече», 2008

Европа

Австрия

Музей истории искусства в Вене

Музей истории искусства в австрийской столице входит в десятку крупнейших художественных музеев мира. Как и парижский Лувр, осмотреть его экспозиции за один день практически невозможно – если только бегом, наспех. Но разве можно не задержаться перед хранящимися здесь всемирно известными полотнами Брейгеля, Тициана, Тинторетто, Джорджоне?

Музей истории искусства в Вене называют матерью всех австрийских музеев. Его история напрямую связана с австрийской императорской династией Габсбургов. Их вкусам и пристрастиям обязаны художественные коллекции многих музеев Вены. Габсбурги были не только просвещенными монархами и весьма утонченными ценителями искусства, но и щедрыми меценатами. Они пополняли свои картинные галереи бесценными шедеврами живописи, собирали коллекции ювелирных изделий, оружия и древностей. Для работы в своих дворцах приглашали самых известных художников и скульпторов.

У истоков Музея истории искусства стоял эрцгерцог Фердинанд Тирольский (1529–1595). Значительный вклад в умножение сокровищ, составивших потом гордость музея, принадлежит племяннику эрцгерцога – Рудольфу II. Столицу своей империи он перенес в Прагу, и здесь в его резиденции сложилась та необычная и богатейшая коллекция произведений прикладного искусства и скульптуры, которая стала одной из лучших в Европе того времени.

В 1576 г. Рудольф II стал императором Священной Римской империи. Он прославил свое имя покровительством искусствам, и сам любил рисовать, а также полировать драгоценные камни, придавая им желаемую форму. В многочисленных мастерских его дворца лучшие мастера вырезали для него камеи из агата и других камней, вставляли драгоценные камни в прекрасные оправы из золота и серебра. Может быть, увлечение императора гранильным делом и вызвало у него желание сделать себе новую императорскую корону, которая и была изготовлена в самом начале XVII в. в форме диадемы, украшенной драгоценными камнями, а пространство между ними было заполнено жемчугом. Диадему венчают восемь геральдических лилий, покрытых драгоценными камнями и жемчугом, в каждую лилию сверху вставлена крупная жемчужина. Возвышающиеся над венцом пластины наклонены к центру, что делает ее похожей на епископскую митру. На этих пластинах запечатлены некоторые весьма эксцентричные сцены из жизни самого императора, например его прогулки по саду с львом по кличке Отакар, которого он воспитывал с самого рождения.

В Музее истории искусства находится и корона XVII в., принадлежавшая одному из соперников императора Рудольфа – князю Трансильвании. Эта замечательная корона увенчана крупным изумрудом и украшена 188 драгоценными камнями и 214 жемчужинами.

Венский музей истории искусства

Много внимания уделял Рудольф II и своей картинной галерее. Он вырос при испанском дворе, обладавшем блестящим собранием произведений искусства. Здесь у Рудольфа II выработался собственный художественный вкус, который впоследствии позволил ему безошибочно приобретать лучшие полотна: А. Дюрера, Питера Брейгеля Старшего, Корреджо, итальянских маньеристов, которые потом составили славу венскому музею.

В императорской сокровищнице хранились ювелирные украшения работы лучших мастеров, короны, камеи, драгоценные реликвии, всевозможные астрономические приборы. В конце Тридцатилетней войны (1618–1648) часть бесценной коллекции, а также картинная галерея были разграблены шведскими солдатами королевы Христины. Из Праги вывезли 570 произведений искусства, принадлежавших Рудольфу II.

Его преемник, император Матвей I, снова перенес столицу в Вену, куда потом была переведена и большая часть художественных ценностей из собраний Рудольфа II. Следующие правители династии Габсбургов свою бурную собирательскую деятельность во многом направляли на пополнение картинной галереи. Например, при Марии-Терезии из всех дворцов и замков, ей принадлежавших, в Вену были переправлены наиболее ценные произведения искусства. Значительное место в венской коллекции заняло и собрание картин эрцгерцога Леопольда Вильгельма.

Пополнение императорского собрания шло и за счет даров. Так, очаровательный «Портрет инфанты Марии-Терезии» и «Портрет инфанта Филиппа Проспера» кисти Веласкеса оказались в Вене потому, что испанские Габсбурги поддерживали тесную связь с австрийским двором. Стремясь еще больше упрочить союз двух держав, они нередко заключали династические браки. В качестве свадебных подарков в австрийское собрание и поступили полотна Веласкеса.

В XVIII в. императорское собрание стало пополняться еще и путем обмена. Таким образом император Франц II получил от своего брата эрцгерцога Фердинанда (правителя Тосканы) из флорентийской галереи Уффици ряд полотен живописцев итальянской школы, а в XIX в. из Праги были привезены ценнейшие произведения искусства.

Как во время Тридцатилетней войны, так и в эпоху наполеоновского нашествия императорскому собранию был нанесен колоссальный ущерб. В 1809 г. 436 картин в качестве военных трофеев попали в Лувр. К счастью для Австрии, через шесть лет почти все они опять возвратились в Вену.

Как целостный музейный комплекс Музей истории искусства в Вене сложился только к концу XIX в. и был открыт в 1891 г. С этого момента все императорские собрания и коллекции перешли в ведение министерства культуры Австрии и стали собственностью государства. Большую роль в формировании и изучении венского собрания живописи сыграли искусствоведы Густав Глюк и Людвиг фон Бальдас. Их приобретения, а также некоторые частные пожертвования заполнили пробелы, существовавшие ранее в венском собрании. После того как были приобретены полотна голландских и французских мастеров, а также мастеров готики и Дунайской школы, в XVI–XVIII вв. музейная коллекция живописи получила свое завершение.

Д. Веласкес. Портрет инфанты Марии-Терезии. 1659 г.

В 1872–1891 гг. по проекту архитекторов Готфрида Земпера и Карла фон Хазенауэра для музея воздвигли великолепное здание. Вместе с совершенно аналогичным зданием Музея естественной истории оно сформировало ансамбль площади Марии-Терезии: здания-близнецы стоят по двум сторонам сквера с подстриженным кустарником, а между ними – памятник императрице Марии-Терезии. Считается, что при создании этого ансамбля Земпер и Хазенауэр использовали «стиль итальянского Ренессанса», хотя в облике обоих музеев можно усмотреть

лишь отдельные его черты. Центральная часть каждого музея напоминает барочную церковь с центральным куполом 60-метровой высоты и башенками. Выстроенные из серого песчаника довольно темного и теплого тона, здания музеев выглядят необыкновенно торжественно.

Оба музея были открыты в 1891 г. в присутствии императора Франца-Иосифа I. Разместившаяся в стенах Музея истории искусства, огромная художественная коллекция Габсбургов впервые стала в полной мере доступной для широкой публики.

Внутри музеи – особенно Музей истории искусств – были отделаны чрезвычайно пышно; парадная лестница Музея истории искусств и сейчас поражает блеском позолоты, сиянием мрамора; в центре первой площадки – беломраморная группа Кановы. Сейчас в основном здании размещены египетские и восточные древности, произведения античного искусства, а также нумизматический кабинет с богатыми коллекциями монет и медалей, богатейшее собрание предметов прикладного искусства. Сначала здесь же находились коллекции старинного оружия и музыкальных инструментов, но позже они были переведены в Хофбург – бывший императорский дворец.

Музей обладает превосходным собранием древнеегипетского, греческого и римского искусства. В его состав входит экспозиция античных подлинников, размещенная на первом этаже, нумизматический кабинет, богатейшее собрание предметов прикладного искусства. Второй и третий этажи занимает картинная галерея. В ней множество шедевров мировой живописи. Картины разных национальных школ и эпох – в основном от XV до XVIII в. – экспонированы в больших залах с верхним светом, занимающих середину здания, и анфиладе кабинетов с боковым освещением.

Итальянская – особенно венецианская – живопись эпохи Возрождения представлена здесь необычайно богато: Джорджоне, Тициан, Тинторетто. Покоряет своим очарованием «Мадонна дель Прато» («Мадонна в зеленом») Рафаэля (1506). Кроме того, выставлена серия полотен Караваждо, в числе которых – «Давид и Голиаф» и «Мадонна дель Росарио» (оба – 1607), несколько больших портретов кисти Веласкеса, картины Рембрандта и Рубенса, несколько лучших произведений Дюрера, среди них – «Мученичество десяти тысяч» (1508) и «Поклонение Святой Троице» (1511).

Собрание нидерландской живописи XV–XVII вв. отражает творчество практически всех представителей этой школы. Главная часть данного раздела – лучшее в мире по полноте и качеству собрание картин Питера Брейгеля Старшего. В него входят 15 его лучших работ, выставленных в отдельном зале: «Битва Масленицы и Поста» (1559), «Детские игры» (1560), «Вавилонская башня» (1563), «Крестный путь» (1564), «Черный день» (1565), «Охотники в снегу» (1565), «Вифлеем» (1566), «Избиение младенцев» (1567), «Крестьянская свадьба» (1568/69), «Крестьянский танец» (1568/69) и др. Эти жанровые композиции дают аллегорическое истолкование всей человеческой жизни.

Рубенс представлен 36 полотнами, дающими представление обо всех этапах творчества великого фламандца. Здесь выставлена созданная им монументальная алтарная картина «Алтарь святого Ильдефонсо» (1630–1632). Среди картин Ван Дейка выделяется «Портрет принца Рупрехта фон Пфальца» – образ юного, романтического аристократа.

Музею истории искусства принадлежит одно из лучших произведений знаменитого флорентийца Бенвенуто Челлини – парадная солонка (сальера), изготовленная по заказу французского короля Франциска I в 1540–1543 гг. Специалисты называют это небольшое изящное изделие из золота с эмалью «Моной Лизой в скульптуре» и оценивают в 50 млн евро. В ночь с 10 на 11 мая 2003 г. сальера была похищена, и нашли ее только два с половиной года спустя, 21 января 2006 г., закопанной в лесу неподалеку от города Цветтль. История с пропажей сальеры стала самым крупным похищением произведения искусства в истории Австрии.

Частью музея является художественное собрание во дворце Нойе Хофбург. Оно включает в себя Хофягдкамеру – коллекцию предметов, связанных с императорской охотой, и Рюсткамеру – коллекцию оружия и доспехов, а также собрание старинных музыкальных инструментов. В структуру Музея истории искусств входят также Музей этнологии (с 2001 г.), Эфесский музей, Шатцкамера, где хранятся сокровища австрийской императорской короны, Конный музей в Штальбурге, Австрийский театральный музей и Музей императорских экипажей и придворных униформ в замке Шёенбрунн. Филиалом музея является замок Амбрас в Инсбруке. В целом собрание венского Музея истории искусства является одной из самых больших и наиболее важных художественных коллекций в мире.

Венский Бельведер

Дворец Бельведер является наиболее совершенным из сохранившихся дворцово-парковых ансамблей Вены. Свое название он получил в 1752 г., уже после того, как стал собственностью императорской фамилии. А первоначально дворец был построен для знаменитого полководца и генералиссимуса – принца Евгения Савойского (1663–1736).

Строительство «обиталища австрийского Марса» растянулось на четверть века. В 1698 г. принц Евгений стал скупать участки на склоне холма, спускавшемся к городу. В 1700 г. здесь начались работы по разбивке регулярного французского парка. Возводить Нижний дворец стали лишь в 1713 г., а центральное здание ансамбля, Верхний дворец, был построен уже в 1721–1723 гг. Ансамбль дошел до нас в почти неизмененном виде, за исключением ныне не существующих зверинца в верхней части парка и оранжереи около Нижнего дворца.

Дворец строился по проекту известного австрийского зодчего Лукаса фон Хильдебрандта (1668–1745). За основу общего плана Бельведера был взят, естественно, Версаль. При этом Хильдебрандт, используя особенности местности, создал оригинальный и совершенно неповторимый ансамбль. По его замыслу в архитектуре и в оформлении обоих дворцов должны были воплотиться воинская слава и величие знаменитого полководца. И Хильдебрандт выполнил свою задачу блестяще. Его творение высоко оценили современники и продолжает вызывать восхищение и в наши дни.

Для ансамбля Бельведера характерно редкостное благородство облика, проявившееся в сочетании парадного величия и непринужденной простоты, широты размаха и соразмерности человеческим масштабам. Оба дворца гармонично сочетаются друг с другом и с пространством парка. Вместе с тем по основному архитектурному замыслу они сильно разнятся: Нижний по сравнению с внушительным Верхним кажется всего лишь садовым павильоном.

С самого начала ансамбль был задуман как бы обращенным лицом к городу. Нижний дворец своим парадным въездом выходит на Реннвег – дорогу, ведущую к центру Вены. За полукругом ворот с двумя павильонами по сторонам раскрывается «почетный двор», окруженный одноэтажными строениями. Они очень просты, и поэтому центральная часть главного корпуса, украшенная колоннадой, кажется особенно нарядной. Эта изящная умеренность присутствует и в легком рисунке орнамента, и в мелких формах декора на стенах дворца. Контрастом им является пышное убранство внутренних помещений. Напоминанием о том, что этот «маленький Версаль» строился для великого полководца и первого вельможи страны, служат многочисленные военные трофеи, шлемы, мечи, щиты, украшающие стены центрального Мраморного зала. Роспись плафона посвящена теме «Апофеоз принца Евгения» и

принадлежит кисти итальянского живописца Альтомонте. Здесь, среди белоснежных облаков, Аполлон и другие боги Олимпа прославляют символический дар папы римского – шлем и меч, которые тот преподнес принцу Евгению Савойскому, защитнику христианского мира от турок.

Вена. Верхний Бельведер

Интерьеры залов Нижнего дворца, протянувшихся двумя анфиладами, буквально ошеломляют зрителя пышностью убранства, переливами цветного мрамора, мерцанием позолоты, белоснежной лепниной, золотистыми, красноватыми и голубыми тонами росписей. Мраморную галерею, отделанную красным мрамором и рельефами в технике стукко, сменяет Зеркальный кабинет, пространство которого кажется нереальным из-за обилия зеркальных отражений. Стены и потолок небольшого зала Гротесков покрыты причудливым тонким орнаментом.

От Нижнего дворца открывается великолепный вид на величественный, стоящий на вершине холма Верхний дворец. Между дворцами – регулярный сад с зелеными лужайками, подстриженными кустами, фонтанами, лестницами, бассейнами, декоративными вазами и статуями. Его создателем был французский садовник Клод Жирар, ученик знаменитого Андре Ленотра.

Если Нижний дворец, несмотря на всю свою роскошь, выглядит скорее парковым павильоном, то Верхний дворец сооружен поистине с королевским размахом. Средняя часть здания – трехэтажная, боковые крылья выстроены в два этажа. Статуи, рельефы, сложные обрамления окон, рустовка цоколя играют роль декора, но при этом архитектор точно соразмерил его пропорции: все пластические детали не слишком крупны, они подчинены архитектуре. Отсюда – бросающееся в глаза сдержанное изящество оформления дворца. Большой бассейн, расположенный перед центральным фасадом, отражает и умножает его красоту.

Один из основных архитектурных мотивов Верхнего дворца парадная лестница. Поднимающиеся по ней должны были проникнуться торжественностью момента, ощутить свое приближение к вершинам общественной иерархии. Лестничные марши украшены лепниной, своды поддерживают могучие фигуры атлантов. Лестница ведет на третий этаж, где открывается настоящее царство света и роскоши. Как и в Нижнем дворце, главное помещение здесь – Мраморный зал, стены которого украшают пилястры из красноватого мрамора с позолоченными капителями. В простенках, на потолке, над окнами помещены живописные картины, выдержанные в пышном барочном стиле. С балкона Мраморного зала открывается великолепный вид на Вену, который запечатлен на полотнах многих художников, начиная с XVIII в.

В отличие от Нижнего дворца интерьеры Верхнего Бельведера сохранились далеко не полностью. Однако и то, что уцелело, сохранило дух торжественного величия, характерный для этого дворцового ансамбля. Великолепен зал Фресок, стены и потолок которого покрыты росписями итальянских мастеров Фанти и Карлоне. В некоторых залах Верхнего Бельведера сохранились изящные рельефы, золоченые орнаменты, живопись известных итальянских художников Солимены, Джакомо дель По, Карлоне.

Дворец Бельведер служил летней резиденцией Евгения Савойского более десяти лет. В 1736 г. принц умер. Его наследница в 1752 г. продала дворец австрийской императорской семье. В 1776 г. в Верхнем Бельведере разместилась императорская картинная галерея, перевезенная сюда из дворца Штальбург. В 1781 г. галерея была открыта для публики. В Нижнем Бельведере жили члены имперского семейства вплоть до 1804 г., а во время наполеоновских войн сюда было перемещено художественное собрание замка Амбрас близ Инсбрука.

В 1897 г. Верхний Бельведер реконструировали по проекту архитектора Эмиля фон Фюрстера, и он стал резиденцией наследника австрийского трона, эрцгерцога Франца Фердинанда. Эрцгерцог жил во дворце с 1899 г., а его военная канцелярия находилась в Нижнем Бельведере. В бывшей оранжерее Нижнего Бельведера расположилась созданная в 1903 г. «Современная галерея», где выставлялись работы ведущих австрийских художников той поры. В 1909 г. директор галереи Фридрих Дорнхоффер расширил собрание, стремясь охватить все периоды австрийского искусства. Отныне она стала называться «Императорская и Королевская Австрийская государственная галерея».

После того как в 1914 г. эрцгерцог Франц Фердинанд был убит в Сараево, дворец пустовал несколько лет. В 1918 г., после крушения габсбургской монархии, его постройки были переданы в распоряжение нового музея – Австрийской галереи, созданного на базе прежнего собрания. Коллекции музея были реорганизованы, в их состав вошли произведения не только австрийского, но и мирового искусства. В 1923 г. в Нижнем Бельведере был открыт музей искусства эпохи барокко, а в 1924 г. в Верхнем Бельведере начала действовать галерея искусства XIX в.

После Второй мировой войны, во время которой ансамбль Бельведера подвергся разрушительным бомбардировкам, музей был вновь реорганизован. В оранжерее Нижнего Бельведера разместилось собрание готического искусства, коллекции Верхнего Бельведера пополнились произведениями мастеров национальной школы XX в., а работы европейских художников XIX–XX вв. были переданы в Новую Галерею в Штальбурге, где оставались до 1986 г., а затем снова возвращены в Бельведер. Таким образом, весь архитектурный ансамбль Бельведера ныне сам по себе является музеем и одновременно служит помещением для музеев. Его художественные коллекции охватывают период от позднего средневековья до XXI в.

В Верхнем Бельведере сегодня выставлены произведения австрийских и европейских художников XIX–XX вв. Экспозиция первого этажа охватывает период 1870–1900 гг. Здесь представлены все ведущие стили той поры: историзм, реализм, символизм, импрессионизм. Интересны полотна группы австрийских художников, известных как «воздушные импрессионисты» – Эмиля Якоба Шиндлера, Карла Шуха и Тины Блау. Их работы можно сравнить с картинами французских «барбизонцев» – Жана-Франсуа Милле, Шарля-Франсуа Добиньи и Камилла Коро. В отличие от этих спокойных, «воздушных» работ, купающихся в свете, картины Ганса Макарта (1840–1884) – «короля» австрийских живописцев второй половины XIX в., и близкого ему по духу немецкого художника Ансельма Фейербаха вдохновлены античностью и древней мифологией. Течение символизма выразительно представлено работами Макса Клингера (1857–1920). С шедеврами французского импрессионизма можно познакомиться в Мраморном зале Верхнего Бельведера, где экспонируются произведения Клода Моне, Огюста Ренуара, Эдуарда Мане. Восточное крыло первого этажа отведено под выставку работ Ван Гога.

На втором этаже Верхнего Бельведера – творчество мастеров 1800–1860 гг. Здесь представители неоклассицизма: Ангелика Кауфманн, Фридрих Хайнрих Фюгер и Франсуа Паскаль Симон Жерар. Работы Людвига Фердинанда Шнорра фон Каролсфельда, Каспара Давида Фридриха и Йозефа Антона Коха наглядно характеризуют зарождение и развитие романтизма в немецкой и австрийской живописи первой половины XIX в. Искусство бидермейера (ок. 1820–1860 гг.) представлено многочисленными портретами, пейзажами и жанровыми сценками, авторами которых являются Фридрих фон Амерлинг, Йозеф Данхаузер, Рудольф фон Альт и Фердинанд Георг Вальдмюллер. Галерея Бельведер обладает самым большим в мире собранием

картин венского бидермейера.

Г. Климт. Поцелуй. 1908 г.

Венское искусство начала XX в. хорошо представлено на постоянной выставке «Вена 1900-х гг. и искусство классического модерна». Здесь практически безраздельно царят два выдающихся мастера модерна: Густав Климт и Эгон Шиле. Среди выставленных работ – две всемирно известные картины Климта «Юдифь» и «Поцелуй». Многоцветный, разбитый на сотни маленьких цветных панелей причудливый орнамент в полотнах Климта сочетается со стилизованными, но увиденными во всей их привлекательности или неприглядности фигурами людей. В живописи Эгона Шиле развившийся в австрийском искусстве экспрессионизм сочетался с манерами стиля модерн. Его живопись и графика отмечены нервными цветовыми контрастами, отточенным рисунком. Шиле даже иногда считают одним из крупнейших представителей экспрессионизма, хотя он никогда не принадлежал к этому течению.

Нижний дворец был обращен в музей еще в 1808 г. В 1834 г. сюда были перемещены императорский нумизматический кабинет и собрание древностей. В 1923 г. в Нижнем Бельведере открылся Музей барокко, где представлены австрийская живопись и скульптура XVII–XVIII вв. Здесь особенно много работ живописца Франца Антона Маульберча, придворного скульптора Георга Доннера, а также другого крупнейшего австрийского скульптора XVIII в. – Франца Ксавера Мессершмидта. В Мраморной галерее стоят его монументальные и чрезвычайно тонко проработанные портретные статуи императрицы Марии-Терезии и ее супруга, выполненные из свинцового сплава. Хранятся в Бельведере и прославившие мастера «характерные головы» – забавные своеобразные гротескно-типажные этюды. В Зеркальном кабинете можно видеть двухметровую мраморную группу «Апофеоз принца Евгения Савойского», характерную для барокко аллегорию с нагромождением фигур; сам принц показан в сильном, несколько манерном движении. Он немолод, на его обрюзгшем крупном лице, прикрытых тяжелыми веками глазах лежит оттенок отрешенной усталости.

В собрании музея представлены и произведения других мастеров эпохи барокко – Мартино Альтомонте, Павле Трогера, Мартина Иоханна Шмидта. И хотя выставленная здесь живопись отражает в основном религиозную и мифологическую тематику, среди полотен немало портретов государственных деятелей кисти Мартина ван Мейтенса, Яна Купецки и Кристиана Сейболда, картина «Наполеон на перевале Сен-Бернар», выполненная Жаком-Людовиком Давидом в стиле неоклассицизма, а также пейзажи, пасторали и жанровые сценки, дающие наглядное представление о живописи Австрии, Южной Германии и Богемии в эпоху расцвета барокко.

В значительной степени перестроенном здании оранжереи рядом с Нижним Бельведером с 1929 по 1938 г. размещалась экспозиция Современной галереи, а ныне располагается Музей средневекового австрийского искусства, где хранятся памятники XII–XV вв. – скульптура и живопись как безымянных, так и известных мастеров. Основная часть экспозиции посвящена периоду поздней готики. Среди представленных здесь творений – работы тирольского мастера Микаэля Пахера и уроженца Зальцбурга Конрада Лайба, а также мастера из Пассау Руланда Фрюауфа (все – второй половины XV в.); части большого алтаря – шедевр Руланда Фрюауфа.

Венский Бельведер – один из самых известных музеев мира. Его выдающаяся роль в художественной жизни австрийской столицы вполне соответствует его ценности для истории искусства. Бельведеру довелось стать местом и важного исторического события: здесь 15 мая 1955 г. был подписан Государственный договор, положивший начало новому этапу развития Австрии.

Музей Лихтенштейнов

Музей Лихтенштейнов иногда называют самым молодым художественным музеем Вены, хотя на самом деле его история (если брать за точку отсчета 1807 г., когда музей впервые открылся для публичного обозрения) насчитывает около двухсот лет. После более чем полувекового перерыва 28 марта 2004 г. музей вновь распахнул свои двери, открыв для широкой публики сокровища одного из крупнейших и самых старых частных собраний в мире.

Коллекция княжеского семейства Лихтенштейн – ныне суверенных правителей одноименного княжества, одного из самых маленьких государств Европы – начала складываться еще в XVI в. В ту пору в аристократической среде вошло в моду коллекционирование и меценатство, и княжеский дом Лихтенштейнов – одна из самых древних фамилий Европы, история которой восходит к XII в. – не мог остаться в стороне от этого увлечения. Основы фамильной коллекции заложил князь Карл I Лихтенштейн (1569–1627). Назначенный императором Рудольфом II наместником Богемии, он заказал скульптору Адриану де Фризу (1545–1626) две бронзовые скульптуры в натуральную величину: «Христос в темнице» и «Святой Себастьян». Княжеское собрание было значительно расширено сыном Карла I, Карлом Эусебиушем (1611–1684). Его имя связано также с постройкой многочисленных замков и дворцов в Моравии, Нижней Австрии и Вене. Страсть к строительству и меценатству князь сумел привить своему сыну и наследнику Иоганну Адаму Андреасу, с детства внушая ему, что деньги должны использоваться только для того, чтобы оставить после себя «прекрасные и вечные памятники». В дальнейшем князь Иоганн Адам Андреас (1657–1712) существенно пополнил семейную коллекцию, купив ряд полотен Питера Пауля Рубенса (включая цикл «Деций Мус»), Антониса ван Дейка и других фламандских мастеров эпохи барокко. Князь Йозеф Венцель (1696–1772), будучи послом Австрийской империи в Париже, привез из Франции большое собрание работ французских живописцев. Он также заказал известному венецианскому мастеру Бернардо Белотто два вида летнего дворца Лихтенштейнов в Росау; ныне здесь размещается Лихтенштейнский музей.

Построил этот дворец князь Иоганн Адам Андреас, следуя завету своего отца оставлять после себя только «прекрасные и вечные памятники». Первоначально он заказал проект знаменитому венскому мастеру эпохи барокко Иоганну Бернхарду Фишеру фон Эрлаху (1656–1723), однако затем изменил свое решение и обратился к итальянскому зодчему Доменико Эгидио Росси (1659–1715). После 1692 г. над постройкой дворца работал архитектор Доменико Мартинелли (1650–1718). Приняв концепцию Росси, он внес в проект множество изменений и дополнений. Результатом стало строгое, четкое по пропорциям и формам сооружение, напоминающее античные постройки времен Римской империи. В нижнем этаже его – поддерживаемая мощными колоннами сквозная галерея, соединяющая парадный фасад дворца с садовым.

Над украшением здания также работали в основном итальянские мастера. Князь мечтал, чтобы его дворец был внутри целиком расписан фресками, и настойчиво приглашал к себе одного из ведущих фрескистов той поры, Маркантонио Франческини (1648–1729), уроженца Болоньи, расписывавшего зал совета во Дворце дожей в Генуе (эта живопись погибла в 1722 г. во время пожара). Однако длительная переписка со знаменитым болонцем не принесла результата: Франческини соглашался изготовить эскизы для фресок, но не мог приехать в Вену, чтобы лично расписывать княжеский дворец. Впрочем, князю все же удалось уговорить мастера написать для дворца в Росау серию станковых полотен. А залы, комнаты и лестницы дворца расписывали австрийский

художник Иоганн Михаэль Роттмайр (1654–1730) и знаменитый итальянец Андреа дель Поццо (1642–1709). Кисти последнего принадлежит монументальный плафон в зале Геркулеса (1704). Стукковое оформление интерьеров создано итальянским мастером Сантино Бусси (1664–1736); это – редкий для Вены образец барочного декора, почти без изменений сохранившегося до наших дней. Князь Иоганн Адам Андреас не пожалел сил и средств и на то, чтобы разбить вокруг дворца роскошный барочный сад, украшенный скульптурами Джованни Джулиани (1663–1774); наряду с парком дворца Бельведер Лихтенштейнские сады являют собой наиболее внушительный пример садово-паркового искусства первой половины XVIII в. в Вене.

Разросшееся художественное собрание Лихтенштейнов переехало в стены летнего дворца в Росау в 1807 г., а до этого оно располагалось в старом княжеском доме в Вене. Князь Иоганн I (1760–1836) пополнил его работами старых голландских и итальянских мастеров, а Алоиз II (1796–1858) коллекционировал работы современных живописцев, заложив основы для уникального собрания венского бидермейера. Внимание князя Иоганна II (1840–1929) было сосредоточено на работах мастеров XIV–XVI вв. Пользуясь советами известного немецкого историка искусства и музейного деятеля Вильгельма Боде (в 1896 г. опубликовавшего первую иллюстрированную монографию о собрании Лихтенштейнов), он приобретал шедевры ранней итальянской и голландской живописи.

Собрание Лихтенштейнов до 1938 г. оставалось одной из достопримечательностей австрийской столицы, играя заметную роль в художественной жизни Вены. Однако гитлеровская оккупация Австрии заставила княжеское семейство из предосторожности перенести фамильную коллекцию из Вены в Вадуц, столицу маленького нейтрального княжества Лихтенштейн. Без малого шестьдесят лет уникальное собрание хранилось в Музее искусств в Вадуце и лишь в 2004 г. вернулось в Вену.

Подготовка к открытию музея велась более трех лет. Лихтенштейнский дворец в Росау был полностью отреставрирован, восстановлены записанные поздней живописью в конце XIX в. великолепные фрески Иоганна Михаэля Роттмайра. На двух этажах на площади 2300 кв. м ныне располагаются драгоценные картины и скульптуры, отражающие все главные периоды художественной истории Европы, от раннего ренессанса до романтизма.

Сегодня собрание Лихтенштейнов включает в себя около 1500 картин, включая шедевры таких мастеров, как Лукас Кранах Старший, Рафаэль, Гвидо Рени, Питер Брейгель, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Франс Хальс, Рембрандт; скульпторы Адриана де Фриза и Антонио Кановы. Помимо картин и скульптур в собрании – эмали, изделия из слоновой кости, оружие, фарфор, гобелены и мебель. Огромный – около 600 кв. м – зал Геркулеса украшает великолепная фреска работы Андреа дель Поццо, изображающая Олимпийских богов. В просторном Sala Terrena (итальянская лоджия с росписью и лепниной) посетители могут увидеть великолепную, прекрасно сохранившуюся карету, принадлежавшую императорскому послу в Париже князю Йозефу Венцелю фон Лихтенштейну.

Экспозиция музея во многом уникальна. Например, только здесь и нигде более в Вене можно познакомиться с итальянской живописью эпохи кватроченто; в числе представленных здесь мастеров – сиенец Наддо Сескарелли, Джованни Баронцио, работавший преимущественно в Римини, флорентийские живописцы Лоренцо Монако, Пьеро ди Козимо, Андреа дель Сарто. Триптих «Поклонение волхвов, Распятие и Семь святых» (ок. 1345 г.) долгое время приписывался великому Джотто (1267–1337), однако ныне установлено, что его автором является Джованни Баронцио. В Римини, где работал этот художник, стиль Джотто существенно повлиял на местную школу живописи. На основе единственной подписанной и датированной работы Баронцио, хранящейся в галерее Урбино, триптих датирован приблизительно 1345 г. Андреа Мантенья вошел в историю мирового искусства как живописец, однако в собрании Лихтенштейнов он представлен прежде всего как скульптор: здесь хранится небольшая (35 см) бронзовая статуэтка «Святой Себастьян», созданная, как это недавно установлено, Андреа Мантеньей, возможно, по заказу двора герцогов Гонзага в Мантуе. Другим скульптурным шедевром является «Святой Иоанн Креститель» работы Якопо Сансовино (ок. 1540–1550).

Собрание Лихтенштейнов изобилует превосходными образцами портретной живописи XV–XVII вв. В этой секции представлены работы Рафаэля, Франческо Сальвиати, Бартелеми д’Эйка, Лукаса Кранаха Старшего, Антониса ван Дейка, Франса Хальса. «Потртет саксонского принца-электора Фридриха III Мудрого» кисти Кранаха (1532) является одной из жемчужин этого собрания. Он является частью триптиха, который помимо образа Фридриха III Мудрого включал в себя портрет его брата Иоганна и патрона Лукаса Кранаха – саксонского принца-электора Фридриха Великодушного. Художник изобразил принца как мецената, покровителя художников и ученых (он был фактическим основателем университета в Виттенберге). Здесь нет никаких внешних отличительных признаков власти – ни короны, ни скипетра, ни прочих атрибутов. Властна сама горделивая фигура Фридриха, особенно его лицо, которое художник постарался выписать с почти скульптурной тщательностью. В такой же манере выписаны тонкие руки принца. Зато все остальные части фигура изображены почти силуэтно – этим приемом мастер постарался максимально передать индивидуальность портретируемого.

В числе работ Антониса ван Дейка в собрании Лихтенштейнов хранится «Святой Иероним» (ок. 1615–1616). Эта картина – самая ранняя большая работа художника, где использован религиозный сюжет. Молодой еще в ту пору живописец изобразил Иеронима – автора перевода Библии на латинский язык – одновременно и как святого отшельника, удалившегося в пустыню, и как ученого, занятого своим важным делом на лоне природы, безмятежность которой подчеркивается спящим у ног Иеронима львом.

Картина Рембрандта «Купидон с мыльным пузырем» (1634) в аллегорической форме передает размышления художника о бренности и быстротечности всего сущего. Развалившийся на кровати, покрытой красной тканью, шаловливый Купидон беспечно пускает мыльные пузыри; эти пузыри, увы, эфемерны и недолговечны, как и любовь (Купидон – бог любви), как и вся человеческая жизнь… Это полотно – типичная ранняя работа Рембрандта.

Собрание Лихтенштейнов располагает одной из самой обширных в мире коллекций полотен Рубенса – 33 работы, собиравшиеся на протяжении трех веков и охватывающие все периоды творчества этого мастера. Центром этого весьма репрезентативного собрания является цикл «Деций Мус» (1616–1617), повествующий о подвигах и героической смерти легендарного римского консула Деция Муса, покрывшего себя славой в войне между римлянами и самнитами в 340 г. до н. э. В эпоху античности история Деция Муса была популярным и часто приводившимся различными авторами exemplum virtutis – примером исключительной добродетели. Один из отцов христианской церкви, св. Августин, также приводил пример Деция Муса в качестве образца поведения христиан в обществе. Опираясь на это положение, Рубенс в своих полотнах попытался провести параллель между самопожертвованием римского консула и мученичеством святых.

П. П. Рубенс. Венера у зеркала. Ок. 1615 г.

Рубенс

создал этот цикл из шести картин, написанных маслом на картоне («Жертвоприношение и гадание», «Деций Мус готовится к смерти», «Деций Мус обращается к легионерам», «Победа и смерть Деция Муса в бою», «Похороны Деция Муса», «Трофей») по заказу брюссельских производителей гобеленов Яна Раеса и Франса Свеертса; предполагалось, что они будут перенесены на гобелены. В 1693 г. картины приобрел князь Иоганн Адам Андреасо фон Лихтенштейн в Антверпене; они демонстрировались в галерее городского дворца Лихтенштейнов в Вене, с 1807 по 1938 г. были выставлены в Лихтенштейнском дворце в Росау, ныне возвращены на прежнее место.

К числу ранних произведений Рубенса принадлежит «Портрет Клары Серены Рубенс» (ок. 1616 г.), на которой изображена пятилетняя дочь художника; это один из наиболее трогательных детских портретов в истории европейского искусства. Обезоруживающая прямота, с которой ребенок смотрит на зрителя, совершенно нетипична для портретной живописи той поры; она, несомненно, выражает близкие, доверительные отношения между отцом и дочерью. Портрет, вероятно, предназначался для семьи, но не для продажи.

Два сына художника – Альберт и Николаус – запечатлены на двойном «Портрете Альберта и Николауса Рубенсов» (ок. 1626–1627). Как и дочь Клара Серена, это были дети от первого брака Рубенса с Изабеллой Брант. На момент создания портрета мальчикам было тринадцать и девять лет соответственно. Николаус (1618–1655), младший, выглядит очень непосредственно. Он совершенно игнорирует зрителей и, кажется, озабочен только игрой со своим щеглом, которого он привязал к ленте, – популярная детская забава в то время. В отличие от своего младшего брата Альберт (1614–1657) выглядит серьезным, почти взрослым. Известно, что отец с детства прививал ему любовь к чтению и дал мальчику классическое образование. Свою первую поэму на латинском языке Альберт Рубенс написал в возрасте тринадцати лет; книга в его руке ясно указывает на академический склад ума юноши (в конечном счете Альберт Рубенс стал одним из наиболее уважаемых и авторитетных ученых в области греко-римской античности).

«Пейзаж с доярками и коровами» (1616) считается одним из самых первых пейзажных полотен в творчестве Рубенса. Он принадлежит к группе картин, первоначально украшавших дом художника в Антверпене, и оставались они в его владении вплоть до конца жизни. Рубенс писал пейзажи, как правило, по собственной инициативе, свободный от ограничений, накладываемых заказчиками. В картине «Пейзаж с доярками и коровами» художник, по-видимому, оживил образцы итальянской пейзажной живописи.

Коллекция Музея Лихтенштейнов не очень велика – около 3 тыс. экспонатов, однако ее качеству могут позавидовать крупнейшие музеи мира. К этому стоит добавить библиотеку, насчитывающую около 10 тыс. томов; она располагается на первом этаже дворца (сегодня в ней также устраиваются выставки графики). Поскольку в постоянной экспозиции музея выставлена лишь одна седьмая часть собрания Лихтенштейнов, в залах дворца периодически устраиваются временные тематические выставки, посвященные искусству отдельных периодов.

Музейный квартал Вены

Расположенный в центре Вены Музейный квартал входит в десятку крупнейших культурных комплексов мира наряду в Вашингтонским Моллом и берлинским Островом музеев. Здесь на площади в 60 тыс. кв. м разместилось более двадцати крупных, средних и совсем небольших культурных учреждений, в числе которых – Музей Леопольда, Музей современного искусства Фонда Людвига, галерея «Кунстхалле», Детский музей, Хореографический центр «Танцевальный квартал» и т. п. Музейный квартал стал одним из главных центров современного австрийского искусства и одновременно – любимым местом отдыха горожан и гостей Вены. Ежегодно квартал принимает более миллиона посетителей.

В архитектурном облике Музейного квартала удачно объединились старое и новое, исторические и современные постройки. Основой для него послужил ансамбль старых императорских конюшен, построенный в 1713–1723 гг. по проекту Иоганна Бернгарда Фишера фон Эрлаха. С 1921 г. это здание, получившее название «Ярмарочного дворца», использовалось для проведения ярмарок и выставок. Еще в 1980 г. родилась идея создания на его базе крупного культурного центра, однако в реальности к реконструкции бывших дворцовых конюшен приступили только в апреле 1998 г. Тремя годами позже Музейный квартал был открыт (в два этапа – в июне и сентябре 2001 г.). Общая стоимость строительных работ составила два миллиарда евро.

Музей Леопольда

Одной из главных достопримечательностей квартала стал Музей Леопольда – крупнейшее в мире собрание произведений австрийского искусства XIX–XX вв. В его основу легла коллекция Рудольфа и Элизабет Леопольдов, собиравшаяся на протяжении пяти десятилетий. В августе 1994 г. эта коллекция была передана в распоряжение частного Фонда Леопольда, созданного при участии австрийского правительства и Национального банка Австрии. С этого времени фонд организовывал в Австрии и за границей многочисленные выставки, а с открытием Музея Леопольда в Музейном квартале в 2001 г. выдающееся собрание шедевров современного австрийского искусства, включая самую большую в мире коллекцию работ Эгона Шиле, впервые стало в полной мере доступным всеобщему обозрению.

В выстроенном на участке старых императорских конюшен четырехэтажном здании музея – оно выглядит как белый куб, облицованный ракушечником, – разместилось более 5 тыс. произведений выдающихся австрийских мастеров, внесших огромный вклад в европейское искусство рубежа XIX–XX вв.: Густава Климта, Эгона Шиле, Оскара Кокошки, Рихарда Герстля, Альбина Эггер-Линца, Фердинанда Георга Вальдмюллера, Фридриха Гауэрманна, Августа фон Петтенкофена, Антона Ромако, Карла Шуха, Герберта Бёкля, Альфреда Кубина, Эмиля Якоба Шиндлера и многих других. Их картины, рисунки и графические работы охватывают временной период в два века и отражают все художественные направления той поры.

Представителями бидермейера и «старой венской» школы выступают Фридрих Гауэрманн, Иоганн Баптист Райтер и конечно же Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) – крупнейший австрийский живописец первой половины XIX в., профессор Венской Академии художеств. Для его манеры письма характерна почти фотографическая точность в передаче натуры. Представленные здесь пейзажи, портреты, простоватые жанровые сценки, сцены охоты наглядно характеризуют австрийское искусство той поры, когда Вена являлась одним из крупнейших художественных центров Европы. Историческая школа представлена работами Ганса Канона (1829–1885) и Ганса Макарта (1840–1884), на короткое время завоевавшего славу едва ли не самого популярного венского художника. Пейзажи Иоганна Баптиста Райтера, Тины Блау, Ольги Визингер-Флориан представляют собой австрийский вариант импрессионизма. Манерно-экспрессивная живопись Антона Ромако (1832–1889) – портреты, пейзажи, мифологические сюжеты – предвещает появление «венского модерна», представители которого выступали за отказ от консервативных академических традиций. В живописи лидером этого движения был Густав Климт (1862–1918), основавший в 1897 г. объединение художников «Сецессион», членами

которого стали, в частности, Карл Молл, Фердинанд Андри, Леопольд Блауэнштайнер. Выйдя в 1906 г. из «Сецессиона», Климт основал Союз австрийских художников, поддерживая молодых художников-новаторов Эгона Шиле и Оскара Кокошку. Творчество Климта, Шиле и Кокошки стало главным вкладом Австрии в мировое искусство.

Более 220 работ Эгона Шиле составляют ядро коллекции Музея Леопольда. Всемирная слава пришла к этому художнику уже спустя 80 лет после его смерти и благодаря неутомимым трудам основателя музея, профессора Рудольфа Леопольда. Он увлекся живописью Шиле в начале 1950-х гг., когда в среде искусствоведов этот художник считался в лучшем случае «талантом местного значения», в худшем – «вырожденцем». В 1955 г. Леопольд отобрал несколько лучших, с его точки зрения, работ Шиле для выставки искусства австрийского модерна в музее Стеделийк в Амстердаме. Эта выставка имела оглушительный успех. Ранее почти неизвестный за пределами Австрии Шиле стремительно попал в первый ранг европейских художников XX в. Следующим шагом стала организованная Леопольдом выставка работ Шиле в США, после которой нью-йоркский Музей современного искусства приобрел несколько акварелей австрийского художника. Потом были выставки в Инсбруке, Лондоне, Вене, Мюнхене, снова в Нью-Йорке… С 1968 по 1971 г. Леопольд работал над большой монографией о творчестве Эгона Шиле – эта книга стала базой для всех последующих исследователей.

Искусство арт нуво в Австрии на рубеже XIX–XX вв. не ограничивалось рамками «Сецессиона», а принимало различные формы. Собрание Музея Леопольда знакомит посетителей с творчеством мастеров важнейших художественных течений той поры: «Кунстлерхауса», наиболее ярким представителем которого был Альбин Эггер-Линц (1868–1926), уроженец Тироля, автор монументальных полотен на исторические темы; «Веркштетте», представленного работами Коломана Мозера и Йозефа Хофманна; «Хагенбунда», в русле которого развивалось творчество архитектора и художника Оскара Ласке (1874–1951). Несколько в стороне от этих направлений находится фигура Рихарда Герстля (1883–1908), одного из ведущих представителей австрийского экспрессионизма. Живопись экспрессионистов представлена в Музее Леопольда и работами таких мастеров, как Герберт Бёкль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Ганс Бюдер, Макс Оппенгемер, Антон Файстауэр, Альфред Кубин, Франц Вигеле и др. Кроме того, здесь экспонируются изделия прикладного искусства и оригинальная мебель в стиле «югендстиль» и «венских мастерских». Отдельную часть экспозиции составляет коллекция этнографических материалов из Африки, Океании и Дальнего Востока.

Противоположностью белоснежному кубу Музея Леопольда выглядит сложенное из темно-серого, почти черного базальта, увенчанное куполом здание Музея современного искусства Фонда Людвига (сокращенно МУМОК, от немецкого «Museum Moderner Kunst»). В его стенах размещается одно из крупнейших европейских собраний современного искусства, в котором представлены все авангардные стили XX в. – поп-арт, фотореализм, неореализм и другие революционные направления. Кроме того, здесь можно ознакомиться со сменяющими друг друга выставки современных художников.

История музея насчитывает уже около полувека. Он был открыт 20 сентября 1962 г., первоначально носил название Музей искусства XX в. и располагался в Швейцергартене («Швейцарском саду», между Арсеналом и дворцом Бельведер). Организаторам музея удалось получить для него здание павильона Австрии на Всемирной выставке 1958 г. в Брюсселе (архитектор Шванцер); для музейных нужд его пришлось несколько переделать.

С годами коллекции музея расширились, в частности за счет приобретения крупной коллекции кёльнского собирателя Вольфганга Ханна (так называемое собрание Ханна). В 1979 г. из-за недостатка места его перевели во дворец Лихтенштейнов в Альзергрунде. Несколько ранее началось сотрудничество музея с супругами Петером и Иреной Людвиг из Аахена (Германия), страстными коллекционерами современного искусства. В 1981 г., после долгих переговоров, был основан Фонд Людвига, под эгидой которого были объединены коллекция музея и частная коллекция Людвигов. В 1991 г. музей получил свое современное название – Музей современного искусства Фонда Людвига, а в сентябре 2001 г. его собрание переехало в новое здание, построенное в Музейном квартале, в историческом центре Вены.

Коллекция МУМОК насчитывает более 9000 работ: картины, рисунки, скульптуры, инсталляции, графика, отражающие историю современного искусства от классического модерна до современности, а также фотографии, архитектурные модели и мебель первой половины XX в. В числе представленных здесь авторов – Пабло Пикассо, Василий Кандинский, Рене Магритт, Рой Лихтенстайн, Жоан Миро. В постоянно действующей экспозиции выставлено лишь около 400 работ. Коллекция произведений эпохи классического модерна не очень обширна (что обусловлено в первую очередь поздней датой создания музея), но искусство второй половины XX в. представлено очень полно.

Искусство поп-арта представлено работами Энди Уорхола, Роберта Раушенберга, Джаспера Джонса; неореализм – произведениями Дэниела Сперри, Йоко Оно, Георга Брехта, Марселя Дюшана. Венский акционизм – наиболее существенный вклад австрийского искусства в развитие международного авангарда, представляют Гюнтер Брус, Отто Мюль, Герман Нитш и Рудольф Шварцкоглер.

В Музейном квартале расположена и галерея «Кунстхалле» – выставочный зал, принадлежащий муниципалитету Вены, где регулярно устраиваются выставки современного искусства. В других выставочных залах размещаются, в частности, хореографический центр «Танцевальный квартал», Музей табака, Центр архитектуры и Детский музей. Реконструированный «Флигель Фишера фон Эрлаха» облюбовали художники и творческие группы самых различных направлений в искусстве.

Венский музей естественной истории

«Храмом естествознания» называют расположенный в центре австрийской столице Венский музей естественной истории. Его здание – «брат-близнец» венского Музея истории искусства – действительно выглядит подобно большому храму с 60-метровым куполом, увенчанным статуей античного бога солнца Гелиоса, и изваяниями известных ученых-естествоиспытателей, установленными на балюстраде кровли. Этот музей – не только один из крупнейших естественнонаучных музеев мира (число его экспонатов достигает 20 миллионов). Благодаря почтенному возрасту, изысканной архитектуре, богатому декоративному оформлению, обилию старинной мебели в залах и уникальности коллекций – многим экспонатам уже 250 лет – его можно считать настоящим «музеем музеев». Многие научные дисциплины зародились и развивались одновременно с этим патриархом музейного дела, а некоторые ныне вымершие виды животных (например, Стеллерова корова и тасманийский волк) и птиц еще благополучно здравствовали в те времена, когда венский музей еще делал только свои первые шаги; ныне их чучела можно увидеть лишь здесь и нигде более.

Основы музея заложил Франц I Стефан, герцог Лотарингский и император Священной Римской империи (1708–1765), супруг австрийской императрицы Марии-Терезии. Страстный любитель всяческих редкостей, он около 1750 г. купил у

флорентийского ученого Иоганна Байлу (1679–1758) самую обширную и самую известную по тем временам естественнонаучную коллекцию – 30 тыс. всевозможных объектов. В нее входили: редкие окаменелости, моллюски, раковины, кораллы, минералы и драгоценные камни. В отличие от многих других кунсткамер и «кабинетов редкостей» того времени эта коллекция была собрана и систематизирована уже по вполне научным критериям.

Император очень любил свою коллекцию и не жалел никаких средств на то, чтобы расширить ее. Известно, например, что за один только экземпляр редкой раковины он заплатил астрономическую по тем временам сумму в 4 тыс. гульденов, что соответствовало размеру годового жалованья государственного чиновника высшего ранга. Франц Стефан организовал также одну из первых научных морских экспедиций. По его поручению известный натуралист Николаус Йозеф Жакен (1727–1817) в 1755 г. совершил плавание в Карибское море, к Антильским островам, побережьям Венесуэлы и Колумбии. Из этой поездки он привез множество экземпляров живых животных и растений для императорского зверинца и ботанического сада, а также 67 ящиков с естественнонаучными материалами.

После смерти Франца Стефана императрица Мария-Терезия открыла коллекцию покойного императора для публичного осмотра – так было положено начало Венскому музею естественной истории. Самой Марии-Терезии страсть к собирательству была чужда, однако она прекрасно понимала практическое значение естественных наук для процветания государства. Так, она придавала большое значение минералогии, видя в ней источник развития горнодобывающей промышленности. По приглашению императрицы в Вену приехал известный минералог Игнац фон Борн, создавший новые методы разработки месторождений благородных металлов. Императрица поручила ему также заняться упорядочиванием и расширением коллекций музея. Под руководством Игнаца фон Борна музей приобрел характер научного учреждения, ориентированного не только на собирание и изучение естественнонаучных коллекций, но и на исследования, имеющие прикладной характер.

Основой для современного собрания насекомых Венского музея естественной истории послужила коллекция Йозефа Наттерера (отца известного зоолога Иоганна Наттерера), приобретенная в 1793 г. австрийским императором Францем I. В 1806 г. музей приобрел также собрание насекомых Европы, принадлежавшее ученому-натуралисту Иоганну Карлу Мергеле.

Венский музей естественной истории

В 1817 г. император Франц отправил научную экспедицию в Бразилию, бывшую в ту пору португальской колонией. В состав экспедиции входил ученый-натуралист Иоганн Наттерер, которому предстояло провести в Южной Америке целых 18 лет. За это время он собрал и отправил в Вену огромные количества новых экспонатов для музея: чучела и скелеты экзотических животных, гербарии, коллекции минералов. В помещениях королевского дворца вскоре уже не хватало места для столь многочисленного пополнения, и коллекцию Наттерера решили разместить в отдельном здании, получившем название Бразильского музея.

Еще одним успешным научным предприятием, существенно пополнившим коллекции Венского музея естественной истории, стало кругосветное плавание фрегата «Новара» (1857–1859). Его инициатором выступил эрцгерцог Фердинанд Максимилиан, командующий австрийским военно-морским флотом, предоставивший только что построенный фрегат в распоряжение Академии наук и Географического общества. Эрцгерцог сам горел желанием принять участие в экспедиции, однако этому помешала болезнь. Не удалось заполучить на борт «Новары» и ведущих натуралистов той поры, например Александра фон Гумбольдта, но, тем не менее, в плавание на фрегате ушли многие известные ученые: геолог Фердинанд фон Хохштеттер (позднее ставший первым директором Венского музея естественной истории), этнограф Карл фон Шерцер, зоолог Георг фон Фрауэнфельд. В течение двух лет экспедиция исследовала ряд островов в Индийском океане, затем, миновав Зондские острова, подошла к берегам Китая, отсюда – к западному побережью Австралии, а потом, обогнув мыс Горн, вернулась на родину, пройдя в общей сложности 10 600 морских миль. Собранные коллекции минералов, животных, растений и предметов этнографии были огромны. Не могло быть и речи об их размещении в старых дворцовых кабинетах, так что на повестку дня встал вопрос о сооружении отдельного здания для музея.

Последним крупным исследовательским предприятием, совершенным австрийскими исследователями, стала полярная экспедиция на корабле «Тегетгоф» под руководством Юлиуса фон Пайера и Карла Вейпрехта (1872–1874). Отправившееся в высокие широты судно вмерзло в лед и с 21 августа 1872 г. по 27 февраля 1873 г. находилось в дрейфе. 30 августа 1873 г. участники экспедиции открыли ранее неизвестный архипелаг, названный ими Землей Франца-Иосифа, в честь тогдашнего австрийского императора. Так как стиснутый льдом корабль вот-вот мог пойти на дно, путешественники были вынуждены покинуть его. 20 мая 1874 г. они начали свой долгий 2,5-месячный путь на юг. Несмотря на все трудности сложного путешествия, ученые наряду с журналами наблюдений и путевыми записками сумели благополучно доставить в Вену и часть собранных естественнонаучных коллекций.

Между тем еще в 1871 г. архитекторы Готфрид Земпер и Карл фон Хазенауэр приступили к строительству в Вене на Рингштрассе обширного ансамбля из двух музеев, которые были призваны украсить австрийскую столицу и дать приют двум значительно разросшимся императорским коллекциям: художественной и естественнонаучной. Торжественное открытие Венского музея естественной истории состоялось 10 августа 1889 г. в присутствии императора Франца-Иосифа I. В 39 залах музея на площади 8700 кв. м разместились уникальные минералогические, зоологические, ботанические, палеонтологические и этнографические коллекции. В числе выставленных здесь экспонатов – гигантский дымчатый топаз весом 117 кг; золотые и серебряные самородки из Перу, колумбийские изумруды; 25-метровый, прекрасно сохранившийся скелет диплодока – вымершего миллионы лет назад динозавра, самого большого обитателя суши, когда-либо жившего на нашей планете; знаменитая на весь мир «Венера Виллендорфская», 11-сантиметровая статуэтка, изготовленная палеолитическим человеком 25 тыс. лет назад; фантастический букет из 2102 алмазов и 761 драгоценного камня, вставленный в вазу, выточенную из цельного кристалла горного хрусталя, – подарок, преподнесенный императрицей Марией-Терезией своему мужу. Коллекция метеоритов, хранящаяся в Венском музее естественной истории, считается самой большой в мире (более 1500 экспонатов). Еще один любопытный объект – механический планетарий, построенный в XVIII в. механиком Иоганном Георгом Нестфеллем. Уникальность музейного собрания эффектно подчеркивается художественным декором фасада и внутренних помещений, символизирующим историю освоения человеком окружающего мира, а также сотней картин, написанных маслом известными художниками второй половины XIX в.; на них горные разработки, исторические ландшафты и пейзажи далеких стран.

Экспозиция первого этажа посвящена разнообразию животного мира – от насекомых до высокоразвитых

млекопитающих. Многие из выставленных здесь чучел представляют не только познавательную, но и историческую ценность: их возраст составляет более 200 лет и они служат своеобразным памятником искусству таксидермистов XVIII в. Кроме того, многие животные в наши дни уже считаются вымершими или находятся на грани исчезновения. На втором этаже демонстрируются огромная коллекция минералов, образцов полезных ископаемых и окаменелостей, кости гигантских динозавров, а также произведения искусства доисторического человека.

Технический музей в Вене

Расположенный в венском районе Пенцинг Технический музей принадлежит к числу старейших научно-культурных учреждений австрийской столицы. Основу его собраний составила уникальная коллекция императорского-королевского Кабинета национальной фабричной продукции, созданного по инициативе императора Франца I еще в 1807 г. Цели создания этого кабинета были сугубо прагматические: предполагалось, что он будет способствовать развитию австрийских ремесел и промышленности и продвижению продукции национальных производителей на международные рынки. Со всех концов обширной империи Габсбургов в Кабинет присылались изделия самого разнообразного назначения – от предметов роскоши, порой изготовленных в единичных экземплярах, до образцов серийной продукции массового спроса. Таким образом в собрании Кабинета накопилась весьма внушительная коллекция изделий австро-венгерской промышленности начиная с первых лет XIX в. Напомним, что многонациональная империя Габсбурга являлась одной из самых крупных экономических областей Европы, так что эта коллекция по сути представляет собой картину всей европейской промышленности той поры.

Венский технический музей

В 1908 г. на основе разросшихся собраний Кабинета национальной фабричной продукции было принято решение организовать Технологический музей торговли и промышленности. Строительство специального здания для него началось в 1909 г., однако из-за событий Первой мировой войны открылся музей только в 1918 г. Ныне Технический музей в Вене является одной из достопримечательностей австрийской столицы. Здесь на площади 22 тыс. кв. м разместились экспозиции, посвященные истории науки, техники, промышленности, транспорта. Особый акцент сделан на проблемы энергетики и взаимодействия технических достижений с природой и стилем человеческой жизни, однако в целом это не специализированный музей – это музей техники вообще. Его экспозиция понятна и интересна всем – от специалиста до простого обывателя.

Наиболее любопытная часть музейного собрания – это коллекции бывшего императорского-королевского Кабинета национальной фабричной продукции, рисующие широкую и яркую картину европейской промышленности в XIX в. Вдохновленные вниманием императора к их проблемам, австрийские промышленники и изобретатели наперебой старались преподнести свою продукцию в наилучшем виде, порой создавая уникальные, даже фантастические вещи, очень оригинальные по замыслу, но, увы, бесполезные в практическом применении. Другие изобретения, наоборот, становились достоянием всего человечества. В любом случае для промышленности тех лет характерен исследовательский дух, безудерждное стремление к экспериментированию и поистине юношеская отвага, с какой молодые инженеры первой половины XIX в. брались решать такие сложнейшие задачи, которые еще ни разу не вставали перед человечеством. Каждое из представленных изделий имеет свою собственную историю, тесно связанную с социальными и экономическими переворотами того времени.

Музей еще только строился, под ним даже была сооружена показательная каменноугольная шахта. Шахтеры из каменноугольного бассейна Карвин, расположенного близ современной чешско-польской границы, воссоздали здесь типичный облик тогдашних каменноугольных разработок, с оборудованием начала XX в. В 1954 г. эта выставка-шахта была дополнена участком, характеризующим развитие горного дела в середине XX в. Наконец, в 1999 г. шахту снова расширили: здесь разместили машины и механизмы, демонстрирующие технологический уровень конца XX в. Таким образом, сегодня здесь представлена вся история горной промышленности на протяжении последних ста лет.

Всем известно, какую важную роль в жизни современного человека играет энергетика. Раздел «Энергия» рассказывает об истории использования человеком различных видов энергии. Экспозиция раздела выстроена в хронологическом порядке и включает в себя три секции. «Эра ремесел» охватывает период от первобытных времен до начала эпохи индустриализации. В этот продолжительный период человечество использовало лишь самые примитивные виды энергетических установок – всевозможные водяные колеса, ветряки и механизмы, приводимые в действие мускульной силой. Следующая секция посвящена «Эре электростанций» и охватывает период от начала промышленной революции до XX в. Источники энергии становятся разнообразней – пар, газ, электричество – однако производится она децентрализованным способом. Электростанции снабжают энергией лишь отдельные фабрики либо небольшие по размерам территории. Третья эпоха, «Эра сетей», наступает в XX в. Производство энергии становится централизованным. Разветвленные системы трубопроводов, линий электропередач и электрических кабелей поставляют энергию от места производства в любую точку планеты.

Отдельный раздел музея посвящен всевозможным двигателям: паровым, внутреннего сгорания, электрическим. Открывает экспозицию «отец всех двигателей» – паровой двигатель Джеймса Уатта (1736–1819). Запатентованный в 1769 г. и построенный в 1776 г., он впервые «добрался» до Австрии только спустя полвека – в 1825 г. Кульминацией эпохи паровых двигателей и одновременно завершением этой главы в истории промышленной революции стал горизонтальный паровой двигатель для автомобилей (в Австрии начал использоваться в 1908 г.). В числе наиболее выдающихся экспонатов – парный паровой двигатель, один из двух, сохранившихся во всем мире до наших дней, а также «готический» паровой двигатель Прика (1872), замечательный образец творчества венских инженеров XIX в. Здесь же можно видеть паровой двигатель с подогревом (1853) и горизонтальный паровой двигатель второй половины XIX в. Все эти механизмы находятся в рабочем состоянии и их запускают специально для посетителей каждое первое воскресенье месяца.

Раздел экспозиции, посвященный роли техники в повседневной жизни человека, вероятно, наиболее близок каждому посетителю музея. Выставленные здесь экспонаты представлены в контексте истории и текущих проблем человечества: каким образом то или иное изобретение, о котором мы порой даже не вспоминаем, повлияло на наш быт? А между тем еще совсем недавно холодильники, пылесосы, бытовые компьютеры, системы видеонаблюдения были просто неизвестны большинству населения земного шара…

Один из самых интересных разделов музея – секция музыкальных инструментов, одна из старейших в экспозиции. К моменту образования Кабинета национальной фабричной продукции в 1807 г. Австрия уже славилась своими производителями органов и фортепиано. Мало кто знает, что и аккордеон был изобретен в Вене в

1829 г. Изготовители музыкальных инструментов постоянно стремились улучшать свои изделия, порой следуя методу проб и ошибок. Эти эксперименты в конце концов привели к появлению в начале XX в. первых электронных инструментов.

Одним из самых первых клавишных инструментов стал клавесин, звук на котором извлекался не ударом, а щипком: клавиша приводила в движение упругие язычки, а они, в свою очередь, зацепляли струну. Около 1710 г. Бартоломео Кристофори, клавесинный мастер из Падуи, создал первый gravecembalo col piano e forte («клавесин с тихим и громким звуком»). В инструменте Кристофори звук извлекался деревянными молоточками с обшитыми упругим материалом головками. Теперь исполнитель мог играть тише или громче – piano или forte. Отсюда и пошло название нового инструмента – пианофорте, а позднее – фортепиано. Клавесин и фортепиано использовались параллельно на протяжении нескольких десятилетий, но к концу XVIII в. устаревший клавесин окончательно исчез со сцены и возродился только в XX в., когда возникла мода на клавесинную музыку.

Австрия всегда славилась своими мастерами органнного дела. Считается, что этот сложный и чрезвычайно многоплановый инструмент был изобретен греками в Александрии Египетской около 250 г. до н. э. Первоначально он использовался в развлекательных целях, например в цирковых представлениях. В Средние века в Центральной Европе орган начал использоваться в церковной службе. В конце XIX в. он приобрел еще одну роль – концертного инструмента, и огромные органы, изготовленные лучшими мастерами, стали устанавливаться в концертных залах. Гораздо раньше, в XVII в., были созданы маленькие органы с механизмами автоматического управления. Их устанавливали в музыкальных часах. Такие «часы с органом» отличаются поистине удивительным звуком и являются сегодня очень большой редкостью. Первые музыкальные автоматы также появились в XVII в., а около 1800 г. была изобретена новая разновидность музыкального автомата: музыкальная шкатулка.

Успехи в области радиовещания в начале XX в. вызвали к жизни ряд новых музыкальных инструментов, в первую очередь электронных – сегодня их можно рассматривать как далеких предков синтезатора и электронного органа. До 1930-х гг. многие австрийские и немецкие фирмы, особенно в Берлине, активно занимались созданием электронных инструментов; эти разработки были на время приостановлены из-за прихода к власти нацистов и начала Второй мировой войны. Только в 1950-х гг. идеи создателей электронных инструментов получили дальнейшее развитие.

На редкость богат раздел транспорта. Достаточно сказать, что «железнодорожная» часть экспозиции даже выделилась в отдельный Железнодорожный музей в Штрассхофе, раскинувшийся на площади 8,5 га, где демонстрируются многочисленные транспортные средства, средства связи и обеспечения. Здесь можно увидеть и самый старый австрийский паровоз KFNB «Licaon», построенный в 1851 г. и до сих пор находящийся в рабочем состоянии, и электрический локомотив OBB 1198.05 образца 1927 г., в просторечии именуемый «крокодилом».

Конная железная дорога между Линцем и Будейовицами, вступившая в строй 1 августа 1832 г., стала первой на европейском континенте железной дорогой общественного пользования. Первоначально ее цель состояла в том, чтобы улучшить транспортировку соли из Зальцкаммергута в Чехию. В 1836 г. линия была расширена от Линца до Гмюндена. В последующие годы дорога стала использоваться и для пассажирского сообщения, особенно на южном отрезке пути до Гмюндена. Несмотря на то что в 1837 г. начала функционировать первая в Австрии паровая железная дорога, конная железная дорога между Гмюнденом и Будейовицами продолжала действовать до 1855 г.

Чрезвычайно интересна хранящаяся в музее коллекция императорских салон-вагонов XIX – начала XX в. С пуском первой паровой железной дороги в 1837 г. австрийские промышленники справедливо рассудили, что члены правящего императорского дома и другие высокопоставленные лица не преминут воспользоваться этим новым видом транспорта. Различные железнодорожные компании немедленно стали разрабатывать различные модели комфортабельных вагонов, предназначенных для «придворных поездов» («хофцуге»). Первый императорский салон-вагон встал на рельсы в 1845 г. Особенно любила железнодорожные путешествия императрица Елизавета («Сисси»), в 1860–1870-е гг. объездившая всю Австро-Венгрию, и все же, как показала практика, удобства салон-вагонов оказались весьма относительными. Документы свидетельствуют, что императрица более всего жаловалась на холод и плохое отопление. По настоянию ее церемониймейстера, австрийские железнодорожные компании наконец смогли обеспечить императрицу набором салон-вагонов, воплотивших в себе самые последние технические достижения того времени.

В начале XX в. австрийские железные дороги начали электрифицировать. В 1903 г., после экспериментов с использованием однофазных и трехфазных систем электроснабжения, на вооружение была принята наиболее удачная система постоянного однофазного тока пониженной частоты с напряжением контактного провода 15 тыс. в и частотой 15 гц (спустя некоторое время она была увеличен до 16 2/3 гц). Узкоколейная железная дорога в долине Штубай, вступившая в строй в 1904 г., стала первой в Европе электрифицированной железной дорогой.

Отдельный раздел экспозиции Технического музея посвящен истории авиации. В Австрии одним из самых известных пионеров воздухоплавания был конструктор Иго Этрих (1879–1967), построивший в 1900–1901 гг. свой первый планер, однако при пробных запусках он потерпел неудачу. В 1903 г. Этрих познакомился с молодым инженером Францем Вельсом и благодаря сотрудничеству с ним создал в последующие годы множество удачных летательных аппаратов. Самой знаменитой моделью конструктора стал оригинальный по схеме самолет «Таубе», широко использовавшийся в Первую мировую войну.

Во многом уникальная экспозиция Технического музея в Вене принесла ему международную известность. В его стенах регулярно проводятся тематические выставки, посвященные различным техническим достижениям. В музейной медиатеке хранится огромный аудиовизуальный архив, где исследователи могут получить доступ к информации из сферы технологии, науки, политики, истории, повседневной жизни, литературы, музыки.

Бельгия

Королевский музей искусства и истории

Королевский музей искусства и истории в Брюсселе принадлежит к числу крупнейших музеев Бельгии и является ядром большого музейного комплекса, известного как Королевские музеи искусства и истории (в его состав входят также Королевский музей оружия (Музей Халских ворот), Японская башня и Китайский павильон). Основанный в 1835 г., он насчитывает сегодня в своих фондах около 650 тыс. экспонатов, проливающих свет на историю и культуру пяти континентов (за исключением Черной Африки), от доисторических времен до наших дней. Здесь представлена, в частности, крупнейшая в мире археологическая коллекция, рассказывающая о древней истории той части Европы, где ныне располагается Королевство Бельгия. Это собрание начало формироваться еще во второй половине XIX в., когда на территории Бельгии впервые стали проводиться серьезные археологические исследования.

Экспонаты, выставленные в этой части музея, охватывают период в полмиллиона лет.

О быте палеолитических охотников рассказывают многочисленные каменные и костяные орудия труда. Около 5500 г. до н. э. в жизни древних обитателей северо-запада Европы происходит качественный скачок: человек становится оседлым и в основном занимается разведением крупного рогатого скота и земледелием. В этой части экспозиции можно увидеть миниатюрную модель деревни той поры, реконструированной на основе находок, сделанных учеными в Хаспенгоуве (Бельгия). К 2000 г. до н. э. на территории Бельгии появляются первые металлические изделия, а приблизительно с 750 г. до н. э. – железо как результат расширившихся торговых связей с другими областями Европы. По-видимому, эта торговля весьма обогатила местную племенную верхушку, так как с этого времени в погребениях знати начинают появляться многочисленные золотые украшения. Пик роскоши приходится на кельтскую эпоху, когда здешние земли населяли племена бельгов, родственные галлам. К числу истинных шедевров коллекции музея относится великолепная золотая оковка рога для питья (ок. 400 г. до н. э.).

В 57 г. до н. э. легионы Юлия Цезаря двинулись на покорение Галлии, и в жизни кельтских племен, населявших территорию нынешней Бельгии, наступила новая эпоха. Римские завоеватели быстро нашли общий язык с местной аристократией, которая уже более пятисот лет была связана с югом Европы благодаря торговому обмену с греческими городами-колониями на побережье Средиземноморья. В северной части Галлии была образована обширная римская провинция Бельгика, охватывавшая не только территорию современной Бельгии, но и север Франции, Люксембург и часть современной Германии. Сеть новых дорог связала между собой различные части страны, были основаны новые города. Период процветания этих земель под римским владычеством дал археологам богатейшие коллекции находок, ныне хранящихся в четырех залах Королевского музея искусства и истории, где представлены многочисленные изделия из металла, керамики и стекла, монеты, резные каменные саркофаги и надгробные памятники.

Брюссель. Королевский музей искусства и истории

В конце V в. на территорию римской Галлии вторглись франки, и к середине следующего в. полностью захватили ее. Предводитель франков Хлодвиг (481–511) вел свой род от легендарного Меровея, по имени которого династия франкских королей именовалась Меровингами, а период истории Западной Европы с конца V до начала VIII в. ныне условно именуют меровингским. В Северной Галлии (современной Бельгии) пришлое население оказалось в большинстве, и здесь дольше сохранялись самобытные черты их общественного уклада и культуры. Сегодня в погребениях франкских вождей эпохи Меровингов археологи находят богато украшенное оружие, золотые кольца, серьги, фибулы, подвески, пряжки, ожерелья, несущими на себе отпечаток «варварского» искусства древних германцев.

Коллекции отдела древностей Королевского музея искусства и истории известны далеко за пределами Бельгии. Они охватывают огромный период человеческой истории, от первых цивилизаций Месопотамии и долины Нила до расцвета античного Рима. Всемирную известность приобрел выставленный в экспозиции музея рельеф с изображением Гильгамеша, героя шумеро-аккадского эпоса (Месопотамия, 2250–1900 гг. до н. э.). Впечатляющее собрание искусства Древнего Ирана охватывает период с 6000 г. до н. э. до VII в. н. э. и представлено, в первую очередь, изделиями из металла и керамики. Основу этой коллекции, одной из самых обширных в мире, составили предметы из раскопок в Луристане, которые вела бельгийская археологическая экспедиция во главе с Луи ван ден Берге.

Древнеегипетский рельеф

Богатейшая египетская коллекция музея начала складываться в 1850 г., первоначально на основе подарков, сделанных частными лицами. Во второй половине XIX в. были сделаны два значительных приобретения: куплена египетская коллекция Г. Хагеманса (1861) и получено в дар собрание Э. Меестера Равенстейна (1884). Однако в наибольшей мере расширение египетской коллекции музея связано с именем Жана Капара (1887–1947), крупнейшего бельгийского египтолога, который сумел не только заинтересовать меценатов, но и организовать первую бельгийскую научную экспедицию в Египет (1937).

В настоящее время египетский раздел имеет более 11 тыс. экспонатов, освещающих все периоды истории Древнего Египта. Помимо нескольких всемирно известных шедевров здесь представлены сотни предметов обихода египтян, свидетельствующих об их религиозных воззрениях, суевериях, культуре и быте. Неизменный интерес посетителей музея вызывает небольшой заупокойный храм эпохи пирамид, воссозданный из подлинных деталей и украшенный чудесными фресками. К числу наиболее важных объектов относятся так называемая Брюссельская Леди – скульптура архаичного периода, изображающая неизвестную женщину; считается, что это один из самых ранних женских образов в древнеегипетском искусстве (ок. 2650 г. до н. э.); высеченная из камня голова фараона Микерина (ок. 2500 г. до н. э.); рельеф с портретом царицы Тийи, супруги фараона Аменхотепа III (приблизительно 1375–1360 гг. до н. э.).

Греческое собрание музея в основном сформировалось во второй половине XIX – начале XX в. на основе предметов, поступивших главным образом из частных собраний. Центром этого раздела экспозиции является обширная коллекция греческих ваз, одна из самых больших в мире, охватывающая период с бронзового века до эпохи эллинизма.

Эпоху Древнего Рима предваряет Этрусский зал, а о собственно римской цивилизации рассказывают преимущественно находки, сделанные бельгийской археологической экспедицией при раскопках города Апамеи, во времена Римской империи являвшегося одним из крупнейших культурных центров Ближнего Востока. Основанный ок. 300 г. до н. э. Селевком I Никатором, соратником Александра Македонского, и названный в честь его жены Апамы – персидской принцессы, этот город был одним из трех главных городов Римской Сирии. Согласно официальной переписи населения, здесь проживало 117 тыс. одних только полноправных граждан.

Посетители музея могут восхищаться умелой реконструкцией знаменитой Большой колоннады, некогда пересекавшей Апамею с севера на юг, но самым главным сокровищем является одна из лучших в Европе коллекция римских мозаик, представляющих различные течения этого искусства на Ближнем Востоке в IV–V вв. н. э. Лучшие образцы мозаик дал раскопанный археологами обширный дом, который считают дворцом правителя города. Отсюда, в частности, происходит великолепная мозаика со сценами охоты (вторая половина V в.) – одно из лучших произведений искусства Восточного Средиземноморья римской эпохи. Центром римской экспозиции служит макет Рима в пору его наивысшего расцвета (конец IV в.), созданный в 1937 г. французским архитектором Полем Биго в масштабе 1: 400. Музей обладает также множеством мраморных и бронзовых скульптур римского периода.

Византийская коллекция музея была основана в 1979 г. и является единственным в Бельгии публичным собранием подобного рода. Она включает в себя объекты не только собственно византийской эпохи, но и происходящие из разных мест

византийского мира, включая Грецию, Россию и Ближний Восток. Здесь демонстрируются греческие иконы XVII–XVIII вв., в числе которых – «Христос Пантократор», «Синод архангелов», «Распятие со святым Мелетием». Три шедевра происходят с севера России. На иконе новгородской школы «Св. Иоанн Богослов и Св. Ефрем Перекомский(?)» (датируется 1500 г.) в двух регистрах изображены св. Иоанн Евангелист, диктующий Евангелие своему молодому секретарю, Прохору, внизу – монах, держащий в руках камыш; по всей видимости, это св. Ефрем Перекомский (ум. в 1492 г.), основавший в 1438–1450 гг. монастырь близ Новгорода и прокопавший канал («прокоп», диалектное «переком») от озера Ильмень к монастырю. Икона «Спас Нерукотворный» также происходит из Новгорода и датируется XVIII – началом XIX в. Третьим шедевром является «Собор Богородицы» (XVI в.).

Весьма значительная коллекция коптских тканей, насчитывающая около 550 экспонатов, занимает промежуточное место между искусством христианского Востока и исламским собранием. Эти произведенные в Египте ткани относятся к периоду с III по XII в.

Пожалуй, центральное место в экспозиции музея занимает огромная коллекция европейского декоративного искусства VIII–XX вв. Здесь представлены работы мастеров разных стран, стилей и направлений: романское искусство сменяется готическим, ренессанс – барокко, неоклассицизм – искусством арт деко. Столовое серебро, ювелирные изделия, фарфор, керамика, костюмы, кружево, бронза, мебель, скульптура, гобелены, ткани, стекло, витражи – все виды прикладного искусства нашли свое отражение в этой огромной экспозиции. Наибольший интерес представляют портативный алтарь из Ставелота (Бельгия, ок. 1150 г.); фрагмент алтарной росписи с изображением Страстей Христовых (Брюссель, ок. 1470–1480 гг.); цикл из 10 гобеленов с историей апостола Иакова (Брюссель, 1528–1534); скрипка, изготовленная в Делфте в начале XVIII в.; скульптура сфинкса в стиле арт нуво (Брюссель, 1897).

Отдел неевропейских цивилизаций объединяет археологические, этнографические и художественные коллекции, происходящие из Америки, Азии и Океании. Африка представлена только памятниками исламского искусства, происходящими с севера континента. Китайская коллекция экспонируется отдельно в так называемом Китайском павильоне, а японская – в Японской башне (оба этих музея входят в комплекс Королевских музеев искусства и истории).

Очень богатая американская коллекция разделена на две секции: Америка доколумбова и Америка этнографическая. Помимо сокровищ великих цивилизация майя, ацтеков и инков здесь представлены произведения мастеров менее известных культур Нового Света. Поражает разнообразие материалов, с которыми работали мастера доколумбовой Америки: золото, глина, дерево, камень, текстиль… Вторая часть коллекции объединяет этнографический материал, собранный уже в эпоху освоения Америки европейцами. Шедевром этой части собрания является уникальный плащ из птичьих перьев (Бразилия, культура Тупинамба, XVI – начало XVII в.).

Очень богато и разнообразно представлена в музее искусство народов Юго-Восточной Азии. Более 3 тыс. экспонатов раскрывают широкую картину культуры Вьетнама, начиная от эпохи неолита до XIX в. Среди них выделяются ритуальный бронзовый топор и большие бронзовые барабаны культуры Донгшон (VI–I вв. до н. э.), керамическая ваза II в. н. э., монохромная керамика XI–XIV вв. Искусство Камбоджи представлено десятками больших каменных скульптур, типичных для раннесредневекового кхмерского искусства – результат работы бельгийских археологов в Камбодже в 1930-х гг. Творчество мастеров Таиланда и Бирмы ярко характеризуют скульптуры из позолоченной бронзы, дерева и терракоты. Особым разнообразием отличается индонезийская коллекция; многие представленные здесь экспонаты были приобретены бельгийскими этнографами и любителями-коллекционерами еще в XIX в.

Искусство Гималаев представлено двумя коллекциями очень хорошего качества. Речь идет, во-первых, о коллекции бельгийца Леона Верберта, работавшего в Китае и собравшего более 600 редких памятников тибетской, монгольской и китайской культуры. 385 предметов из этой коллекции было приобретено в 1956 г. бельгийским государством. В их числе – изделия ритуального назначения, бронзовые и деревянные статуи, расписные полотнища-танка. Последние датируются периодом XVII–XIX вв. и происходят главным образом из провинций Амдо и Кхам на востоке Тибета. Вторая коллекция – это собрание полковника Макдональда, долгое время служившего в Индии и подарившего музею в 1930-х гг. свое собрание бронзовых скульптур и ритуальных предметов.

Стержнем коллекции Индии, Пакистана, Афганистана и Шри Ланки является религиозное искусство. Таинственная цивилизация долины Инда (городская культура Хараппы и Мохенджо-Даро) представлена статуэтками животных, маленькими идолами из обожженной глины и весьма схематичными женскими фигурками. Две большие статуи, изображающие Будду и бодхисатву и датированные началом н. э., олицетворяют знаменитое искусство Гандхары, которое подчас называют «греческим искусством в Индии». Несколько рельефов, высеченных в сланце, иллюстрируют сцены из жизни Будды. Бронзовая статуя Шивы Натараджи (Южная Индия, начало XIII в.) принадлежит к числу шедевров музейной коллекции. Она создана в эпоху, когда в Южной Индии правила могущественная династия Чолов, строившая целые города-памятники. Многорукий бог Шива изображен в неистовом танце, символизирующем вселенские циклы создания и разрушения.

Коллекция исламского искусства включает в себя около 1200 экспонатов, происходящих преимущественно из Египта, Ирана и Турции. Она сосредоточена преимущественно на текстиле и керамике, хотя здесь представлены все грани искусства обширного исламского мира: изделия из металла, стекла и дерева, ковры, лаковые изделия, миниатюра и иллюстрированные рукописи, относящиеся к периоду 600–2000 гг.

Благодаря совместной франко-бельгийской экспедиции, совершившей в 1934–1935 гг. плавание на учебном судне «Меркатор», существенно пополнилась океанийская коллекция музея. Отдельный зал посвящен духовной культуре острова Пасхи: здесь выставлены каменные и деревянные статуэтки, а также огромная, 6-тонная каменная фигура бога-покровителя рыбаков (между 1000 и 1680 г.).

Отличающиеся большим разнообразием и представляющие несомненный художественный и научный интерес коллекции брюссельского Королевского музея искусства и истории привлекают не только многочисленных посетителей, но и специалистов их разных стран мира. Экспозиция почти ежегодно пополняется новыми экспонатами.

Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе

Королевские музеи изящных искусств – значительный и наиболее известный музейный комплекс Бельгии. Этот огромный музей разделен на две части – Музей старинного искусства (XV–XVII вв.) и Музей современного искусства (XIX–XX вв.). В состав комплекса входят также два музея, посвященных творчеству отдельных художников – музей Константэна Менье (1831–1905) и музей Антуана Виртца (1806–1865).

В настоящее время в фондах Королевских музеев насчитывается более 20 тыс картин, рисунков и скульптур. Ядро собрания составили произведения искусства, конфискованные в 1794–1798 гг.

французскими революционерами. В 1801 г. первый консул Французской республики Наполеон Бонапарт распорядился создать на основе этого собрания Брюссельский музей. В 1811 г. вся собственность музея перешла к городу Брюсселю, а в 1835 г. король Леопольд I создал на его основе национальный музей. В последующие годы его собрание было увеличено не только путем новых приобретений, но и за счет пожертвований от многочисленных меценатов.

Музей старинного искусства располагается в бывшем дворце Карла Лотарингского. Здесь собраны картины XV–XVIII вв. и часть скульптурной коллекции, включая выдающееся собрание работ мастеров эпохи барокко. Значительную часть экспозиции занимает творчество великих живописцев XV–XVI вв. из Южных Нидерландов – так называемых фламандских примитивистов: Рогира ван дер Вейдена, Дирка Боута, Ханса Мемлинга, Иеронима Босха.

Брюссель. Королевские музеи изящных искусств

Знаменитый фламандский художник Ханс Мемлинг (1440–1494) представлен здесь своими широко известными работами «Мученичество св. Себастьяна» (ок.1470) и «Портрет Виллема Морееля и его жены» (1482). Иероним Босх (ок. 1460–1516) известен работами, наполненными демоническими существами; эти картины демонстрируют исключительную независимость этого великого мастера от традиций его времени. Однако на выставленном в брюссельском музее полотне «Распятие на кресте» (1480–1485) ничего подобного нет. Эта картина полностью соответствует иконографической традиции XV в., кроме того, это одна из немногих работ Босха, содержащих портрет дарителя (донатора). Донатор, стоящий на коленях, молится о спасении. Его сопровождает Святой Петр (личность донатора не известна, только его имя – Петр (Питер), что обозначено присутствием его святого покровителя). Повернувшись к св. Иоанну Богослову, Петр представляет своего подопечного и просит заступиться за него. Св. Иоанн, в свою очередь, просит Деву Марию воззвать к своему Сыну. Фоном для этой сцены служит, по-видимому, реальное или почти реальное место на окраине какого-то фламандского города (он виднеется вдали), где действительно пытали осужденных преступников: сломанная виселица, разбросанные кости…

В зале Питера Брейгеля демонстрируются три всемирно известных холста этого великого мастера, проведшего в Брюсселе последние годы жизни.

«Падение восставших ангелов» (1562). Архангел Михаил, облаченный в золотые латы, сражается с многоглавым драконом. Его светящаяся фигура выглядит маленькой и хрупкой среди сонма омерзительных демонов. Но уже трубят победу крылатые ангелы! Толпы корчащихся тварей устремляются вниз, за пределы картины – во тьму кромешную. Рано или поздно мир будет очищен от этой мерзости…

«Падение Икара» (ок. 1558 г.). На холме, возвышающемся над усеянной кораблями бухтой, пахарь, пастух и рыбак занимаются своей повседневной работой. Никто из них не замечает бьющих по воде ног Икара, упавшего с небес и тонущего далеко от берега. Гибель античного героя – лишь незначительный эпизод в ничем не нарушаемом ритме Вселенной…

На полотне «Перепись в Вифлееме» (1566) в качестве антуража используется типичный пейзаж покрытой снегом фламандской деревни.

Другие произведения мастера представлены копиями, выполненными его сыном, Питером Брейгелем-Младшим, включая внушительную картину – «Битва Масленицы и Поста».

В числе итальянских полотен XVI в. музей имеет ряд прекрасных работ Тинторетто. Немецкая школа представлена произведениями Лукаса Кранаха Старшего и Конрада Фабера, а живопись XVII в. – блестящими картинами Якоба Йорданса (в их числе «Аллегория Изобилия», 1623 г.; «Праздник Бобового короля», конец 1630-х – начало 1640-х гг.), множеством портретов Антониса ван Дейка – итальянского и антверпенского периодов, замечательным ансамблем полотен Давида Тенирса Младшего. Музей располагает также обширным собранием голландских мастеров XVII в. Здесь представлены жанры «золотого века» голландской живописи: библейские сцены Абрахама Блумарта, портреты Рембрандта и Франса Хальса, жанровые сценки Адриана ван Остаде, Габриэля Метсю и Яна Стена, пейзажи Якоба ван Рёйсдаля и Николаса Берхема, маринистика Яна ван Гойена и Лудольфа Бакхейзена. Гордостью музея является зал Рубенса, размещающий более 20 картин этого великого живописца. В их числе – «Снятие с креста», «Мученичество святой Урсулы», «Мученичество святого Ливина». Говоря об искусстве XVIII в., следует упомянуть замечательные картины Франческо Гуарди и Хуберта Роберта. Известная картина Жака-Луи Давида «Смерть Марата» (1793), как и ряд других работ, относящихся к концу XVII в., являются уже частью собрания Музея современного искусства.

Размещенный в прекрасном неоклассическом здании, связанном с Музеем старинного искусства, Музей современного искусства демонстрирует позднюю часть собрания Королевских музеев. Приблизительно 200 картин, большей частью бельгийских художников, дают яркое представление об искусстве Бельгии и Европы XIX–XX вв. Здесь хранится прекрасное собрание работ бельгийских сюрреалистов, включая картины Рене Магритта (1898–1967) «Черная магия» (1933–1934) и «Царство света» (1954). Есть в экспозиции музея и полотна Пабло Пикассо, Марка Шагала, Генриха Мура. В отдельном зале – последнем в наземной части музея – представлено творчество Джеймса Энсора (1860–1949), выдающегося бельгийского художника-символиста.

Отдельный корпус отведен XX в., спрятанный под землю, чтобы не портить исторический архитектурный ландшафт площади перед историческим дворцом. В этой части коллекции выставлено множество работ бельгийских концептуалистов и кинетистов, особое внимание уделено участникам творческих объединений «Кобра», «Три мудреца» и «Молодая бельгийская живопись».

У западного фасада Музея старинного искусства расположился Сад скульптур, открытый для публики в 1991 г. Его посетители могут полюбоваться «Рекой» Аристида Майоля, помещенной в центре декоративного водоема. Дополнением к этому шедевру великого французского ваятеля служат скульптуры, созданные мастерами XX в. – Эмилио Греко, Бернхардом Хайлигером, Дольфом Леделем, Паулем Ханрецем.

Ж.-Л. Давид. Смерть Марата. 1793 г.

Королевский музей изящных искусств в Антверпене

В Королевском музее изящных искусств в Антверпене разместилось весьма представительное собрание картин, скульптур и рисунков XIV–XX вв. Основа этой ныне всемирно известной коллекции была заложена еще в XV в., когда антверпенская гильдия Святого Луки получила от городских властей в свое распоряжение зал для регулярных встреч ее членов. Эта гильдия, просуществовавшая с 1382 по 1773 г., была цеховой организацией городских живописцев. Антверпен XV–XVII вв. являлся художественной столицей Фландрии. Это город Антониса ван Дейка и Питера Пауля Рубенса, Якоба Йорданса, Давида Тенирса, Яна Брейгеля Старшего (сына Питера Брейгеля), одно время являвшегося главой антверпенских художников.

«Палата искусств», как стали называть зал гильдии, использовалась не только для встреч художников и торжественных празднеств. Здесь хранились многие наиболее яркие работы антверпенских мастеров. В 1663 г. по предложению Давида Тенирса Младшего (1610–1690) под покровительством гильдии была основана художественная Академия,

которая должна была «обучать искусству живописи, ваяния, перспективы и книгопечатания», а также способствовать развитию изящных искусств. Поощряя молодые таланты, Академия начала покупать их произведения, а когда в 1773 г. гильдии были упразднены, художественная галерея гильдии Святого Луки в «палате искусств» также перешла в собственность Академии. Уже в то время в собрании гильдии находились «Портрет Абрахама Графеуса» кисти Корнелиса де Воса, «Святое семейство с попугаем» Рубенса и три картины Якоба Йорданса.

Следующим этапом в истории музея стала массовая конфискация произведений искусства в антверпенских церквях, монастырях и других общественных зданиях в годы французской оккупации Антверпена (1794–1796). Эти художественные сокровища были вывезены во Францию, однако в 1815 г., после падения наполеоновского режима, около 40 работ были возвращены. «Одиссея» 26 картин, включая полотна Рубенса, завершилась в итоге в музее Академии.

В первые годы существования музей, с 1810 г. размещавшийся в постройках упраздненного монастыря миноритов, располагал собранием преимущественно работ художников второй половины XVI–XVII вв. Художественные коллекции музея начали быстро расти в XIX в. за счет щедрых пожертвований частных лиц. В 1823 г. голландский король Вильгельм I подарил музею две картины: одну – Тициана, другую – Давида Тенирса младшего. Он же в соответствии с королевским декретом от 25 марта 1827 г. ассигновал музею субсидию для приобретения произведений современного искусства в салонах Амстердама, Антверпена, Гента и Брюсселя.

Антверпен. Королевский музей изящных искусств

В 1840 г. собрание музея обогатилось бесценным наследством Риддера Флорента ван Эртборна, бывшего мэра Антверпена. Обладая безошибочным художественным вкусом, этот известный в свое время меценат собрал большую коллекцию полотен XV–XVI вв. В их числе были работы Яна ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена, Ханса Мемлинга, Жана Фуке, Симоне Мартини, Антонелло да Мессины. В течение XIX в. еще множество произведений искусства, включая современные, вошли в состав музейного собрания.

В результате здания Академии, даже после ряда реконструкций и расширений, оказались слишком тесными и уже не могли вмещать все художественные сокровища. В 1873 г. муниципалитет Антверпена постановил отвести для постройки нового здания музея участок земли на месте снесенного Зюйдеркастела (Южного замка) – старой испанской крепости времен герцога Альбы (кон. XVI в.). Спустя 17 лет, 11 августа 1890 г., новый музей был официально открыт.

Построенное в псевдоклассическом стиле по проекту И. Виндерса и Ф. ван Дейка, его здание эклектично по архитектуре и перегружено украшениями, однако оно хорошо приспособлено для экспозиции самой обширной и лучшей в Бельгии художественной коллекции, ныне насчитывающей более 7200 произведений искусства – в том числе 3200 картин, 3600 рисунков и гравюр и 400 скульптур – и охватывающей период от фламандских примитивов до мастеров XX в. Здесь выставлены превосходные работы Ж. Фуке, Г. Мемлинга, Рогира ван дер Вейдена, Я. ван Эйка, Франса Хальса, Яна Брейгеля Старшего, Якоба Йорданса, Ж.-Л. Давида. Но главное сокровище музея – это конечно же работы раннего Рубенса. Нет сомнения, что Рубенс в зрелые годы писал артистичнее, чем в молодости, и поздние его полотна тоньше по мастерству и мысли, однако среди них нет картины, где гений художника открывался бы со столь внезапной, ошеломляющей силой, как на полотнах, хранящихся в Антверпенском музее: «Поклонение волхвов», «Троица», «Удар копьем»… Но, быть может, самая незабываемая из них – «Снятие с креста», уменьшенная копия полотна, хранящегося в антверпенском соборе Нотр-Дам-д’Анверс.

В музее достаточно полно представлено и искусство XIX–XX вв. Имена представленных здесь авторов впечатляют: Огюст Роден, Джеймс Энсор, Хенри ван дер Вельде, Якоб Смитс, Рик Воутерс, Пьер Алехинский, Амедео Модильяни. Но главное сокровище музея – это все-таки живопись величайших художников Фландрии XVI–XVII вв., родиной которых был Антверпен…

Музей Грунинге

Муниципальный музей Грунинге в Брюгге называют сокровищницей старого фламандского искусства. Это всемирно известная коллекция картин, одно из самых богатых собраний Бельгии – не очень обширное, но не уступающее по значению антверпенскому Королевскому музею изящных искусств – представляет собой самое полное собрание старой и современной живописи Фландрии. Шесть веков фламандской (с XIX в. – бельгийской) живописи, от алтарей Яна ван Эйка до инсталляций Пола де Кейзера, сосредоточились в 11 залах этого небольшого, в сущности, музея – мирового класса.

Его официальное название – Муниципальный музей изящных искусств. Район, где располагается музей, еще с XIII в. назывался «Грунинге» (фламандс. Groeninge) – зеленый, из-за обилия растительности. Основу музейной коллекции составило собрание картин города Брюгге, принадлежащее муниципалитету. Оно начало формироваться в XVIII в., однако за три века до этого Брюгге приобрел славу крупнейшего центра южнонидерландской школы живописи, представителей которой сегодня принято называть «фламандскими примитивистами». С этим городом самым тесным образом связаны жизнь и творчество таких выдающихся мастеров мирового искусства, как Ян ван Эйк и Ханс Мемлинг.

В 1898 г. это собрание было раздроблено, часть полотен передана в фонды Музея современного искусства. Картины старых (до XVIII в.) мастеров были оставлены в помещениях городской Академии в надежде, что когда-нибудь для них удастся построить подходящее здание. Эту мечту удалось осуществить лишь спустя три десятилетия.

Здание музея было построено в 1929–1930 гг. на земле, принадлежавшей бывшему аббатству Эекхоут. Архитектор Ж. Вирин избрал для него модернистский стиль. Дизайн внутренних помещений можно назвать минималистским – белые стены, красные ковры на полу. Экспозиция прекрасно организована, система освещения разработана по последнему слову музейной техники. Здесь нет традиционных музейных запасников – все новые поступления сразу попадают в «публичный архив», на стенды депозитария, стоящие прямо в залах, так что посетители могут сразу оценить приобретения, сделанные музеем за последние десять лет.

Ядро музейной экспозиции – всемирно известное собрание фламандских мастеров XV–XVI вв. Однако политика музея всегда предусматривала, что в его стенах должно быть представлено и искусство более поздних периодов, так что сегодняшняя коллекция Грунинге располагает широким диапазоном живописцев эпохи ренессанса и барокко, и творчество мастеров неоклассицизма и реализма XVIII–XIX вв., бельгийского символизма, модернизма и фламандского экспрессионизма. Имеется также небольшая, но ценная коллекция современных бельгийских художников (после 1945 г.).

«Визитная карточка» музея – «Богоматерь каноника ван дер Пале» Яна ван Эйка (1436). Мария с младенцем изображена сидящей на троне, в церкви романской архитектуры (в ней явно угадывается церковь Св. Донациана в Брюгге). Рядом стоят святые Донациан и Георгий. Здесь же – заказчик картины, каноник Георг ван дер Пале. Это полотно поражает глубоким психологизмом, проникновением в глубины человеческого характера; ван Эйк добивается

почти вещественной осязаемости всех деталей картины. Буквально ощутимы пергаментная кожа старого ван дер Пале, светящаяся золотым шитьем риза архиепископа Донациана. Дева Мария и Богомладенец с милосердием смотрят на погруженного в размышления каноника.

В числе других шедевров музея Гронинге – произведения Иеронима Босха («Страшный суд»), Гуго ван дер Гуса («Успение Богоматери»), Питера Пурбуса («Страшный суд»), Ханса Мемлинга («Алтарь Св. Христофора»), Герарда Давида («Крещение Христа», «Суд Камбиза»).

Искусство «фламандских примитивистов», без сомнения, самая ценная часть коллекции музея. Однако немалый интерес представляет и собрание произведений эпохи барокко и классицизма, так же как и бельгийских художников-экспрессионистов начала XX в. и движения «Кобра» второй половины XX в. Среди представленных в этой части экспозиции произведения – романтико-ностальгические полотна Поля Дельво и сказочные, волнующие воображение работы Рене Магритта.

Сравнительно небольшие размеры музея позволяют осмотреть его всего за пару часов. Каждый зал имеет своего рода тему, основанную на том или ином художественном направлении или периоде, и это позволяет зрителю сравнивать и противопоставлять различные стили, мастерство художников, их интерпретации того или иного сюжета и т. д. В любом случае качество представленного здесь искусства превосходно, и недаром этот относительно небольшой музей входит в число самых знаменитых художественных галерей мира.

Болгария

Национальный археологический музей

Болгарская столица славится своими музеями, рассказывающими о многовековой истории страны, и частными галереями современного искусства, отразившими жизнь новой Болгарии 2000-х гг. В Софии насчитывается свыше двадцати разных музеев. В каждом из этих собраний обычно хранятся произведения не одного, а нескольких видов искусств. Так, например, в Национальном археологическом музее кроме собственно археологических экспонатов, извлеченных из земли, хранятся также древние иконы, мозаика, художественные изделия из металла, произведения бытового искусства. Этой богатейшей коллекции способны позавидовать лучшие музеи мира.

София. Национальный археологический музей

Археологический музей – «отец» всех болгарских музеев. Идея создания первого общеболгарского музея оформилась в кругах болгарской интеллигенции еще в 40-х гг. XIX в. Его основы начали закладываться уже в первые месяцы после освобождения Болгарии от турецкого ига. При создании Публичной библиотеки при ней была организована небольшая музейная коллекция, которая вскоре переросла в музейный отдел. Пополнение его собраний предметами старины шло в основном за счет подарков от частных лиц. Особую активность проявляли учителя провинциальных школ, которые со всех концов Болгарии слали в Софию все, что с их точки зрения представляло историческую ценность.

В 1892 г. музейный отдел отделился от Публичной библиотеки в самостоятельное учреждение, а 1 января 1893 г. указом болгарского князя Фердинанда был преобразован в Национальный музей. Было задумано, что его экспозиция будет посвящена многовековой истории болгарских земель, поэтому в первые же годы своего существования музей освободился от всего, что не соответствовало его новому профилю. Естественнонаучная коллекция была передана университету, а оставшиеся материалы сгруппировались по трем разделам: древности, нумизматика и этнография.

Музею было отведено здание бывшей Буюк-мечети, построенной турками в 1451–1494 гг. После изгнания турок из Болгарии это здание пустовало. Во время Освободительной войны 1877–1878 гг. в нем располагался госпиталь, потом министерство народного просвещения устроило в нем библиотеку, однако оказалось, что здание мечети совершенно не подходит для хранения книг. Впрочем, многие сомневались и в том, что оно подойдет и для музея. Так, известный чешский ученый Константин Иречек (1854–1918), много лет проработавший в Болгарии и внесший немалый вклад в становление болгарской науки (в 1881–1884 гг. он даже был министром народного просвещения Болгарии), оценивал выбор Буюк-мечети как «крайне неподходящий». Но, как бы то ни было, крупнейшая археологическая коллекция Балканского полуострова вот уже более ста лет продолжает оставаться в этом здании.

Музей официально был открыт для публики 18 мая 1905 г. С самого начала он являлся не только образовательным, но и научным учреждением. Сотрудники музея первыми начали вести археологические раскопки на территории Болгарии, их находки значительно обогатили музейные фонды. Уже в конце XIX в. началось планомерное исследование остатков столиц раннесредневекового болгарского государства – Плиски и Преслава, в первые десятилетия XX в. ученые вели раскопки римских городов Никополиса ад Иструм и Эскус (Гиген), фракийского святилища бога Асклепия, раннехристианской церкви Св. Софии в Софии. С 1911 г. на музей возложили задачу составления археологической карты Болгарии.

Одновременно музей использовал значительные средства на покупку предметов старины и художественных произведений, принадлежавших частным лицам. В итоге собрания музея настолько расширились, что уже в 1906 г. было решено выделить его этнографические коллекции в самостоятельный Этнографический музей. В 1909 г. музей в Буюк-мечети получил официальное наименование Национальный археологический музей, а в его структуре были созданы четыре отдела: древности, средневековья, нумизматический и художественный. В 1920 г. к ним добавился отдел предыстории.

В период 1938–1944 гг. к зданию Буюк-мечети были пристроены два крыла, что позволило переустроить экспозицию музея и открыть для всеобщего обозрения множество ценных памятников старины, ранее неизвестных широкой публике. В конце Второй мировой войны музей сильно пострадал от бомбардировки, сгорела часть музейной документации и библиотеки, однако, по счастью, основные фонды остались целы. После ремонта в 1948 г. музей вновь открылся для посетителей. Одновременно из его состава был выделен художественный отдел, на основе которого была создана Художественная галерея.

Сегодня постоянная экспозиция музея размещена в четырех залах: зале Предистории, зале Сокровищ, Центральном зале и зале Средневековья. Здесь представлены находки со всей территории современной Болгарии, от периода верхнего палеолита (1–1,5 млн лет до н. э.) до эпохи Второго Болгарского царства (1185–1396).

Экспозиция доисторического периода расположена в нижнем этаже северного крыла и в хронологическом отношении охватывает целую эпоху от палеолита до ранней и средней бронзы (1 600 000–1600 гг. до н. э.). Это самый длинный период в истории человечества – от появления на Земле первых людей до первых письменных свидетельств о народах, населявших в древности земли современной Болгарии. На дату появления доисторического человека на этих землях проливают свет находки в пещере Козарника: им 1,6 млн лет. Экспонаты этого раздела включают в себя орудия труда и охоты, изготовленные первобытными обитателями Болгарии их камня, кости, рога. Здесь же демонстрируются кости и зубы давно вымерших животных, с которыми приходилось сталкиваться доисторическому человеку:

пещерного медведя, саблезубого тигра, гигантского оленя, широколобого лося, мамонта. Особого внимания заслуживает ряд уникальных экспонатов, имеющих мировое значение: фрагмент камня с вырезанным на нем рисунком – самым древним в Европе (найден в пещере Темна-дупка) и гравированная кость из пещеры Козарника, имеющая возраст 1,1 млн лет – первый во всей Европе рисунок на кости (разумеется, из числа дошедших до наших дней).

Значительное место в этой части экспозиции занимает большая археологическая коллекция из раскопок в Караново. Доисторический человек жил в этой местности на протяжении нескольких тысячелетий, и сегодня ученые находят здесь богатейший материал, относящийся почти ко всем периодам ранней человеческой истории – от раннего неолита до начала бронзового века. В числе находок – уникальные антропоморфные и зооморфные фигурки, печать с таинственными пиктограммами, напоминающими знаки зарождающейся письменности, маленькие керамические алтари и другие предметы культа.

Эпоха ранней и средней бронзы (3100–1600 гг. до н. э.) представлена каменными молотами, с помощью которых древние металлурги добывали руду, керамическими сосудами, и конечно же бронзовым оружием, ритуальными предметами и украшениями. К этому же периоду относится и появление первых изделий из золота – из этого металла, в частности, изготавливали амулеты. Многосторонний духовный мир человека того времени нашел свое проявление в исключительно разнообразных предметах ритуального назначения. Среди этих находок есть несколько настоящих шедевров доисторической пластики: портретная голова мужчины из раскопок в Габарево, модель монументального храма из Коджадермена, коллекция статуэток, найденных на северо-востоке Болгарии.

Болгария – страна кладов. Об этом напоминает экспозиция зала Сокровищ, расположенная на втором этаже восточного крыла. Здесь выставлен ряд всемирно известных золотых кладов, найденных на территории Болгарии, золото из древних погребений, отдельные предметы, имеющие высокое художественно-историческое значение и датируемые периодом от эпохи поздней бронзы до поздней античности. Чеканные бронзовые сосуды и изделия из стеклянной пасты указывают на торговые связи, существовавшие с VI в. до н. э. между землями Болгарии и Центральной Европой, Пелопоннесом, Ближним Востоком.

В I тысячелетии до н. э. большую часть Балканского полуострова населяли фракийцы – многочисленный народ индоевропейского происхождения. В знаменитой «Илиаде» Гомера они упоминаются главным образом как воины, коневоды и земледельцы, имевшие укрепленные города. На многих страницах этого эпического повествования говорится о высокой художественной культуре древних фракийцев. Своего расцвета фракийская культура достигла в VIII–VII вв. до н. э. Благодаря интенсивным торговым связям и активным контактам с греческими колонистами, при дворах фракийских правителей возникали настоящие центры художественных ремесел. Большое распространение получили живопись и скульптура, особенно производство золотых и серебряных изделий. Сегодня болгарские археологи при раскопках погребений фракийской знати находят бесценные сосуды из золота и серебра, украшенные изящными орнаментами и изображениями на религиозные и мифологические сюжеты. В музеях Болгарии сегодня хранятся уникальные, единственные в своем роде произведения фракийского искусства – изделия из золота, серебра бронзы и различных сплавов. Они представляют собой своеобразное сочетание местных традиций с греко-римским искусством. В нем также присутствуют черты еще более древних искусств – крито-микенского и иранского. Находки уже в наше время множества золотых и серебряных кладов прославили мастерство фракийских ювелиров на весь мир.

В зале Сокровищ хранятся три широко известных клада: Вылчетринский, Луковитский и Николаевский. Они принадлежат к трем различным периодам истории древней Фракии: эпохам поздней бронзы – раннего железа, раннеэллинистической и римской эпохам.

К знаменитому кладу золотых изделий из Вылчетрина определение «самый-самый» можно применить многократно: это – самое древнее фракийское золото, найденное на территории Болгарии. Это и самый большой золотой клад Фракии. Наконец, это и наиболее таинственная находка, относящаяся к фракийской эпохе: действительно, что можно сказать о назначении загадочного сосуда, состоящего из трех соединенных друг с другом золотых ковшей, явно не предназначавшихся для черпания жидкостей, ибо в каждом из них имеется сквозное отверстие?

Эти удивительные предметы были найдены при случайных обстоятельствах в 1924 г. в урочище Долгите лозя, к северо-востоку от села Вылчетрин в Плевенском округе. В начале 1925 г. клад поступил в Национальный археологический музей. Он состоит из 13 золотых предметов общим весом 12,425 кг. Некоторые из них имеют настолько необычную форму, что даже трудно определить их назначение. В клад входят большой круглый сосуд с двумя ручками («супница»), один большой и три малых ковша, два больших (диаметром 0,37 м) и пять малых дисков и один совершенно необыкновенный трехчастный сосуд в виде трех соединенных друг с другом ковшей эллиптической формы (о котором упоминалось выше). Когда находчики извлекли эти предметы из земли, они находились в полной сохранности; позже при дележе добычи часть их была серьезно повреждена.

Металл, из которого изготовлены сосуды, содержит приблизительно одинаковый процент золота, серебра, меди и железа. В их обработке и украшении использовались электрон (сплав золота и серебра), никель и олово. Все изделия выполнены в одинаковом стиле и с использованием одной и той же техники, часть их (малые ковши и диски) имеет почти равные массы; они просты по форме и разительно отличаются от подобных изделий, созданных древнегреческими мастерами. Что-то иранское неуловимо присутствует в их декоративном оформлении. А мастерство, с которым изготовлены сосуды, просто поражает: лишь с помощью микроанализа удалось установить, что верхние части некоторых из них представляют собой не одно целое с нижними, а искусно спаяны с ними серебряным припоем.

Ряд исследователей Вылчетринского клада считает, что комплект драгоценных сосудов неполон – в нем не хватает подставки к трехчастному сосуду (возможно, она была изготовлена в виде колесницы) и других явно «напрашивающихся» предметов. Неясно, присвоили ли их нашедшие клад крестьяне (хотя они клялись, что сдали все предметы полностью) либо они были утрачены еще до того, как сокровище попало в землю. Неясно и то, когда были пробиты отверстия в ковшах трехчастного сосуда – ведь их наличие полностью исключает использование этих ковшей по их прямому назначению!

Кстати – а для чего вообще предназначались предметы Вылчетринского клада? Здесь ученые практически единодушны: все эти сосуды, несомненно, имели ритуальный характер. Возможно, ими пользовались фракийские жрецы, о которых упоминает Гомер в «Илиаде» и «Одиссее», а возможно – фракийские цари. Известно, что во многих обществах древности один человек совмещал функции царя и жреца. Но означает ли это, что в окрестностях села Вылчетрин в 1400–1300 гг. до н. э. – именно к этому периоду

относится клад, существовало древнее святилище или резиденция фракийских царей?

Луковитский клад серебряных изделий и украшений относится ко времени расцвета фракийской культуры. Ученые датируют его второй половиной IV – началом III в. до н. э. Подобно многим другим фракийским кладам, он был найден при абсолютно случайных обстоятельствах: в 1953 г. крестьяне, пахавшее поле в урочище Балана, к востоку от городка Луковит (Северная Болгария), зацепили плугом и вывернули на поверхность большой глиняный горшок, в котором находилось 15 серебряных сосудов и три комплекта конского снаряжения – общим числом более 200 предметов.

Клад быстро разошелся по рукам, и лишь часть его успела попасть в руки приехавших в Луковит ученых. Остальную часть клада удалось найти и конфисковать у недобросовестных приобретателей только спустя два года. Однако отдельные вещи продолжали поступать в Национальный археологический музей в Софии вплоть до 1986 г.

В своем современном виде клад из Луковита включает в себя 6 серебряных чаш, 5 фиалов, 4 ковша и около двухсот всевозможных декоративных предметов из серебра – бляшек, пластинок, подвесок, колец и т. д. – служивших украшением конской сбруи. Скорее всего, это было личное имущество какого-то местного князька или видного представителя племенной аристократии. Луковитский клад особенно интересен тем, что в нем ярче всего отразились особенности позднего фракийского искусства IV – начала III в. до н. э. Изделия из этого клада выполнены в так называемом скифском зверином стиле и напоминают, в частности, клады, найденные в разное время в курганах Украины (Мартыновский клад на Киевщине, Перещепинский на Полтавщине и т. д.). Сбруйные пластинки и бляшки украшены изображениями сидящих сфинксов, человеческих голов, разнообразных животных: львов, оленей, собак. Встречаются и образы всадников, столь характерные для фракийского искусства. На двух серебряных пластинках из Луковитского клада изображен лев, терзающий оленя; несчастная жертва упала на колени под тяжестью хищника. На другой пластинке два всадника преследуют льва – уже почти настигнутый, он падает под копыта коней… Эти образы во фракийском искусстве имеют определенный социальный смысл и связаны с прославлением царской власти.

Блюдо из Луковитского клада

Один из самых больших и наиболее пышно украшенных фиалов Луковитского клада, к сожалению, дошел до нас в плохом состоянии – фактически от него уцелело одно днище, большая часть венчика отсутствует. Однако даже сохранившаяся часть наглядно демонстрирует, сколь сложен и богат был декоративный его узор. Покрывающий сосуд орнамент из равнобедренных треугольников имеет очень древнюю историю и уходит корнями еще в эпоху раннего железа. Считается, что он связан с какими-то магическими традициями. Сосуд украшают и два концентрических ряда орнамента, составленного из женских головок, чередующихся с пальметками-трилистниками – вероятно, это многократно повторенный образ Великой богини-матери – главного божества фракийцев.

Изображения на сосудах из Луковитского клада наводят на мысль об их ритуальном использовании. Один из ковшиков, вероятно, предназначался для обрядов, связанных с культом воды и небесной влаги: в украшающих его трех горизонтальных фризах – образы рыб, водяных птиц и быка. Водяная птица – одна из самых распространенных образов в искусстве Центральной Европы, Фракии, Греции и Ирана XI–VI вв. до н. э. Этот древний образ продолжал сохраняться и во фракийском искустве IV в. до н. э. А образ быка, на первый взгляд далекий от темы водной стихии, на поверку оказывается тесно связанным с ней: на Древнем Востоке бык являлся атрибутом бога бурь и дождей. На одной из иранских чаш само божество изображено в образе быка, изливающего изо рта благодатный дождь, орошающий землю.

Украшения из клада, обнаруженного в Николаево, иллюстрируют практически все техники, использовавшиеся древнеримскими ювелирами. Это – набор наиболее популярных в то время украшений, высоко ценившихся римскими патрициями. Его дополняют другие находки, относящиеся к тому же периоду: клад из Базаурта и собрание украшений, гемм и камей из римских некрополей в Мизии и Фракии.

На двух этажах Центрального зала музея собраны памятники, иллюстрирующие все периоды истории Юго-Восточной Европы – от поздней бронзы до позднего средневековья. Здесь можно видеть множество великолепнейших произведений античной скульптуры и пластики. Особенно интересны бронзовая статуэтка оленя (VIII в. до н. э.) и римский саркофаг II–III вв. н. э., найденный в окрестностях Ловеча.

На первом этаже экспонируются произведения, ярко характеризующие художественную культуру античного и ранневизантийского периодов. К ним относятся саркофаги знатных римлян – в ряде случаев это огромные, настоящие архитектурные сооружения; мозаичные полы из древней церкви Св. Софии с типичными символическими изображениями раннехристианского периода; найденная при раскопках в Софии плита, на которой изображены цирковые представления (III–IV вв.), и др. Здесь же можно видеть единственную в мире «каменную афишу» с программой цирковых игр.

Одним из прекрасных произведений античной скульптуры, хранящихся в Национальном археологическом музее, является надгробная плита Анаксандра, датируемая V в. до н. э. Эта плита была случайно найдена в конце XIX в. в Созопол – древней Аполлонии. На стеле изображен пожилой мужчина со склоненной головой и посохом в руках; у ног его – ласкающаяся собака. Что-то гомеровское есть в этом образе, тонко и лирично передающем состояние глубоко задумавшегося человека.

Бронзовая статуя Аполлона из Стара-Загоры лишена рук и части ноги; похоже, что в левой руке Аполлон держал лиру. По мнению болгарских ученых, ее автор, по-видимому, принадлежал к кругу последователей школы великого древнегреческого скульптора Праксителя. Еще одной скульптурой из школы Праксителя является «Отдыхающий сатир». Фигура и сейчас не утратила непринужденности позы, хотя у нее отсутствуют руки и ноги. Слегка склоненная в задумчивости голова, чуть заметная улыбка и мудрая грусть на лице сатира. Это прекрасное произведение искусства было найдено в селе Рибен Плевенского округа. Ученые полагают, что она является копией одной из работ самого Праксителя. Возможно, что «Отдыхающий сатир» был вывезен из Италии во II в.

Значительным скульптурным произведением рубежа эллинистического и римского периодов является колоссальная мраморная статуя из села Гиген Никопольского округа, датируемая I в. Высота ее свыше трех метров. Судя по всему, эта скульптура изображает Деметру. Характер произведения подсказывает, что его автор был из окружения Праксителя.

Мраморная голова богини Афины считается одним из лучших экспонатов музея. Скульптура сильно повреждена, но ее строгие античные черты дают яркое представление об идеале красоты и величия, мудрости и простоты, так любимом в эпоху развитого античного искусства.

Бронзовая голова римского императора Гордиана III была найдена при раскопках в селении Никюп Тырновского округа. Эта скульптура также сохранилась; тем не менее портретные черты хорошо просматриваются. Столь же определенными

портретными чертами наделена мраморная голова римского гражданина (также из села Гиген). Это произведение не только реалистично, но даже натуралистично: изображен человек невысокого интеллекта, с глубокими морщинами на лбу и носом неправильной формы.

Вызывает интерес раздел, посвященный истории раннего христианства на болгарских землях. К настоящему времени ученые нашли на территории Болгарии остатки более чем 200 церквей, относящихся к IV–VI вв. Большинство из них было разрушено язычниками в эпоху Великого переселения народов. Найденные среди руин изящные архитектурные детали, предметы для литургии характеризуют высокий уровень раннехристианского искусства и демонстрируют самые разнообразные его проявления. В экспозиции музея выставлена обширная коллекция архитектурных украшений древних церквей: капители различных типов, фрагменты резных амвонов и алтарных преград. Здесь же можно видеть бронзовые мощехранительницы, детали светильников и фрагмент уникальной стенной росписи из «Красной церкви» в Перущице (V в).

Центральным местом экспозиции музея являются залы, посвященные приходу протоболгарских племен на земли Балканского полуострова и истории Первого (680–1018) и Второго Болгарских царств. Открывает этот раздел выполненная в натуральную величину копия всемирно известного Мадарского всадника, высеченная на скале близ селения Мадара. Этот памятник, единственный в истории европейской культуры, тесно связан с историей зарождения и становления средневековой Болгарии.

Группа кочевых тюркоязычных племен, известных под общим собирательным наименованием болгары, впервые появляется на страницах исторических хроник в конце V в. В состав этого племенного объединения входили и народы, в свое время пришедшие из Центральной Азии вместе с гуннами, и, возможно, древнемадьярские (венгерские) племена. В 630-х гг. часть болгар – оногуры и кутригуры – образовали в степях Причерноморья государственное объединение, именуемое «Великая Болгария». Не просуществовав и тридцати лет, «Великая Болгария» пала под ударами хазар, и составлявшие ее народы рассеялись по разным направлениям. Предводитель оногуров Аспарух повел свой народ на запад. Так как именно болгары-оногуры впоследствии во многом составили будущую болгарскую народность, за ними в научной литературе закрепилось название «протоболгары».

Сначала протоболгары временно остановились в нынешней южной Бессарабии, а затем переправились через Дунай и вступили в Добруджу, на территорию нынешней Северо-Восточной Болгарии. Чтобы расправиться с пришельцами, византийский император Константин IV Погонат в 680 г. предпринял поход против протоболгар, но потерпел полное поражение. После этой крупной победы Аспарух двинулся на юг и дошел до Стара-Планины. Он заключил союз с вождями местных славянских племен и уже вместе с ними продолжил военные действия против Византии. В 681 г. император Константин Погонат был вынужден заключить с Болгарией мир, обязавшись при этом выплачивать ежегодную дань. Таким образом было положено начало славяно-болгарскому государству, столицей которого стал город Плиска.

Весьма благоприятной предпосылкой сближения славян и протоболгар служило то обстоятельство, что в первые же годы существования славяно-болгарского государства в нем возникли и получили развитие смешанные поселения. Такой была и сама столица, где жили бок о бок и славяне, и протоболгары, о чем свидетельствуют археологические раскопки.

На втором этаже Центрального зала представлены многочисленные находки, сделанные учеными при раскопках двух первых болгарских столиц – Плиски и Преслава. Они охватывают все стороны жизни и быта раннеболгарского государства. Пышные украшения из благородных металлов, меди и бронзы – частью изготовленные местными мастерами, частью привезенные из Византии, Восточного Средиземноморья и Западной Европы – соседствуют со скромной глиняной посудой, орудиями труда и детскими игрушками. Обращает на себя внимание бронзовая фигурка музыканта, играющего на лютне, найденная среди руин Плиски. Разнообразные языческие амулеты, изображение шамана на керамической плитке свидетельствуют о том, что кочевники-болгары, пришедшие из далеких степей Центральной Азии, еще долгое время придерживались своих древних обычаев и культов, несмотря на то что болгарская аристократия почти поголовно приняла христианство.

Средневековая Болгария стала главным центром славянского просвещения. С письменной традицией болгар связаны две азбуки – глаголица и кириллица. Одной из древнейших кириллических надписей является надпись на надгробной плите из Преслава (Х в.). Высокий уровень средневековой болгарской письменной культуры демонстрируют белоглиняные глазурованные керамические таблички с литургическими текстами X – XI в., найденные среди руин Преслава. Завершает эту часть экспозиции выполненная на основании археологических исследований реконструкция интерьера христианского храма эпохи Первого и Второго Болгарских царств. В его центре – шедевр болгарской иконописи XIV в., двусторонняя икона «Богородица с Иоанном Крестителем и Видение Иезекииля» из Поганово. Алтарную нишу занимают сокровища средневекового болгарского искусства: керамическая икона «Св. Федор» из Патлейны (Х в.), мозаичная икона «Богоматерь с младенцем» из Фракии и икона, на серебряной ризе которой выгравирован автограф дарителя – болгарского царя Ивана Александра (XIV в.). Здесь же хранится знаменитый золотой наперсный крест из Плиски, украшенный множеством изображений из жизни святых.

Огромно нумизматическое собрание музея, насчитывающее более 200 тыс. монет, медалей и печатей. В их числе – античные монеты, чеканенные в Мизии, Фракии и Македонии; античные подделки; монеты «варварских» народов и средневековых болгарских царей исламского периода; печати царей Симеона и Петра, монетные клады, число которых уже подходит к сотне. Подобной коллекции могут позавидовать многие крупнейшие музеи мира. Впрочем, Национальный археологический музей в Софии во многом не уступит самым прославленным музейным собраниям.

Национальный исторический музей

Созданный в 1973 г., Национальный исторический музей в Софии распахнул свои двери перед посетителями лишь в 1984 г., в дни празднования 1300-годовщины создания Болгарского государства. Ныне он является одним из крупнейших музеев Балканского полуострова. Его экспозиция, насчитывающая более 650 тыс. экспонатов, в широком контексте европейской истории рисует историю болгарских земель от доисторических времен до наших дней. В отличие от Национального археологического музея, здесь представлен преимущественно «исторический» период, охватывающий эпоху от VI в. до н. э. до XX в. н. э. Лишь самый первый, открывающий экспозицию, зал посвящен предыстории (VI в. – середина I тыс. до н. э.).

В середине I тысячелетия до н. э. на землях современной Болгарии складывается сильное фракийское государство – Одрисское царство. Его правители основывали города, строили хорошо укрепленные царские резиденции с дворцами, сложенными из огромных каменных блоков, а также завязывали тесные отношения с внешним миром, в первую очередь с

греками. В конце IV в. до н. э. царь Севт III построил новую столицу, носившую его имя – Севтополис. Город был создан по регулярному плану, с пересекающимися под прямым углом улицами, центральной площадью, застроенной храмами и украшенной статуями, каменной цитаделью, под защитой которой располагался царский дворец с колоннадами и роскошным убранством внутренних помещений.

К фракийскому периоду относится и множество богатейших кладов, найденных на территории Болгарии. Многие из найденных в болгарской земле драгоценностей экспонировались в крупнейших музеях Европы. В залах Национального исторического музея выставлены золотые и серебряные предметы из кладов в Златинице, Синеморце, Кралево и Якимово (IV – I вв. до н. э.), Капитан Андреево (III в.). Здесь же можно увидеть сокровища знаменитых кладов из Рогозена, Летницы, Могиланского кургана.

София. Национальный исторический музей

Небольшое болгарское селение Рогозен, расположенное в 43 км к северу от города Враца, в 1986 г. стало местом сенсационной находки: здесь был обнаружен самый большой клад изо всех, когда-либо найденных на фракийских землях. Он состоит из 165 сосудов из позолоченного серебра, датируемых концом V – началом IV в. до н. э. Общий вес клада составляет ни много ни мало – 20 килограммов!

Скорее всего, Рогозенский клад представляет собой собрание фамильных драгоценностей аристократического рода, относившегося к местному фракийскому племени трибаллов, а может быть, это имущество культового центра трибаллов, располагавшегося где-то в окрестностях Врацы. Коллекция эта составлялась на протяжении многих лет: с V в. до н. э. до 40-х гг. IV в. до н. э. Вероятно, сокровище было зарыто в землю при каких-то экстремальных обстоятельствах – нашествии врагов, междоусобице и т. п.

На шестнадцати сосудах Рогозенского клада выгравированы греческие надписи, в которых упоминаются имена царей Котиса I и Керсиблепта и фракийских мастеров, по-видимому, изготовивших эти драгоценные изделия; некоторые надписи носят дарственный характер. Девять сосудов отличаются особенно богатым исполнением, их украшают сцены из фракийской и греческой мифологии. Одна из чаш посвящена эпизодам борьбы Геракла с амазонками. Фракийский мастер изобразил знаменитого героя еще совсем юным, безбородым и обнаженным. В правой руке он держит меч, а левой протягивает царице амазонок Ипполите пояс; настороженная Ипполита направляет на героя копье. За фигурами людей виднеются передние части (протомы) животных – коня и фантастического полульва-полугрифона…

Большое количество золотых и серебряных предметов конской сбруи содержал клад из Летницы – налобники, наузники, нашивные бляшки и т. д. Среди находок были и хорошо сохранившиеся железные удила. Практически все предметы богато украшены. Несколько бляшек даже образуют целый иллюстративный цикл, посвященный подвигам некоего фракийского героя. Он изображен в виде всадника, бросающего копье, сражающегося с дикими хищниками – медведями и волками… Часть предметов клада из Летницы, несомненно, изготовлена греческим мастером, в то время как другие – местными фракийскими мастерами. Специалисты датируют эти изделия IV в. до н. э. и считают их весьма ценной находкой, проливающей свет на мифологию фракийцев и их верования, что позволяет лучше понять культуру и мировоззрение этого древнего народа.

Клад из Могиланского кургана, в отличие от многих других, был найден не случайными людьми, а учеными. В 1965–1966 гг. они вели охранные раскопки Могиланского кургана в городе Враца. Под древней насыпью археологам удалось обнаружить три погребения, в каждом из которых были похоронены по два человека – мужчина и женщина (по-видимому, муж и жена). Первая гробница была полностью ограблена еще в древности, зато две другие сохранились сравнительно хорошо. В одной из них – погребении номер 3 – среди разбросанных костей лежали два кувшина – золотой и серебряный – и несколько золотых украшений. Но наиболее богатым оказалось погребение номер 2, расположенное в южной части кургана. Здесь археологи нашли остатки колесницы, запряженной двумя конями. Скелеты коней были буквально усыпаны серебряными бляшками и пластинками, украшавшими истлевшую кожаную сбрую. Возле останков похороненного здесь пожилого мужчины лежали два серебряных кувшина, четыре серебряных фиала, богато украшенный серебряный наколенник (кнемида) с позолотой, бронзовый шлем и четыре бронзовых сосуда; рядом с останками молодой женщины были найдены лавровый венок из чистого золота – он весил 205 г! – и многочисленные золотые предметы: массивные серьги, украшенные фигурками сфинксов и растительным орнаментом, пуговицы, булавка, ложечка, нашивные бляшки.

Богатые находки наводили ученых на мысль о том, что в этой гробнице могли быть похоронены знатные представители фракийского племени трибаллов, обитавших на землях нынешнего Врачанского края. Возможно, среди них была фракийская принцесса – именно ее голову украшал золотой лавровый венок… Датой погребения считается IV в. до н. э.

Один из найденных в Могиланском кургане серебряных сосудов-фиалов отличался особенно богатым декором. От днища к вершине радиусами расходятся полосы орнамента; к центру с внутренней стороны прикреплена круглая позолоченная серебряная пластинка, обрамленная концентрическими рядами полосами круглых бусин. Эта широкая рамка окружает центральное круглое поле, в котором отчеканен профиль Афродиты.

Другая находка в Могиланском кургане – золотой кувшин – принадлежит к числу шедевров фракийской торевтики. Создавший его мастер вложил в это выдающееся творение свои незаурядные способности и воплотил в нем религиозно-мифологические представления своего народа. Фриз из пальметок отделяет вытянутое горло кувшина от его округлой центральной части; ручки оформлены в виде «гераклова узла», а венчик и донце украшены насечкой. Две крылатые колесницы-квадриги симметрично расположены по обе стороны пальметты. Обращенные в профиль лица возничих в колесницах переданы с почти портретной точностью.

Трудно однозначно объяснить смысл этой сцены. Некоторые авторы считают, что здесь изображен бог Аполлон на своей крылатой колеснице. Другие убеждены, что в образе возницы изображен какой-то фракийский царь. Возможно, две колесницы символизируют своеобразную двойственную природу солнечного божества: в религиозном сознании фракийцев оно одновременно представляло собой день и ночь, лето и зиму, свет и тьму. Таким образом получала свое образное выражение идея вечного круговорота, чередования противоположных начал в природе. С другой стороны, колесница – хорошо известный в Древнем мире атрибут царской власти. Состязания колесниц нередко служили способом испытания достоинств будущего царя. Особенно красноречив в этом отношении известный греческий миф о Пелопсе, который выиграл состязание на колесницах с Эномаем, царем города Писы; позже он стал основателем знаменитой микенской династии Пелопидов. И в древней Фракии колесница, несомненно, служила символом царского достоинства – достаточно вспомнить восторженные эпитеты, которые используют Гомер и Еврипид, описывая коней и колесницы

легендарного царя Резоса, или обычай погребать царей вместе с их парадными колесницами, хорошо известный по раскопкам фракийских погребений.

Экспозиция третьего зала Национального исторического музея посвящена эпохе становления средневекового Болгарского государства и его истории вплоть до завоевания Болгарии турками (VII—XIV вв.). В ней нашли свое отражение и события Великого переселения народов, и короткая история «Великой Болгарии», основанной ханом Кубратом (632–665) в степях Причерноморья, в бассейнах рек Днепр и Кубань. Под натиском хазар в конце VII в. часть болгарских племен была вынуждена уйти за Дунай, где было основано Болгарское ханство (681–864). Особую роль в становлении раннесредневековой Болгарии сыграли славянские племена, поселившиеся на Балканах еще в VI в. Памятники этого периода, связанные с культурой высшей аристократии, – медальон хана Омуртага, сосуды из благородных металлов, украшения – свидетельствуют о культе хана и роли родовой аристократии у древних болгар. Предметы быта простых болгар – амулеты, глиняные сосуды, орудия труда, детали одежды – выглядят гораздо более скромно и практически не имеют выраженных этнокультурных признаков; они могли принадлежать представителям любого кочевого народа той поры.

Принятие христианства в 864 г. укрепило позиции верховной власти, ускорило процесс консолидации болгаро-славянского государства, способствовало созданию единой культуры. В IX–X вв. Болгарское государство уже являлось заметной политической силой в Юго-Восточной Европе. Ценными свидетельствами эпохи являются печати-моливдовулы князя Бориса-Михаила (852–889), царей Симеона Великого (893–927) и Петра (927–970). Культура Преслава, тогдашней столицы Болгарии, представлена богатыми коллекциями парадных и литургических сосудов, каменной и металлической пластики, ювелирных изделий. Достоверно известны бывшие владельцы некоторых предметов: например, огромный золотой перстень весом 61,15 г принадлежал царю Калояну (1197–1207). Часть экспозиции посвящена истории болгарской Церкви и, в частности, Охридской архиепископии и Тырновской патриархии. Представление о высоком искусстве болгарских ремесленников той поры дают 11 кладов, содержащих богатые украшения из золота и серебра.

Экспонаты четвертого зала связаны с самой трагической страницей в истории болгарского народа – эпохой турецкого владычества (1396–1878). Этот почти пятивековой исторический отрезок принято делить на два периода – позднего средневековья (XV–XVII вв.) и болгарского национального возрождения (XVIII–XIX вв.). В это суровое время единственным фактором, объединявшим народ, служила христианская вера, поэтому неудивительно, что значительную часть этой части музейной экспозиции занимают памятники церковного искусство. Особое внимание уделено ведущим художественным школам той поры – Чипровцам и Охриду. Период национального Возрождения отмечает начало борьбы болгар за независимость. В 1876 г. начинается Апрельское восстание, в 1877 г. – русско-турецкая война, которую в Болгарии называют Освободительной. Подписанный 3 марта 1878 г. в Сан-Стефано мирный договор восстановил независимость Болгарского государства. Об этом бурном периоде болгарской истории рассказывают многочисленные экспонаты: оружие, знамена, награды, исторические документы и фотографии, печатные материалы, плакаты, карты. В пятом зале музея представлена история Третьего Болгарского царства (1878–1946), а следующий зал отведен народной культуре. Здесь можно увидеть традиционную одежду болгарских крестьян, образцы народного прикладного искусства, орудия труда, предметы быта. Отдельный зал посвящен раскопкам на месте античного города Аполлония Понтика (современный Созополь).

Археологический музей в Пловдиве

Археологический музей в Пловдиве – один из лучших и старейших в Болгарии. Он существует с 1882 г. Созданный первоначально как археологическо-нумизматический кабинет, к 1920-м гг. провинциальный пловдивский музей разросся до размеров крупного столичного. Ныне в его коллекциях насчитывается около 100 тыс. экспонатов. И совсем не случайно Пловдив стал «археологической столицей»: разнообразие и обилие найденных в окрестностях города следов древних культур свидетельствует о том, что эта земля была заселена очень давно.

В музее хранится и экспонируется множество экспонатов первобытного искусства, начиная с неолита, эпохи бронзы, железа, а также фракийского и античного искусства, в том числе около 600 изображений знаменитых «фракийских всадников», высеченных на каменных плитах. Таких плит в болгарских музеях многие сотни. Больше всего их собрано в софийском и пловдивском Археологических музеях. Изображение всадников высекалось обычно на прямоугольной плите размером от 20–25 см до 1 м в высоту, часто с закругленным верхом. Изображения были строго каноничны: всадник был обращен, как правило, вправо. Конь его или медленно ступает, или скачет галопом. Всадник поражает дикого зверя, чаще всего вепря. Всаднику сопутствуют две собаки.

Как полагают ученые, в основе этого изображения лежит культ бога Хероса, которому фракийцы сооружали многочисленные святилища. Умерших очень часто изображали на надгробных плитах в образе этого бога. В сегодняшней Болгарии нет уголка, где бы не встретился рельеф с изображением Хероса на коне.

Пожалуй, самым известным экспонатом музея является знаменитый золотой клад из селения Панагюриште Пловдивского округа, датируемый IV в. до н. э. Он был найден в декабре 1949 г. при совершенно случайных обстоятельствах. Известие о находке клада из Панагюриште буквально взбудоражило научную общественность: открылась новая страница древней истории Болгарии.

Входящие в состав клада семь золотых ритонов, амфора и блюдо, изготовленные методом холодной ковки, представляют собой не случайный набор драгоценной посуды, а тщательно подобранный сервиз, принадлежавший, по всей видимости, одному из фракийских царей. И по богатству – общий вес золотых предметов составляет более 6 кг – и по красоте и изяществу отделки эти предметы уникальны. А огромный сосуд-фиал весом 846 г чистого золота и диаметром 25 см вообще является рекордсменом во всем античном мире.

Чеканные рельефы, покрывающие сосуды, кажется иллюстрируют всех богов и героев античности. Улыбаясь, сидит в легком хитоне Афина, подняв одной рукой боевой шлем и опираясь другой на круглый узорчатый щит. Чуть поодаль стоит Афродита и восседает на троне Гера. Рядом – Парис. В левой руке он держит скипетр, правая немного поднята – такое впечатление, будто он что-то объясняет богиням… Второй ритон посвящен подвигам Геракла и Тесея. Геракл побеждает киренейскую лань, борется с марафонским быком. Тесей – силач с детским лицом. На других сосудах можно видеть Диониса в окружении неистовых вакханок, Артемиду и Аполлона с луками в руках, крылатую Нику с печально склоненной головой. Три ритона выполнены в виде женских голов – судя по всему, это амазонки. Еще один сюжет посвящен событию неизвестному нам, но, по всей видимости, хорошо известному в древности: из-за двустворчатых дверей дворца с колоннами видны руки и голова испуганного старика. Он с ужасом смотрит на бегущих ко дворцу

воинов, размахивающих мечами. Воины жестоки и сильны, и нет спасения немощному старику даже за кованными дверями… Напряженное душевное состояние героев находит свое выражение в позах, жестах, взглядах.

Долгое время среди специалистов шли споры: где изготовлены эти роскошные сосуды и к какой эпохе их следует отнести? То, что это не древнефракийское искусство, ученые разобрались довольно быстро, но нельзя было и утверждать, что их родина «коренные» греческие области. Скорее всего, кубки появились на свет в греческом центре, находящемся за пределами материковой Греции.

Болгарский исследователь Иван Венедиков, основываясь на тщательном и разностороннем анализе (изучая весовые системы различных греческих городов), пришел к выводу, что этот сервиз вышел из ювелирных мастерских малоазийского города Лампсака. Ему удалось определить, что соотношение между весом сосудов из Панагюриште и содержанием в них золота соответствует персидской весовой системе, а точнее – весу персидских монет – статеров, которые чеканились и в греческих городах Малой Азии. Ближе всех к эталону (по весу и по содержанию золота) оказался статер, чеканившийся в Лампсаке: в этом городе персидский статер в IV в. до н. э. был чуть полновеснее обычного. Вот такая сложная родословная у панагюриштенских сосудов: их изготовили греческие ювелиры в малоазийском городе Лампсаке, стоявшем на фракийской земле и испытавшем влияние ахеменидской Персии…

Датой изготовления сосудов считается рубеж IV–III вв. до н. э. В ту пору Фракия была вовлечена в орбиту важных политических событий, сотрясавших античный мир. В 370 г. до н. э. эта область стала плацдармом, с которого Александр Македонский начал свой поход в Персию. В 323 г. до н. э., после смерти Александра, правителем Фракии стал Лисимах, сподвижник великого полководца. Бесконечные войны, непрекращающиеся восстания фракийцев, стремившихся сбросить с себя чужеземное иго, истощали страну. А в 278 г. до н. э., спустя два года после смерти Лисимаха, Фракия подверглась кельтскому нашествию… Организованного отпора фракийцы дать не смогли. Люди бежали в неприступные горы. Видимо, именно тогда и оказались в земле панагюриштенские ритоны.

Редчайшим произведением фракийского искусства является и погребальная маска, по-видимому, фракийского вождя римского периода (I в.), выполненная из серебра и найденная во вскрытом археологами саркофаге. Это единственный подлинный скульптурный портрет фракийца. В маске нет ничего условного, она воспроизводит реальные черты человека, умершего почти две тысячи лет тому назад. На лоб покойного была наложена повязка, какие тогда носили фракийцы, его также украшал золотой венец, от которого остались отдельные лепестки.

Пловдивский Археологический музей обладает богатой и разнообразной коллекцией произведений древнегреческого искусства V–IV вв. до н. э., найденных в гробницах фракийских царей, открытых в районе сел Дуванли и Чернозем. Значительную часть этого собрания занимают аттические черно- и краснофигурные вазы, серебряные фиалы и скифосы, украшенные сценами из греческой мифологии. Золотые и серебряные изделия из селения Дуванли Пловдивского округа датируются V в. до н. э. Эти предметы извлечены из фракийской гробницы и являются ярким доказательством высокого уровня ювелирного искусства фракийцев. Высокими художественными качествами наделены рельефы с изображением Медузы, богини Ники, едущей на колеснице пасущегося зверя. Особенно интересны произведения с явными чертами стилизации в духе «звериного стиля».

Коллекция античной скульптуры включает в себя 50 мраморных портретных голов, статуи богов и героев. Из хранящихся в музее произведений античного искусства привлекает внимание мраморный рельеф, изображающий сцену чествования почитаемых фракийцами богов, приносящих людям здоровье (III в. до н. э.). Изображенные почти во весь рост фигуры отличаются большой выразительностью.

Предшественником Пловдива был античный Филиппополь. Сегодня среди руин древнего города, лежащих прямо под улицами современного Пловдива, археологи то и дело обнаруживают памятники античности. Пловдивский музей располагает превосходными образцами мраморных архитектурных деталей, некогда украшавших культовые и общественные постройки Филиппополя I–IV вв. – театра, стадиона, форума. В экспозиции музея можно увидеть большие фрагменты архитрава, колонны и капители, некогда служившие украшением городского стадиона, а также стоявшие при входе мраморные пилястры с изображенными на них атрибутами Гермеса и Геракла. Не менее обширны и коллекция римской мозаики из жилых домов древнего Филиппополя, а также собрание надгробных стел, памятников и саркофагов.

В собрании музея широко представлена и эпоха болгарского национального Возрождения: церковная утварь, старопечатные книги, украшения, предметы быта. Нумизматический отдел насчитывает в своем фонде около 60 тыс. монет, датируемых от VI в. до н. э. до XX в. н. э. К числу древнейших памятников денежного обращения принадлежат электровые и серебряные монеты VI–IV вв., чеканенные в Кизике, Афинах и на острове Тасос. Значительную часть собрания составляют золотые, серебряные и бронзовые османские монеты XV–XIX вв. различных номиналов. Весьма представительна и коллекция западноевропейских монет XVI–XIX вв., отчеканенных различными европейскими монархами. Дополняют это богатейшее собрание коллекционные болгарские монеты XX в.

Этнографический музей «Етыр» в Габрово

Болгарский город Габрово известен всему миру как столица юмора. О нем рассказывают легенды. Однако реальный Габрово – это прежде всего город мастеров. По преданию, он и основан был мастером-кузнецом, Рачо Ковачем, и во все века славился своими ремесленниками. Сегодня об этих славных традициях напоминает «Етыр» – этнографический парк-музей под открытым небом, расположенный на окраине Габрово и посвященный истории болгарских ремесел. Здесь воссозданы старинные габровские промыслы и быт XVIII–XIX вв.

На первый взгляд Етыр никаким другим словом, кроме как «поселок», и не определишь. Ну, может быть, еще «слобода». Однако всего лишь на первый взгляд. Ибо в действительности это музей ремесел под открытым небом, а официальное название его такое: архитектурно-этнографический комплекс «Етыр».

Габрово. Этнографический комплекс Етыр

Етыр построен в 1960-е гг., когда многие в Болгарии стали понимать, что старым ремесленным традициям грозит исчезновение. На свете есть немало этнографических экспозиций, расположенных под открытым небом, но габровцы, несмотря на их легендарную «скупость», превзошли многих. Они воссоздали в первозданном виде ремесленные мастерские, построенные сто и даже двести лет назад, свезли сюда наиболее интересные постройки со всего округа, а то, что не смогли сохранить или перенести, реконструировали. А затем созвали мастеров, знакомых со старой технологией, вручили им точные копии старинных инструментов и сказали: «Творите!»

Вскоре здесь заработали водяная мельница, мастерские по изготовлению деревянной посуды, ножей и галунов, красильня, лесопильня. Затем в «Етыре» появились мастера кузнечного и столярного дела, шляпники,

ювелиры, вязальщицы и вышивальщицы, гончары, ткачи… Так и значится «Етыр» в справочниках – действующий, живой музей!

Все здания в «слободе» построены по типу конкретных домов известных старых мастеров – с мастерскими и лавками на первом этаже и жилыми помещениями – на втором. Ни одна мастерская не повторяет другую. В них смонтированы подлинные станки, приспособления и механизмы, которые собирались по всему габровскому краю. Вы можете заглянуть в кузницу, ковроткацкую или ювелирную мастерскую. Все, что делают руки мастеров, продается тут же, в маленькой лавке (разумеется, старинного образца), сложенной из тесаного камня и крытой плоскими каменными плитами. Говорят, в этом тоже проявился характер местных жителей: если из чего-либо можно извлечь выгоду, габровец извлекает ее обязательно и не сходя с места.

Ныне в «Етыре» можно увидеть «в действии» двадцать видов ремесел. При этом – никакого электричества! Все станки и приспособления приводятся в действие водой. Вода вращает мельничные жернова и валы токарных станков, точила и веретена, движет гребни чесальных машин и деревянные механизмы шерстобитни, приводит в ход мощные пилы, взрезающие толстые лесины. Вода струится по наклонным канавкам и канальчикам, несется по деревянным желобам, брызжет из-под заслонок, бьет «гейзером» и, успокоившись, стекает в быструю реку Сивеку, чтобы потом влиться в Янтру и продолжить путь к Дунаю…

Из горна вылетает сноп розовых искр. Это мастер качает мехи, раздувая огонь. Потом он переносит раскаленную заготовку на наковальню и звонко бьет молотом. Под его ударами рождается лезвие охотничьего ножа…

Женщины развешивают на перекладинах между врытыми в землю столбами тяжелые, с длинным ворсом «халиште» – ковры из овечьей шерсти. С перил мостика свисают новенькие, яркие – красные, зеленые, желтые – только что выстиранные покрывала и коврики. Стирают их здесь же, в огромном деревянном чане, куда с силой обрушивается вода. Она бешено колотит ткань, так что никаких моющих средств, к радости габровцев, не требовалось. Очевидно, это был первый в истории «патент» на стиральную машину, «Паспорт» к машине в местном варианте звучит так: «Вода чистая, белье белое, а мыло – целое»…

На крутящемся валу, приводимом в действие силой воды, насажена деревянная болванка. Мастер прижимает к ней резец, вьется мягкая стружка, и из грубой древесины начинают проступать очертания плоской деревянной миски – «гаванки», или фляги для ракии, или глубокой солонки. Когда требуется внимательно осмотреть изделие, мастер берется за длинный рычаг, снаружи опускается заслонка, преграждая путь воде, вал останавливается…

В пламени паяльной лампы, усиленном вдуваемым через трубку воздухом, плавится серебряная проволока. Металл капает крохотными каплями и застывает на куске асбеста. Ювелир осторожно берет их щипчиками и припаивает к основе – получается зернь. А то разогревает витую из нескольких нитей проволочку и плетет узоры, или наносит на украшение точные штрихи и наплавляет черновой сплав. Рядом поблескивает законченная филигрань…

В древней деревянной постройке жернова перемалывают зерно. Специальное устройство громко трещит, показывая, что бункер почти пуст, и зовет мельника – дать работу «разошедшемуся» жернову. В деревянном ларе возвышается холмик муки – она родилась из пшеницы несколько минут назад. Сама мельница-долапкиня весьма преклонного возраста: ей уже более полутора столетий…

Музей дробится, распадается на картинки. Складываясь вместе, они образуют машину времени. Она делает скачок через много десятилетий и переносит посетителя музея в прошлое. О том, что передо вами все же музейная экспозиция, напоминает лишь одна деталь: надписи возле домиков – «Сооружения не трогать!». А потрогать так хочется…

Мастерские и лавки, расположенные по другую, левую сторону реки, представляют собой так называемые ремесленные ряды. Здесь продаются керамические, кожаные, золотые, серебряные и медные изделия – образцы художественных ремесел, старинные болгарские деревянные музыкальные инструменты и др. Не забыты и кондитерские изделия, которые приготовляют по старинным рецептам. Посетители могут посидеть за чашечкой кофе в старой кофейне.

Но вот наступает вечер, и город мастеров затихает. Сложив свои инструменты, разъезжаются по домам ремесленники. Кроме сторожей здесь не остается ни души: ведь «Етыр» – это город-музей, в котором никто не живет…

Ватикан

Ватиканские музеи

В 2006 г. одна из крупнейших художественных коллекций мира – Ватиканские музеи – отметила свое 500-летие. В ее фондах хранятся сотни бесценных произведений искусства, созданных выдающимися мастерами разных эпох, и нужно потратить несколько дней, чтобы осмотреть их. Ежегодно Ватиканские музеи посещают около 4 млн туристов. «У античных музеев, собранных папами, есть настоящая мировая слава, – писал в “Образах Италии” П. П. Муратов. – Даже католические паломники считают свое дело неисполненным до тех пор, пока не увидят Лаокоона и Аполлона Бельведерского. Даже совсем равнодушные к искусству и к древности люди считают положительной необходимостью для себя прогулку по залам Пио-Клементинского музея и Галереям Кьярамонти и Браччио Нуово. Это дань, которую современное человечество платит античности с наибольшим единодушием, с наибольшей покорностью».

Вид на Ватикан от собора Св. Петра

Первое упоминание о существовании художественной коллекции («кабинета редкостей») при папской библиотеке относится ко временам понтификата папы Сикста IV (1471–1484). Все же принято считать, что начало ватиканским собраниям положил папа Юлий II, в 1503 г. поместивший во внутреннем дворе дворца Бельведер, построенного Иннокентием VIII, мраморную античную статую Аполлона, некогда украшавшую садик при римской церкви Святого Петра в Цепях. В 1506 г. к ней добавилась ныне знаменитая скульптурная группа «Лаокоон» работы родосских мастеров Агесандра, Атенодора и Полидора. Это мраморное изваяние было найдено в винограднике на Эсквилинском холме. До нашего времени дошло описание находки Лаокоона, принадлежащее перу Франческо да Сангало, сына известного архитектора Джулиано да Сангало, вместе с Микеланджело Буонаротти, присутствовавшем при этом событии. Папа Юлий II отправил их туда, чтобы эти авторитетные мастера лично удостоверились в художественной ценности статуи. Находка получила огромный резонанс – ведь об этой скульптуре упоминал еще Плиний! По рекомендации Микеланджело и Сангало папа немедленно купил скульптуру у владельца виноградника. «Лаокоон» был установлен в Ватиканских садах и спустя месяц открыт для всеобщего обозрения. 14 января 1506 г. – день находки статуи – считается днем рождения Ватиканских музеев.

Первоначальным ядром собрания стала коллекция античных статуй, собранных папой Юлием II в так называемом Внутреннем дворике статуй, который сегодня известен как Октагональный двор. Эти художественные коллекции в настоящее время размещены в различных зданиях в пределах музейного комплекса. Со временем коллекции так разрослись, что встал вопрос о необходимости выделения отдельных музеев. Папы Бенедикт XIV (1740–1758) и Климент XIII (1758–1769)

основали два музея при Ватиканской Апостольской библиотеке: Священный (Museo Sacro, 1757) и Светский (Museo Profano, 1767). Позже папа Климент XIV (1769–1774) и кардинал Баски (будущий папа Пий VI) решили преобразовать в музей бывший дворец папы Иннокентия VIII, расширить старые и построить новые помещения для расширившихся коллекций. Строительные работы, которые длились 15 лет, были поручены архитекторам Симонетти и Кампорези. Старый антикварий для статуй был переделан, к нему пристроили восьмиугольный портик, и все эти помещения приспособили под музейные залы. Новый музей получил название Пио-Клементино (по имени Пия VI и Клемента XIV). Римские папы были в числе первых европейских суверенов, открывших художественные коллекции своих дворцов для широкой публики.

В 1797 г. договор между папой Пием VI и наполеоновской Францией лишил ватиканские музеи огромного числа бесценных произведений, которые были вывезены во Францию. Следующий папа, Пий VII (1800–1823), стремясь возместить потери, в первые же годы своего понтификата начал собирать произведения античного искусства. Собрание быстро пополнялось. Позднее для него по проекту архитектора Стерна было построено новое здание, которое получило название «Браччо Нуово» («Новое крыло»). В 1807–1810 гг. при участии выдающегося скульптора Антонио Кановы был организован музей Кьярамонти.

Художественные ценности, вывезенные во Францию, были возвращены в Рим только в 1816 г. по решению Венского конгресса. Среди возвращенных произведений было 73 картины, которые собраны в апартаментах Борджа. В 1822 г. был открыт музей в «Новом крыле» («Браччо Нуово»). Папа Григорий XVI (1831–1846) основал Этрусский музей (1837), куда поступали предметы из раскопок в Южной Этрурии, начавшиеся в 1828 г.; Египетский Музей (1839), коллекции которого пополнялись в результате археологических исследований в долине Нила, и Латеранский Светский музей (1844), где были собраны барельефы, статуи и мозаики римского периода. В 1854 г., при папе Пие IX, в Латеранском дворце открылся Христианский музей, в основу собрания которого легли находки в римских катакомбах, где собирались первые христиане – саркофаги, скульптуры, фрески, надписи. Позже к ним добавились экспонаты из раскопок в Остии (1856–1869) и Порто (1866). В 1910 г., во время понтификата св. Пия X, собрание музея пополнилось секцией, содержащий 137 надгробий из древних еврейских некрополей в Риме, большей частью с кладбища на Виа Портуэнсе, пожертвованные владельцами земли – семейством маркиза Пеллегрини-Кьярантотти. Спустя полвека собрания Светского и Христианского музеев были переведены, по просьбе папы Иоанна XXIII (1958–1963), из Латеранского дворца в новое, специально построенное здание в Ватикане. В 1970 г. они были вновь открыты для публики, получив названия Грегорианского Светского музея и Христианского музея Пия.

В 1926 г. папа Пий XI организовал Миссионерский Этнологический музей с собраниями материалов, происходящих из католических миссий в разных странах Африки, Азии и Америки. Первоначально он располагался в верхних этажах Латеранского дворца, а позже, по просьбе Иоанна XXIII, был переведен в Ватикан, где разместился в том же здании, что и другие собрания из Латеранского дворца. В 1932 г. окончательно выделилась в отдельный музей Ватиканская пинакотека. 23 июня 1973 г. папа Павел VI (1963–1978) открыл в апартаментах Борджа собрание современного религиозного искусства, в том же году был основан Ватиканский Исторический музей. С 1987 г. он располагается в папских апартаментах Латеранского дворца. Его собрание включает в себя собрание портретов пап, реликвии папской гвардии, богослужебные и церемониальные предметы, вышедшие из употребления. В качестве отдела Исторического музея действует Музей транспорта, основанный папой Павлом VI в 1973 г.; в его экспозицию входят автомобили и железнодорожные вагоны римских пап последнего века.

Помимо названных, в комплекс Ватиканских музеев входит ряд построек, отдельных залов и помещений, составляющих дворцовый ансамбль Ватикана: дворец Бельведер, Верхние галереи, апартаменты св. Пия V, апартаменты Борджа, капелла Николая V (Никколина), расписанная Фра Беато Анджелико, капелла Урбана VIII, знаменитая Сикстинская капелла и не менее знаменитые Станцы и лоджия Рафаэля, Галерея гобеленов, где выставлено собрание гобеленов и тканей XVI–XVII вв., Галерея карт и др.

Общая протяженность музейных залов и галерей составляет около семи километров, и почти невозможно осмотреть все художественные собрания Ватикана за один день. Это настоящий микрокосм западной цивилизации: от египетских мумий и этрусских золотых украшений до греческой и римской скульптуры, от шедевров Ренессанса до современного религиозного искусства. Миллионы туристов приносят Ватиканским музеям ежегодный доход в размере около 20 млн долларов, и большая часть этих средств тратится на обслуживание музейных залов и реставрацию экспонатов. Штат музейных работников сравнительно невелик – около 300 человек: экскурсоводы, охрана, научные сотрудники. Имеется несколько хорошо оснащенных лабораторий и рестарационных мастерских, где первоклассные специалисты – искусствоведы и реставраторы – колдуют над старинными полотнами, гобеленами, мозаиками, давая им вторую жизнь.

Ядро ватиканского собрания античной скульптуры составляет Музей Пио-Клементино, занимающий часть помещений дворца Иннокентия VIII (дворца Бельведер). Этот дворец первоначально служил летней резиденцией пап. В 1771 г. папа Климент XIV открыл в его стенах галерею греческих и римских скульптур, происходящих преимущественно из раскопок в Риме и его ближайших окрестностях. Некоторые из них украшали виллу императора Адриана близ Тиволи и «Золотой дворец» императора Нерона. Они послужили исходными моделями для скульпторов эпохи Возрождения, вдохновлявшихся античным искусством.

Следующий папа, Пий VI, значительно обогатил и расширил музейное собрание. Позднее по имени двух своих основателей музей и получил свое современное название Пио-Клементино. Реконструкция отведенных под его экспозицию залов дворца велась под руководством М. Симонетти и Дж. Кампорези. Ныне основная часть музейной коллекции выставлена в десяти залах: Зале греческого креста, Круглом зале (Ротонде), Галерее муз, Галерее животных, Галерее статуй, Галерее бюстов, Галерее масок, Октагональном дворике, кабинете Апоксиомена, и атриуме «Бельведерского торса».

Первым залом является Зал греческого креста. Он оформлен по проекту М. Симонетти в египетском стиле, хотя статуи фараонов, фланкирующие вход, представляют собой имитацию XIX в. В плане зал имеет вид равноконечного греческого креста, отсюда и его название. Его украшают несколько превосходных римских мозаик (в том числе одна, изображающая фазы Луны, II в. н. э.) и статуй II–III вв. Среди скульптур выделяются фигура юного императора Октавиана Августа – одна из немногих древних статуй, у которой голова никогда не была отделена от туловища, и скульптурный портрет Юлия Цезаря. Наиболее интересны два огромных порфировых саркофага, в одном из которых некогда покоился прах матери императора Константина – императрицы Елены, в другом – его дочери, Констанции. Саркофаг Елены (нач. IV в. н. э.), обнаруженный близ Виа Лабикана, украшен

рельефными сценами битв. Саркофаг Костанции (350–360 гг. н. э.), найденный среди руин мавзолея на Виа Номентана, украшен раннехристианской символикой: головками ангелов, изображениями агнцев, виноградных гроздьев и караваев хлеба. Позади саркофага находится статуя шагающей женщины, исполненная в натуральную величину, – как считается, это единственный дошедший до наших дней портрет легендарной царицы Клеопатры.

Следующий зал, круглый, и носит название Ротонды. Он создан в 1780–1782 гг. М. Симонетти по образцу римского Пантеона. Пол украшает мозаика I в. н. э. из Отриколи, изображающая битву греков с кентаврами, тритонами и нереидами. В центре – огромная монолитная порфировая ваза, найденная среди развалин «Золотого дворца» Нерона; стоящие вдоль стен 18 статуй и бюстов изображают римских и греческих богов и героев. Особенно выделяется среди них огромная бронзовая с позолотой статуя Геракла (II в.) – единственная позолоченная статуя, сохранившаяся со времен античности. Здесь же – колоссальная голова Юпитера из Отриколи (IV в.), беломраморная статуя императора Клавдия в облике Юпитера, увенчанного венком из дубовых листьев, бюст императора Адриана и большая скульптура, изображающая его фаворита, прекрасного юношу Антиноя. Обожествленный после гибели в Египте, Антиной изображен в облике бога Диониса-Осириса. Мастер, изваявший эту статую, явно стремился подражать великому скульптору классической Греции Праксителю. Но как и в других произведениях времен Адриана, призванных возродить красоту классической скульптуры, в портрете Антиноя наглядно виден чисто академический подход к греческому искусству. Воздействие греческих образов IV в. до н. э. несомненно, но формы, которые у Праксителя были органическими, естественными и не нуждались в подчеркивании, здесь по-римски укрупнены и монументализированы. Свисающие на лоб густые локоны кажутся плотными и вязкими. Резко отмечена грань между волосами и лбом. Полными и сочными показаны губы. Как и в других скульптурах, поверхность мрамора заглажена слишком сильно и тщательно отполирована.

Большая открытая арка соединяет Ротонду с восьмиугольным Залом муз, созданным в 1782 г. по проекту М. Симонетти. Его украшают шестнадцать колонн из каррарского мрамора. В зале выставлены мраморные статуи Аполлона и муз, покровительниц различных видов искусства (II в. н. э.), а также гермы римской работы с изображениями греческих философов. Из девяти муз – спутниц Аполлона здесь представлены только семь. Они найдены среди руин виллы императора Адриана в Тиволи и, как считается, представляют собой копии греческих бронзовых оригиналов.

Рядом с Залом муз расположена Галерея животных. Она содержит самое богатое в мире собрание античных скульптур, изображающих различных животных. Здесь выставлено около 150 статуй, многие из которых являются ценными произведениями искусства. Исполненные в цветном и белом мраморе, они отличаются тонким техническим мастерством. Часть скульптур представляет собой копии греческих и римских оригиналов, выполненные по заказу папы Пия VI итальянским скульптором Франческо Антонио Францони (1734–1818), часть других составлена Францони из подлинных античных фрагментов.

Лаокоон. I в. до н. э.

Из Зала животных можно пройти в соседнюю Галерею статуй, но, прежде чем сделать это, стоит выйти в Октагональный (бывший Бельведерский) дворик, где собраны самые выдающиеся шедевры из собрания Музея Пио-Клементино. По пути можно полюбоваться двумя изваяниями свирепых молосских собак работы мастеров пергамской школы (I в. до н. э.). Октагональный дворик, отделенный от Зала животных небольшим вестибюлем, является историческим ядром Ватиканских музеев: именно здесь папа Юлий II разместил первые классические скульптуры из своего собрания. В 1775 г. М. Симонетти, осуществлявший реконструкцию дворца по заказу папы Пия VI, перестроил прежний квадратный Бельведерский дворик в октагон, а в 1803 г. в его четырех углах были устроены отделенными аркадами небольшие ниши-кабинеты. Ныне в этих кабинетах помещены всемирно известные скульптуры «Лаокоон», «Аполлон Бельведерский» (римская копия с работы Леохара IV в. до н. э.), «Персей» и «Атлеты» (работы итальянского скульптора А. Кановы, 1800) и «Меркурий» («Гермес»; римская мраморная копия с греческого бронзового оригинала Праксителя).

Знаменитый «Аполлон Бельведерский» – мраморная римская копия 130–140 гг. н. э. с бронзового оригинала афинского скульптора Леохара. Эта скульптура была найдена близ Гроттаферраты около 1490 г. и перенесена в Ватикан в 1503 г. В другом кабинете – всемирно известная скульптурная группа «Лаокоон». Она была найдена на Эсквилинском холме в 1506 г., и присутствовавшие при этом открытии Микеланджело и Антонио да Сангалло сразу опознали в ней шедевр великих греческих мастеров Агесандра, Полиодора и Афинодора, описанный Плинием. Скульптура была отреставрирована Микеланджело, который заменил отсутствующую правую руку Лаокоона; ныне она, в свою очередь, заменена подлинником, найденным в 1950-х гг. В третьем кабинете Октагона стоит мраморная статуя Гермеса (Меркурия) – римская копия II в. с бронзового оригинала великого Праксителя, некогда находившегося в священной Олимпии. Долгое время считалось, что эта скульптура изображает Антиноя. Четвертый кабинет, «Кабинет Кановы», содержит три неоклассических статуи: «Персей», «Атлеты» и «Дамоксен», изваянные Антонио Кановой (1757–1822), крупнейшим итальянским скульптором конца XVIII в. Они были установлены здесь после того, как большинство античных шедевров из Ватиканских музеев было вывезены Наполеоном в Париж.

Из Октагонального дворика дверь ведет в круглый вестибюль. С левой стороны от него расположен кабинет Апоксиомена, в центре которого стоит превосходная римская копия статуи атлета «Апоксиомен» с оригинала работы Лисиппа (IV в. до н. э.). С правой стороны от круглого вестибюля находится небольшой внутренний дворик-атриум, носящий название атриума «Бельведерского торса». В трех его нишах-кабинетах выставлены знаменитая скульптура эпохи позднего эллинизма «Бельведерский торс», статуя Мелеагра (римская копия II в. с оригинала Скопаса IV в. до н. э.) и римские саркофаги, принадлежавшие членам известной патрицианской семьи Сципионов. Наиболее известен и интересен конечно же «Бельведерский торс». Найденный во времена папы Юлия II в Кампо Фуори, он представляет собой воплощение античного идеала мужской красоты. Неясно, кого изображала эта статуя: Геракла, сидящего на львиной шкуре, – как полагают одни исследователи, или отдыхающего Аякса, как считают другие. На мраморе сохранилась подпись автора: Аполлоний, сын Нестора (греческий скульптор I в. до н. э.). «Бельведерский торс» оказал большое влияние на скульпторов эпохи Высокого Возрождения; им вдохновлялся великий Микеланджело, работая над фресками Сикстинской капеллы.

Большой открытый проем в стене соединяет Зал животных с Галереей статуй. Она перестроена во времена Климента XIV и Пия VI из небольшого летнего павильона, примыкавшего ко дворцу Иннокентия VIII и украшенного в XV в. фресками Андреа Мантеньи и Пинтуриккьо. Ныне здесь выставлено несколько прекрасных римских копий с греческих скульптур.

Особенно выделяются «Аполлон Сауроктон» (римская копия с бронзового оригинала Праксителя IV в. до н. э.), «Пригнувшаяся Венера» (римская копия с оригинала Дедалоса из Вифинии, III в. до н. э.), «Эрос из Ченточелле» (эллинистическая копия с оригинала IV в. до н. э.), «Спящая Ариадна» (копия с эллинистического оригинала III–II вв. до н. э.), а также «Плач Пенелопы», «Амазонка» из виллы Маттеи, «Сон Ариадны», несколько монументальных греческих стел и так называемые канделябры Барберини.

Галерея статуй переходит в Галерею бюстов, разделенную аркадой на четыре небольшие комнаты. Здесь собраны более ста бюстов античных богов и богинь, римских императоров, патрициев и простых граждан. Вот целая портретная галерея римских цезарей: юный Август – тонкогубый, с острым носом; кудрявый «философ на троне» Марк Аврелий; печальный Адриан, с волосами, упавшими на лоб; жестокий Каракалла, похожий на итальянского бандита… Эффектно смотрится статуя императора Нервы (I в. н. э.) с подчеркнутой пространственностью форм. Он изображен с обнаженным торсом и красивыми складками тоги на коленях, восседающим на скале, подобно Юпитеру. В статуе императора Клавдия (41–54 гг. н. э.) цезарь предстает перед народом уже как полубог. В его жесте – открытый призыв к поклонению. Клавдий изображен подобным богу Юпитеру. Эффектна поза, аккуратно причесаны спускающиеся на лоб пряди волос, красиво уложены на плечах складки лент, тщательна дробная и мелкая отделка дубового венка. И все же пышная мишура всевозможных атрибутов и украшений не может скрыть зловещего взгляда императора, ожидающего почестей…

В следующем небольшом зале, Галерее масок, экспонируется несколько превосходных мозаик. Название зала происходит от украшающей его пол мозаики, найденной в 1780 г. на вилле Адриана в Тиволи, на которой изображено несколько масок. Сама галерея представляет собой часть перестроенного в XVIII в. летнего павильона, примыкавшего ко дворцу Иннокентия VIII. Вдоль стен зала размещены мраморные античные статуи, среди которых особенно интересны и известны «Сатир», изваянная из пентеликонского мрамора «Танцующая женщина» (найдена в окрестностях Неаполя), «Три грации» (римская копия с эллинистического оригинала) и римская копия знаменитой «Афродиты Книдской» (с оригинала Праксителя, IV в. до н. э.).

Примыкающая к Галерее масок группа помещений Бельведерского дворца является своеобразным продолжением экспозиции Музея Пио-Клементино. Северную часть коридора Пирро Лигорио занимают Зал колесницы и Галерея канделябров, созданная в 1785–1788 гг. Последняя представляет собой обширную лоджию, разделенную на шесть секций арками из разноцветного мрамора. Каждую секцию украшает большой мраморный канделябр (отсюда название галереи). Галерея канделябров наполнена статуями, фрагментами древних фресок, саркофагами и вазами, выполненными римскими мастерами. Среди большого числа экспонатов особое внимание обращают на себя «Аталанта» (римская копия с греческого оригинала V в. до н. э.), «Мальчик с гусем» (мраморная римская копия с бронзового оригинала конца III в. до н. э.), эллинистическая статуя «Старый рыбак», статуя Артемиды Эфесской времен императора Траяна (копия известной статуи многогрудой богини Артемиды из Эфеса, чьи груди, как считается, символизируют пчелиные соты – знак изобилия).

Весьма протяженная – 120 м! – Галерея карт была построена в 1578–1580 гг. О. Мачерино и по воле папы Григория XIII (1572–1585), реформатора календаря, расписана в 1580–1583 гг. великолепными фресками, изображающими географические карты всех областей Италии, главных островов Средиземного моря, папских владений во Франции, а также сцены осады Мальты, сражения при Лепанто и крупномасштабные карты морских республик Венеции и Генуи. Эта галерея считается самой красивой в ансамбле Ватиканских музеев. Автором проекта росписей является монах-доминиканец Игнасио Данти – известный математик и космограф, непосредственным исполнителем – его брат Джироламо. Для того чтобы создать 40 живописных настенных картин (32 больших – 320?420 см, и 8 меньшего размера), им потребовалось три года (1580–1583). Сводчатые потолки галереи расписывала группа художников-маньеристов во главе с Чезаре Неббия и Джироламо Муциано.

Следующая галерея носит название Галереи гобеленов. В 1814 г. в ее стенах была открыта выставка фламандских гобеленов XVI в. и итальянских гобеленов XVII в. Фламандские гобелены созданы в знаменитых брюссельских мастерских Питера ван Эльста; многие из них выполнены по рисункам великого Рафаэля и, возможно, его учеников. Из работ фламандских мастеров интересны также гобелен 1549 г., изображающий смерть Юлия Цезаря, и серия гобеленов «Времена года». Итальянские гобелены, созданные в 1600-х гг., изображают преимущественно сцены из жизни Маффео Барберни, избранного в 1623 г. римским папой под именем Урбана VIII (1623–1644).

Ватиканский Музей Кьярамонти основан папой Пием VII на седьмом году его понтификата при участии выдающегося скульптора Антонио Кановы и назван по имени основателя (светское имя Пия VII – Барнаба Луиджи, граф Кьярамонти). Это музей классической скульптуры. Ядро его собрания – главным образом римские статуи, некоторые из них – копии более ранних работ греческих мастеров. Помимо статуй, здесь собраны античные бюсты, алтари, архитектурные детали, урны, саркофаги – общим числом более тысячи, различные и по происхождению, и по художественной ценности.

Музей состоит из трех частей: Коридора, Нового крыла (итал. Braccio Nuovo) и лапидария. Коридор – большая арочная галерея, разделенная на 60 секций. По обеим ее сторонам тянется бесконечный ряд статуй, бюстов, саркофагов рельефов – всего около 800 экспонатов, относящихся к римской эпохе. Наибольший интерес представляют колоссальная голова Афины эпохи императора Адриана (117–138 гг. н. э.), рельеф I в. н. э., изображающий «Три Грации» (в XXXI секции), и два греческих подлинника: «Дочери Ниобы» – рельеф, изваянный из беотийского известняка, и голова бога морей Посейдона (Нептуна). Другая часть музея – лапидарий, где собрано более 3 тыс. каменных табличек, скрижалей и саркофагов с надписями. Это одно из самых больших в мире собраний подобного рода.

Новое крыло (Браччо Нуово), построенное в 1817–1822 гг., – жемчужина не только Музея Кьярамонти, но и всего ансамбля Ватиканских музеев. Его творцом является архитектор Рафаэль Стерн; после его смерти в 1820 г. работы возглавил Паскуале Белли. Выстроенное в духе неоклассицизма здание поражает своим почти абсолютным совершенством, строгой симметрией всех частей, гармоничными пропорциями и умело устроенной системой освещения. Интерьеры украшены позолотой, алебастром, египетским гранитом, полы выложены цветным мрамором. Весь этот антураж как нельзя лучше соответствует великолепной коллекции античных скульптур, собранных в стенах Браччо Нуово.

В просторном светлом главном зале, отделанном мрамором, в нишах вдоль стен расставлены двадцать восемь статуй, между нишами на мраморных консолях – двадцать восемь бюстов. Их дополняют двадцать настенных рельефов. Здесь собраны самые лучшие в эстетическом отношении произведения античной скульптуры. Особенно выделяются прекрасная римская копия статуи Демосфена с бронзового

оригинала Полиевкта (III в. до н. э.), мраморная копия «Силен и Дионис» с оригинала Лисиппа (IV в. до н. э.), две копии с оригиналов Поликлета (V в. до н. э.): «Раненая Амазонка» и «Дорифор». Здесь хранится и прекрасная коллекция римской портретной скульптуры.

Этрусский музей занимает верхний этаж дворца Иннокентия VIII (1484–1492) и часть смежного здания времени Пия IV (1559–1565). В его залах сохранились фрески Федерико Бароцци и Федерико Дзуккари (1563), Санти ди Тито и Никколо Чирчиньяни делле Памаранче (1564). Григорианский Этрусский музей – таково его полное название – основан в 1837 г., в понтификат папы Григория XVI. Основой для его создания послужили археологические находки на территории Южной Этрурии в 1828–1836 гг., в те времена входившей в состав Папского государства.

В 1830–1840 гг. при раскопках были открыты важнейшие центры этрусской культуры – Вульчи, Тарквинии, Кьюзи. Античная Этрурия охватывала не только Тоскану, но и некоторые районы Умбрии и весь северный Лациум – территорию протяженностью в 200 километров с севера на юг, между рекой Арно и Тибром, до 1870 г. входившую в состав Папского государства. Этрусский город Цере располагался на месте современной деревни Черветери. Именно в Черветери был найден один из самых знаменитых некрополей этрусков. Этот «город мертвых» занимал более 350 гектаров.

В 1835 г. священник Алессандро Реголини и генерал Винченцо Галасси обнаружили в Черветери необычную гробницу. Она оказалась абсолютно нетронутой – за прошедшие двадцать пять веков покой мертвых не нарушил ни один человек: ни грабитель, ни ученый, ни искатель приключений. В дальнем углу первой погребальной камеры располагалось бронзовое смертное ложе. По-видимому, здесь был похоронен лукумон – этрусский князь. Останки усопшего давно истлели, рядом стояла совершенно не тронутая временем небольшая, почти игрушечных размеров бронзовая колесница – точная копия этрусской триумфальной колесницы, на которой в годы своей земной жизни разъезжал вождь этрусков. Рядом стояли конические бронзовые вазы с изображениями грифонов, небольшой жертвенник-треножник, бронзовые статуэтки… В ногах умершего лежал миниатюрный бронзовый щит. Такими же щитами была увешана противоположная стена гробницы.

Этрусский женский вотивный портрет

Небольшая, наполовину заделанная кирпичом дверь вела в следующую погребальную камеру. Со сводчатого потолка свисали бронзовые вазы, на полу – серебряные безделушки, множество флаконов из-под духов… Целая гора женских украшений безошибочно позволяла угадать место, где некогда лежала усопшая – очевидно, супруга вождя. Покрытая орнаментом золотая пластина покоилась на груди, золотые серьги и браслеты украшали уши и руки, ожерелье – шею. За двадцать пять веков от той, что когда-то носила эти украшения, не осталось и следа. Вещи лежали на месте…

Ныне все находки из гробницы «Реголини-Галасси», приведенные в порядок и отреставрированные, собраны в одном из залов Этрусского музея в Ватикане.

С ликвидацией Папского государства в 1870 г. музей лишился возможности пополнять свою коллекцию материалами раскопок, и в дальнейшем его рост осуществлялся только за счет случайных приобретений и нескольких крупных пожертвований. Важными событиями стали покупка собрания этрусских древностей Фалькони (1898), пожертвование коллекционера Марио Астарита (1967), покупка коллекции Гиачинто Гульельми (1987). В 1937 г. по завещанию маркиза Бенедетто Гульельми музей получил коллекцию произведений этрусского искусства из некрополя в Вульчи.

Экспозиция Этрусского музея размещается в двадцати двух залах и содержит материалы IX–I вв. до н. э., начиная от эпохи железного века до вхождения этрусских городов в состав Римского государства. О тысячелетней истории этрусков рассказывают многочисленные предметы, изготовленные из бронзы, серебра, золота, керамика разных эпох. Неотъемлемой частью экспозиции является большое собрание греческих ваз, найденных в этрусских некрополях, и италийских ваз, произведенных в эллинизированных городах Южной Италии. Смежная с Этрусским музеем секция посвящена римским древностям, найденным при раскопках в Риме и области Лациум.

Через два года после образования Этрусского музея, в 1839 г., в нижнем этаже того же здания был открыт Египетский музей. Как и Этрусский, он носит название Григорианского, так как был основан папой Григорием XVI. Основу собрания музея, у истоков которого стоял известный итальянский египтолог, священник-варнавит Луиджи Унгарелли, составила коллекция древностей, в свое время вывезенная из Египта римским императором Адрианом (117–138) для украшения своей виллы в Тиволи. Другая часть собрания сформировалась за счет частных коллекций, приобретенных в течение XIX в. В 1952 г. Египетский музей получил в дар коллекцию Грасси, состоящую из предметов искусства эпохи эллинизма.

Музей невелик – он занимает всего девять залов, однако собранное здесь большое число художественных произведений, начиная с амулетов и кончая колоссальными статуями фараонов, дает представление об искусстве периода расцвета и могущества Древнего Египта и времени его упадка. В экспозиции музея – драгоценные папирусы, включая знаменитую Книгу Мертвых, мумии людей и животных, богатейшая коллекция священных скарабеев, скульптурные изображения богов и фараонов. Экспозиции двух последних залов рассказывают о древней истории стран Ближнего Востока и Месопотамии.

Григорианский музей светского искусства (бывший Латеранский) основан папой Григорием XVI в 1844 г. С 1970 г. он размещается в специально построенном здании, расположенном параллельно зданию Ватиканской пинакотеки. В четырех секциях музея выставлены памятники греческой и римской скульптуры, барельефы и мозаики римского периода. В коллекции музея имеется несколько оригиналов греческих скульптур, среди которых три фрагмента из афинского Парфенона и голова Афины, датируемая около 460 до н. э. В музее есть также секция, посвященная римским копиям с греческих оригиналов; особенно выделяется бронзовая группа «Афина и Марс», сделанная с оригинала Мирона V в. до н. э., и копия эллинистической мозаики, изображающей пол зала с остатками обильного обеда. Об этой мозаике сообщал еще римский писатель Плиний.

В отделе, посвященном римской скульптуре республиканского и имперского периодов, среди прочих экспонатов хранится алтарь Викомагистров (I в. н. э.) и два рельефа, изображающие приезд императора Веспасиана в Рим и отъезд императора Домициана (оба найдены в 1939 г.). Здесь выставлено множество предметов декоративного убранства саркофагов, в частности скульптурные фризы гробницы Гатериев, изображающие пейзажи Древнего Рима и реалистические сценки повседневной жизни римлян. Полагают, что несколько поколений членов семьи Гатериев были потомственными строителями, и они рекламировали свои услуги, изображая на саркофагах те римские здания, в постройке которых они принимали участие (включая знаменитый Колизей). Не менее интересны две мозаики III в. с изображениями атлетов, найденные в термах Каракаллы. Лапидарий – собрание древних надписей, преимущественно эпитафий, содержит множество надписей I–III вв. на греческом, еврейском и латинском

языках, найденных в римских катакомбах.

В 1854 г., при папе Пие IX, в Латеранском дворце открылся Христианский музей, в основу собрания которого легли находки в римских катакомбах, где проводили службы первые христиане – саркофаги, скульптуры, фрески, надписи. Позже к ним добавились два зала экспонатов из раскопок в Остии (1856–1869) и Порто (1866). В 1910 г., во время понтификата св. Пия X, собрание музея пополнилось секцией, содержащий 137 надгробий из древних еврейских некрополей в Риме, большей частью с кладбища на Виа Портуэнсе, пожертвованные владельцами земли – семейством маркиза Педдегрини-Кьярантотти. Спустя полвека собрания Светского и Христианского музеев были переведены по просьбе папы Иоанна XXIII (1958–1963) из Латеранского дворца в новое, специально построенное здание в Ватикане. В 1970 г. они были вновь открыты для публики, получив названия Григорианского Светского музея и Христианского музея Пия.

Сегодня в экспозиции Христианского музея представлены произведения искусства, приобретенные Святым Престолом в XVIII–XIX вв., артефакты, обнаруженные при раскопках римских катакомб. Здесь нет ни впечатляющих художественных полотен, созданных великими мастерами живописи, ни мраморных статуй. При этом экспонаты этого музея захватывают не менее, чем залы, наполненные предметами античного и ренессансного искусства. Каждый из них рассказывает о вере и надежде первых христиан, свидетельствует об их обращении, мученичестве, благочестии. Вероятно, именно это придает главную ценность произведениям искусства, хранящимся в Христианском музее.

Хотя новая религия утверждалась в столице Римской империи постепенно и незаметно, произведения христианского искусства первых веков от Р. Х. достигли высокого художественного уровня. Среди более чем тысячи экспонатов музея – множество реннихристианских саркофагов, покрытых рельефами с изображениями библейских сцен. Зрительные образы нередко дополняются текстами из Ветхого и Нового Заветов. Так, «саркофаг Ионы» (IV в.) украшает искусная резьба – сцены приключений Ионы, проглоченного китом, сопровождающиеся большим отрывком из библейской Книги Ионы. На этом же саркофаге изображены Ной, отправляющийся в плавание на ковчеге, Иисус Христос, воскрешающий Лазаря, и апостол Петр, в момент, когда крестил своих тюремщиков.

Частое сопоставление сцен из Ветхого и Нового Заветов показывает, что ранние христиане легко умели распознавать евангельскую весть, вложенную в еврейские Священные Писания. На одном из саркофагов изображена сцена сотворения Богом Евы из ребра Адама, а под ней помещена сцена Рождества Христова: Иисус, «новый Адам», рожден от Марии – «новой Евы». Через крещение христиане рождаются к новой жизни и входят в Церковь, которая суть Тело Христово; таким образом, они, как говорил апостол Петр, становятся «причастниками Божеского естества». Христианский смысл смерти открывается в свете Пасхальной тайны смерти и воскресения Христа: для христианина смерть есть завершение его нового рождения, начатого крещением, и вступление в жизнь вечную. На раннехристианских саркофагов изображено великое множество сюжетов и символов, выражающих твердую веру в Христа и надежду на вечную жизнь.

Реннехристианское искусство было тесно связано с современным ему языческим. Даже изображение Христа в образе Доброго Пастыря происходит от античных образов пастуха. «Я – пастырь добрый: пастырь добрый полагает жизнь свою за овец», – говорит Иисус в Евангелии от Иоанна (Ин., 10: 11). Первые христиане легко признали Христа в языческом образе пастуха, наполнив его новым значением. Раннехристианские художники видели Христа и в образе легендарного певца Орфея, сына бога искусств Аполлона. Как повествуют мифы, Орфей с помощью своей музыки приручал диких животных, и его образ стал символическим изображением Христа, который преобразовывал жизни грешников. Присутствие языческих элементов в раннехристианской скульптуре наглядно демонстрирует, как культура первых веков христианства постепенно внедрялась в господствующую в ту пору языческую культуру, наполняя ее новым содержанием и преобразуя изнутри. Ранние христиане не отвергали и не принижали творений античных мастеров, но использовали их воздействие на души и думы для проповеди евангельского Откровения. Языческие образы были для них «семенами Слова», рассеянные Богом в Древнем мире. При этом искусство первых христиан, несомненно, является библейским, основанным на Священном Писании. Сегодня христиане всех конфессий могут видеть в нем свои общие корни.

Христианский музей располагает значительным фондом золота. Здесь представлены произведения декоративного искусства, изделия из слоновой кости, печати, монеты, столовые сервизы, позолоченное стекло, гравированные предметы, кольца и памятные медали. Интересно, что многие из этих предметов, например красивые стеклянные медальоны с портретами апостолов Петра и Павла, выполненные из тонких листков золота, рассчитаны на восприятие при искусственном освещении – свете факелов, ламп и пр. Это напоминание о тех временах, когда христиане не могли свободно исповедовать свою религию и жестоко преследуемые властями совершали литургию в римских катакомбах, куда нет доступа солнечным лучам. Об этом красноречиво свидетельствует и собрание терракотовых масляных ламп, в свете которых последователи Христа преодолевали целые мили подземных туннелей – живая иллюстрация к словам апостола Иоанна: «И свет во тьме светит, и тьма не объяла его» (Ин., 1: 5). В римских катакомбах находили и продолжают находить сотни памятников эпохи раннего христианства. В их числе – многочисленные вотивные дары, нередко весьма искусной работы, выполненные из драгоценных металлов. На двух изящных серебряных флаконах с рельефными портретами апостолов Петра и Павла выгравирована надпись: «Petivi et accepi, votum solvi» («Я просил, и я получил, и я выполнил свой обет») – несомненное свидетельство веры первых христиан. Эти и другие предметы – перстни-печати с монограммой Христа, бронзовые медальоны и др. – проливают свет на повседневную жизнь римской раннехристианской общины.

Знакомство с художественными сокровищами Ватикана следует завершить в Ватиканской пинакотеке. Ватиканская картинная галерея была основана в 1790 г. папой Пием VI (1775–1799). Собранные в папских дворцах картины были первоначально размещены в одном из отделений коридора, построенного еще Пирро Лигорио (1510–1583) и расписанного в конце XVIII в. Бернардино Нокки, Доменико дель Фрате и Антонио Марини. Первое собрание насчитывало 118 полотен и имело очень короткую историю, прервавшуюся в 1796 г., когда в соответствии сперва с Болонским перемирием 1796 г., а затем с Толентинским договором 1797 г. десятки лучших картин Ватиканской пинакотеки были вывезены в Париж.

К замыслу создания в Ватикане художественной галереи, открытой для публики, вернулись только в 1817 г., после падения Наполеона, когда художественные ценности, вывезенные во Францию после 1797 г., были возвращены в Италию лишь по решению Венского конгресса. Среди возвращенных шедевров были и семьдесят три картины прежней Ватиканской пинакотеки. Первоначально из разместили в апартаментах Борджа, но их явная

неприспособленность для демонстрации больших художественных коллекций заставила искать для пинакотеки новое помещение. Сперва она переехала в апартаменты Григория XIII, затем в Галерею гобеленов, потом в апартаменты Пия V и, наконец, опять вернулась в апартаменты Григория XIII. За эти годы собрание продолжало расти за счет новых покупок и пожертвований. При св. Пие X (1903–1914) в состав пинакотеки вошла замечательная коллекция византийского искусства и много произведений итальянских примитивов, которые до этого хранились в Латеранском дворце и в Ватиканской библиотеке.

Джентиле да Фабриано. Св. Николай воскрешает трех детей, помещенных в рассол. 1425 г.

В 1908 г. пинакотеку перевели в одно из крыльев Бельведерского дворца. Однако из-за небольших размеров этого помещения для художественной галереи было решено построить новое здание, могущее обеспечить надлежащие условия хранения и экспонирования картин. Воплотить в жизнь этот проект удалось только в 1932 г., в понтификат папы Пия XI (1922–1939). Новое здание галереи было построено по проекту архитектора Луки Бельтрами, на месте так называемой Садовой площади. Пинакотека была открыта 27 октября 1932 г.

Сегодня в восемнадцати залах пинакотеки выствлено около 460 картин – от работ так называемых примитивов (XII–XIII вв.) до полотен выдающихся художников XVIII–XIX вв. В основном здесь представлена итальянская школа живописи, хотя есть и работы мастеров других стран (Л. Кранах, Мурильо, Т. Лоуренс).

Экспозицию открывает зал с работами итальянских художников-примитивов XI–XIII вв. Это еще не Возрождение, а Предвозрождение или Проторенессанс. Проторенессансные веяния появились в итальянской культуре уже в XIII в., а иные находят их даже в искусстве XII в. и еще более далекого XI в. В числе выставленных здесь работ – произведение неизвестного мастера римской школы «Страшный суд» (XI в.), «Св. Франциск Ассизский» Маргаритоне д’ Ареццо, «Мученичество Святого Стефана» Бернардо Дадди, «Мадонна с Младенцем, Св. Михаилом и Св. Урсулой» Аллегретто Нуци.

Искусство треченто представлено во втором зале работами таких известных художников, как Джотто, Симоне Мартини, Бернардо Дадди, Пьетро Лоренцетти, Джованни ди Паоло, Никколо ди Томмазо. Особенный интерес представляет «Триптих Стефанески» кисти Джотто, представляющий Христа на троне, окруженного ангелами, со сценами распятия св. Петра и мученичества св. Павла; в пределе изображена Богоматерь на троне. В следующем зале выставлены работы мастеров кватроченто: «Увенчание Марии небесной славой» флорентийца Флорентино Липпи, «Чудеса Св. Николая» умбрийского мастера Джентиле да Фабриано, «Мадонна» Беноццо Гоццоли и две картины Фра Беато Анджелико: «Жизнь Св. Николая» и «Мадонна с Младенцем, Св. Домиником и Св. Екатериной».

В четвертом зале почти безраздельно господствует живопись выдающегося умбрийского художника-монументалиста Мелоццо да Форли (Мелоццо дельи Амбрози, 1438–1494). Его ангелы, играющие на музыкальных инструментах, заполняют почти все пространство зала. Эти монументальные фрески – увы, лишь небольшая сохранившаяся часть росписи купола римской церкви Санти Апостоли (Святых Апостолов), в свое время принесшей Мелоццо да Форли небывалую славу. Это был первый пример декоративной живописи, предназначенный для рассматривания ее снизу вверх. Многие художники решали впоследствии ту же задачу, но впервые она была поставлена и с поразившей всех легкостью разрешена Мелоццо да Форли. Церковь Святых Апостолов в Риме была одним из важнейших памятников итальянской художественной истории, однако реставраторы и строители XVIII в. сбили всю живопись Мелоццо и переделали храм «в духе времени». От грандиозного ансамбля остались лишь фрагменты фресок, изображающие ангелов, поющих и играющих на различных инструментах, которые бережно хранятся теперь в Ватиканской пинакотеке. «Ангелы» Мелоццо – самые известные из его работ.

Мелоццо да Форли был любимым художником папы Сикста IV. В Ватиканской пинакотеке сегодня хранится большая фреска Мелоццо, изображающая Сикста IV, окруженного племянниками и торжественно поручающего гуманисту Бартоломео Платине библиотеку, собранную и размещенную им в залах Ватикана. Эта фреска, исполненная по заказу папы Сикста IV, некогда украшала одну из стен Ватиканской библиотеки. «Фреска Мелоццо да Форли – самый значительный из художественных памятников кватроченто в Риме, – отмечает П. П. Муратов. – Из художников этого века только Пинтуриккио представлен в Риме своими лучшими произведениями… Перед фреской Мелоццо зритель не сомневается в том, что здесь ему встретилось одно из произведений, отмечающих вершину искусства кватроченто, и что автор его должен быть поставлен в ряду величайших художников той эпохи, наравне с Боттичелли, Пьеро делла Франческа, Беллини, Мантеньей и Лукой Синьорелли. Перед нами открывается грандиозная и светлая архитектурная перспектива, составляющая достойный фон для шести монументальных фигур. Папа Сикст IV сидит в кресле, и его твердый профиль обращен к стоящему перед ним на коленях Платине с такой торжественной неподвижностью, какая встречается только в изображениях богов на античных рельефах. Сзади него видны высокий и суровый кардинал делла Ровере, будущий Юлий II, и изнеженно-красивый фаворит, кардинал Пьетро Риарио. Два молодых вельможи, в тяжелых отороченных мехом шубах и с золотыми цепями вокруг шеи, замыкают группу слева. Их лица выражают решительность, и в их позах есть вызов всякой опасности; младший из этих людей, вероятно, Джироламо Риарио. Между изображенными лицами нет никакого действия, в этом групповом портрете каждое из них позирует на своем месте… Мелоццо был могучим живописцем, вероятно, самым темпераментным изо всех владевших искусством кватроченто. Это особенно выражено в широком распределении больших цветных поверхностей. Каждая из фигур входит в композицию со своим тоном: серебристо-серым – платина, белым – папа, пурпуровым – делла Ровере, сиреневым – Джироламо Риарио, вишневым – его товарищ. В архитектуре преобладает цвет белый с золотом, рядом с которым видны зеленые стены второй комнаты и синеющее сквозь окна небо. Чистой прелестью этих тонов, легких и светящихся каким-то жемчужным блеском, никогда нельзя насладиться до конца. Сиреневый, вишневый и зеленый цвета Мелоццо принадлежат к числу величайших колористических откровений Италии».

Перейдя в следующий зал, мы впервые встретим работу художника неитальянского происхождения: «Пьету» Лукаса Кранаха-Старшего. Здесь, как и в шестом зале, представлены работы мастеров чинквеченто. В седьмом зале полотна Перуджино и Пинтуриккьо служат своеобразным введением в искусство великого Рафаэля, которому целиком посвящен восьмой зал. Здесь находятся главные сокровища Ватиканской пинакотеки – три большие картины Рафаэля: ранняя «Увенчание Девы Марии небесной славой», более поздняя «Мадонна ди Фолиньо», написанная художником в период расцвета его таланта, и огромная «Преображение», последняя работа мастера. Ее заказал Рафаэлю кардинал Джулио Медичи (будущий папа Климент VII). Художник не успел закончить картину – ее дописывал Джулио Романо. В зале Рафаэля находятся и десять

знаменитых гобеленов, исполненных по его картонам. Они были заказаны папой Львом X в 1516 г. для украшения Сикстинской капеллы и изготовлены в брюсселькских мастерских. Непревзойденными образцами монументальной живописи стали выполненные для этой серии картоны Рафаэля «Чудесный лов рыбы» и «Паси овец моих». По словам немецкого историка искусства Генриха Вёльфлина, «эти картоны были сокровищницей, из которой художники черпали формы для выражения движений человеческой души. Удивление, испуг, страдание, величие и достоинство воплощены здесь с таким совершенством, что иных форм для них Запад не мог и представить себе».

Девятый зал – это прежде всего «Кающийся Иероним», незаконченная картина Леонардо да Винчи, и «Пьета» Джованни Беллини. В десятом собраны полотна мастеров школы Рафаэля и венецианской школы. Выделяются две работы Тициана – «Мадонна Фрари» и «Портрет дожа Никколо Марчелло», а также две картины Веронезе «Аллегория Свободных Искусств» и «Видение Св. Елены». Одиннадцатый зал отражает тот сложный период в истории итальянской живописи, когда господствующими в ней направлениями являлись поздний маньеризм и болонский академизм. Творчество одного из основателей художественной академии в Болонье, Лодовико Каррачи, представлено здесь картиной «Троица с мертвым Христом». В этом же зале собрана небольшая коллекция полотен Ф. Бароччи: «Отдых на пути в Египет», «Обретение стигматов Св. Франциском Ассизским» и др.

Одним из бесспорных шедевров Ватиканской пинакотеки является находящаяся в двенадцатом зале картина «Положение во гроб», исполненная Микеланджело да Караваджо (1573–1610). Караваджо – один из тех художников, которых можно открыть для себя только в Италии, а точнее – в Риме. Здесь, в галереях Капитолия, Дориа, Боргезе, Национальной галерее, Ватиканской пинакотеке, в церквах Сан Луиджи деи Франчези и Санта Мария дель Пополо, творчество этого художника представлено с исключительной полнотой.

Могучая сила искусства Караваджо буквально затмевает другие полотна, размещенные на стенах зала. А ведь здесь собрана прекрасная коллекция живописи XVII в.: «Кающаяся Мария Магдалина» и «Уверение Фомы» Гверчино, «Распятие Св. Петра», «Мадонна с Младенцем, Св. Фомой Аквинским и Св. Иеронимом», «Св. Матвей и ангел» Гвидо Рени, «Мученичество Св. Эразма» великого французского живописца Никола Пуссена (1594–1665). Характерно, что даже в последней картине, написанной в 1628–1629 гг., явственно присутствует дух великого Караваджо: в первые годы своего пребывания в Италии Пуссен невольно был захвачен обаянием его искусства. Еще одна картина Пуссена, «Победа Гедеона над мадианитянами», хранится в следующем, тринадцатом зале. Здесь же представлено несколько работ блестящего мастера монументально-декоративной живописи эпохи зрелого барокко Пьетро да Кортона (1596–1669): «Видение Св. Франциска», «Давид, убивающий льва», «Давид и Голиаф».

Четырнадцатый и пятнадцатый залы посвящены живописи второй половины XVII–XVIII вв. Здесь интересны прежде всего картина выдающегося испанского художника Бартоломе Эстебана Мурильо «Мученичество Св. Петра» (четырнадцатый зал), два полотна самого значительного мастера итальянской живописи рубежа XVII–XVIII вв. Джузеппе Мария Креспи «Святое семейство» и «Портрет папы Бенедикта XIV», работа английского художника Томаса Лоуренса «Портрет короля Георга IV» (пятнадцатый зал). Следующий зал целиком посвящен творчеству австрийского художника Петера Венцеля (1745–1829). Далее – интереснейшая выставка работ Джованни Лоренцо Бернини, относящихся к периоду, когда этот выдающийся скульптор и архитектор работал над кафедрой Св. Петра.

Завершает экспозицию Ватиканской пинакотеки собрание византийских, греческих и русских икон XV–XIX вв. К числу самых древних принадлежат две иконы новгородской школы «Успение Богоматери» (XV в.) и «Св. Николай с житием» (рубеж XV–XVI вв.). Здесь же интересная икона «Увенчание Девы и святых» работы неизвестного греко-венецианского мастера начала XV в.

Великобритания

Британский музей

Британский музей в Лондоне называют самым большим музеем мира. Точно подтвердить, так это или нет, невозможно, но в любом случае он входит в ведущую пятерку мировых музеев. Собрание Британского музея, ныне насчитывающее более 13 миллионов экспонатов, представляющих все континенты, охватывает всю историю человеческой культуры, с глубокой древности до наших дней.

В основу этой всемирно известной коллекции легло собрание лондонского врача и ученого-натуралиста сэра Ганса Слоуна (1660–1753). Страсть к естественным наукам завладела им еще в юности. В 1687 г., в возрасте 27 лет, Слоун получил предложение занять пост врача при губернаторе Ямайки, и с удовольствием отправился в это дальнее путешествие, распахнувшее перед ним совершенно новый, неизведанный мир. Менее чем за два года Слоун собрал на Ямайке интересную естественнонаучную коллекцию, насчитывавшую более 800 объектов. Вернувшись в Лондон и сделав блестящую карьеру (в частности, он был придворным врачом при Георге I, королеве Анне и Георге II), он стал весьма богатым и уважаемым человеком. До последних своих дней Слоун не утратил интереса к коллекционированию. К концу жизни его коллекция насчитывала более 71 тыс. различных экспонатов, в том числе 40 тыс. книг, 7 тыс. рукописей, множество естественнонаучных препаратов, включая 337 гербариев, а также старинные гравюры и рисунки (среди них работы Альбрехта Дюрера), монеты, предметы старины из Египта, Греции, Рима, Ближнего и Дальнего Востока и Америки. Не желая, чтобы после его смерти это во многом уникальное собрание было распылено – он хотел, чтобы его коллекции оставались в Лондоне, «где благодаря большому стечению народа от них была бы наивысшая польза», Слоун завещал его королю Георгу II и английской нации, при условии, что государство изыщет средства и выплатит его оставшимся без отца дочерям сумму в размере 20 тыс. фунтов, что было намного ниже реальной стоимости коллекции.

Хотя король Георг первоначально без энтузиазма отнесся к такой перспективе, британский парламент очень быстро нашел нужные средства и в 1753 г. принял акт о создании Британского музея на основе коллекции Слоуна. Формальное согласие с этим актом король выразил 7 июня 1753 г. По решению парламента, в фонды нового музея были включены еще две частные библиотеки: книжное собрание сэра Роберта Коттона, большинство книг которого относилось к эпохе королевы Елизаветы (1558–1603), и библиотека графов Оксфордских. В 1757 г. сюда добавилась еще и Королевская библиотека, собранная различными британскими монархами. Таким образом, Британский музей одновременно стал и национальным музеем и национальной библиотекой.

Богатое собрание было решено разместить в доме Монтегю, расположенном в лондонском районе Блумсбери. Музей открыл двери для публики 15 января 1759 г. С самого начала доступ в его залы был свободным, без всякой входной платы (эта традиция сохраняется до наших дней), хотя первое время и был ограничен: посетителей пускали группами, по 15 человек в каждой, в сопровождении гида, так что в день музей мог принять не более 60 человек (к началу XIX в. эта цифра выросла до 120 человек). Подобная практика была прекращена в 1810 г.,

однако вплоть до 1836 г. в целях охраны общественной нравственности сюда пускали только людей «пристойного вида», а по выходным и праздничным дням музей не работал, чтобы ограничить приток представителей низов общества, в том числе «матросов с верфей и девиц, которых они могут с собой привести».

С самого начала музей действовал не только как образовательный, но и как научный центр. Уже в январе 1759 г. в его стенах открылся читальный зал для ученых. Однако еще долгое время Британский музей представлял собой нечто среднее между библиотекой и кунсткамерой. В его экспозиции были выставлены, главным образом, манускрипты, книги, монеты и медали. Разнообразие в строгую и чопорную обстановку вносили египетская мумия, заспиртованная голова грифа, свинья-циклоп… Среди занимательных экспонатов был один из двух рогов, выросших на голове некой Мэри Девис, чей портрет (с двумя рогами) был вывешен тут же рядом. В течение нескольких последующих лет после открытия музей получил в дар несколько крупных книжных собраний, включая библиотеку Томасона и библиотеку Дэвида Гаррика. Преобладание в его экспозиции книг, рукописей и естественнонаучных коллекций начало уменьшаться в последней трети XVIII в., когда в 1772 г. музей приобрел крупное собрание античных ваз, принадлежавшее сэру Уильяму Гамильтону (1730–1803), британскому послу в Неаполе. В 1778 г. выставка экзотических предметов, привезенных экспедицией капитана Джеймса Кука, открыла для посетителей музея волнующий мир далеких Южных морей. В январе 1784 г. сэр Уильям Гамильтон пожертвовал музею еще одну крупную коллекцию предметов старины, включавшую колоссальную мраморную ногу бога Аполлона – фрагмент античной статуи.

Лондон. Британский музей

Бурный территориальный рост Британской империи, начавшийся на рубеже XVIII–XIX вв., открыл перед британскими учеными, коллекционерами и любителями старины необычайно широкие возможности. Весь земной шар распахнул перед ними свои сокровища. В начале XIX в. фонды музея значительно пополнились за счет обширного собрания греческой и римской скульптуры. После поражения французов в Египте в 1801 г. британская армия конфисковала большее количество произведений древнегипетского искусства и памятников старины, собранных французскими учеными, состоявшими при армии Наполеона. В 1803 г. эта коллекция была передана Британскому музею. В числе этих памятников оказался ныне знаменитый Розеттский камень, послуживший ключом к дешифровке египетских иероглифов. Деятельность Генри Солта, британского генерального консула в Египте, связана с формированием ныне огромного собрания древнеегипетской монументальной скульптуры, начало которому положил колоссальный бюст Рамсеса II.

Рамсес II. XIII в. до н. э.

Деятельность агентов британского правительства по приобретению предметов старины в странах Ближнего и Среднего Востока значительно облегчалась тем обстоятельством, что правящие там консервативные мусульманские режимы не испытывали ни малейшего интереса к старине. Искусство Древнего Египта, Месопотамии, Греции и Рима воспринималось ими как глубоко чуждое, «языческое», а первоклассные произведения мастеров древности – «идолами» чужих, давно исчезнувших с исторической сцены народов, которые можно было без зазрения совести уничтожать, использовать в качестве строительного материала и т. д. Поэтому столковаться с турецкими или египетскими чиновниками европейцам не представляло ни малейшего труда, к тому же волшебное слово «бакшиш» открывало любые двери. В 1799–1803 гг. Томас Брюс, граф Элджин, британский посол в Оттоманской империи, сумел снять со знаменитого Парфенона в Афинах (в то время Греция входила в состав турецкой империи) большое количество мраморных скульптур, исполненных под руководством гениального Фидия, и в 1806 г. переправить их в Англию. В 1816 г. эти шедевры античного искусства были приобретены Британским музеем. В эти же годы собрание греческой скульптуры пополнилось знаменитым рельефным фризом из храма Аполлона Эпикурия в Бассах (Пелопоннес). В 1825 г. с покупкой ассиро-вавилонской коллекции Клавдия Джеймса Рича было положено начало собранию древностей Ближнего Востока. Эти и другие приобретения обеспечили Британскому музею широкое международное признание и репутацию одного из крупнейших собраний античных древностей.

Уже к началу XIX в. старый дом Монтегю не мог вмещать всех разросшихся коллекций музея. Задача сооружения нового музейного здания была возложена на основанный еще в 1802 г. Строительный комитет, однако работы по его возведению начались только в 1823 г. Строился музей по проекту и под руководством архитектора Роберта Смайрка; обветшавший дом Монтегю разобрали в 1843 г. Новое здание Британского музея, построенное в 1823–1852 гг., выдержано в стиле позднего классицизма, который в то время получил широкое распространение. Круглый читальный зал с железным каркасом, строительство которого закончилось в 1857 г., стал подлинным шедевром архитектора.

С 1840-х гг. Британский музей начал тесно сотрудничать с только встающей в ту пору на ноги археологической наукой, поощряя проведение раскопок в крупных центрах мировых цивилизаций. Одним из первых мероприятий подобного рода стала экспедиция Карла Феллоу, отправившаяся в Ксанф (Малая Азия) и исследовавшая некрополь правителей древней Ликии. В 1857 г. Карл Ньютон обнаружил остатки знаменитого Мавзолея в Галикарнасе, входившего в список семи чудес света Древнего мира. Позднее другой археолог, Джон Вуд, раскопал руины другого тогдашнего чуда света – храма Артемиды Эфесской.

В 1840–1850-х гг. музей поддерживал раскопки Остина Генри Лэйярда, открывшего остатки двух великих столиц Древней Ассирии: Калаха и Ниневии. Среди прочего, здесь был найден знаменитый шедевр мирового значения – рельеф «Умирающая львица», относящийся к эпохе правления царя Ашшурбанапала (668–626 гг. до н. э., ныне хранится в Британском музее). На нем изображена смертельно раненная львица, исполненная трагического величия. В ее тело вонзились стрелы, у нее перебит позвоночник, но, волоча парализованные задние лапы, она в последнем отчаянном усилии пытается подняться. Львица приподняла верхнюю часть туловища и, вытянув морду, застыла в предсмертном рывке. Этот рельеф – создание великого ваятеля – по глубине экспрессии и проникновенности можно смело поставить рядом с лучшими произведениями мирового искусства.

Самой значительной находкой археологов в Ниневии стала ныне знаменитая на весь мир библиотека царя Ашшурбанапала. Она состояла из 30 тыс. систематизированных и классифицированных табличек с царскими указами, дворцовыми записями, религиозными текстами и магическими заклинаниями, эпическими повествованиями, песнями и гимнами, текстами, содержащими сведения о медицине, астрономии и других науках. Здесь же обнаружены таблички с одним из величайших произведений мировой литературы – шумерским эпосом о великом Гильгамеше, бывшем «на две трети богом и на одну треть – человеком». Вероятно, тогда это была самая большая библиотека в мире, которая с полным правом может быть названа первой систематизированной библиотекой Древнего Востока. Почти все таблички, составлявшие

коллекцию, сейчас находятся в Британском музее. Многие из них изданы или достаточно подробно описаны в каталогах. Эти тексты являются сегодня основным источником по истории Месопотамии. Другой знаменитой находкой в Ниневии стал архив царей Ассирии. Среди найденных здесь более двух тысяч писем и около двухсот их фрагментов являются личной корреспонденцией царей, охватывающей период от Саргона II до Ашшурбанапала.

Тогда же, в середине XIX в., окончательно определилась специализация Британского музея. Вместо «универсального» музея ему отныне предстояло стать музеем человеческой цивилизации. В 1845 г. естественноисторические коллекции музея перевели в новое здание на улице Кромвеля в Южном Кенсингтоне. На базе этих коллекций в 1887 г. был создан Музей естествознания. Национальная библиотека окончательно «отпочковалась» от Британского музея в 1997 г. Богатейшие этнографические коллекции покидали музей ненадолго: в 1970 г. на их основе был создан Музей человечества, но ныне они вернулись под крыло Британского музея.

На протяжении всего XX в. собрание музея продолжало пополняться первоклассными памятниками древнего и нового искусства. Раскопки знаменитого археолога Леонардо Вулли в Месопотамии в 1922–1934 гг. явили миру сказочные золотые сокровища из царских гробниц в Уре Халдейском (ок. 2600 г. до н. э.); позже фонды Британского музея пополнились материалами из раскопок того же Вулли в Алалахе. Еще в 1882 г. музей стал соучредителем Фонда египетских исследований, под эгидой которого британские ученые на протяжении многих лет вели раскопки в Египте.

Сегодня искусство Древнего Египта занимает самое большую долю в постоянных экспозициях Британского музея. Но и те семь галерей, где оно демонстрируется, могут одновременно показать только около 4 % (110 тыс. экспонатов) всей огромной древнеегипетской коллекции, самой большой в мире из числе находящихся за пределами Египта. Она включает в себя объекты, относящиеся ко всем периодам древнеегипетской истории – от додинастического (ок. 10 000 г. до н. э.) до эпохи раннего христианства (V–VI вв.) – и происходящие практически из важнейших археологических участков в Египте и Судане. Большая часть предметов из этого собрания найдена в гробницах и связана с культом мертвых, игравшим большую роль в жизни Древнего Египта. В отдельном зале выставлены мумии и саркофаги – общим числом около 140. Наиболее богатый раздел – монументальная пластика Нового царства (XVI–XI вв. до н. э.). К числу всемирно известных памятников относятся колоссальный бюст Рамсеса II (так называемый Малый Мемнон, ок. 1250 г. до н. э.), несколько скульптурных портретов фараона Аменхотепа III (1350 г. до н. э.), фрагмент накладной бороды Большого Сфинкса (ок. 1300 г. до н. э.), гранитная статуя Сенусерта III (1850 г. до н. э.). При входе в один из залов выставлен легендарный Розеттский камень (ок. 196 до н. э.), с высеченным текстом декрета в честь царя Птолемея V. Эта черная базальтовая плита была найдена в 1799 г. французскими солдатами близ города Розетта. Благодаря высеченной на нем надписи – трижды повторяющегося текста, сделанного в различных системах египетской письменности и параллельным переводом на греческий язык, Жан-Франсуа Шампольон (1790–1832) сумел расшифровать египетские иероглифы. Здесь же находится «Абидосский список» – большая стела из храма Сети I в городе Абидос, на которой высечены имена правивших Египтом фараонов, начиная с первого фараона Менеса до Рамсеса II.

В египетской коллекции музея хранятся папирусы (ок. 800 документов), знакомящие мир с литературными произведениями, богословскими сочинениями, религиозными гимнами и мифами, научными трактатами, записями исторических событий, а также с деловой и личной перепиской, юридическими документами. В музее хранятся и так называемые Книги мертвых. Здесь же представлены изделия ремесла, керамики, стеклянные и фаянсовые вазы, ювелирные украшения, скарабеи, росписи со стен фиванских гробниц (XVI в. до н. э.): «Земледельцы с гусями», «Охота на водяных птиц», «Певицы и танцовщицы» и др. В собрании Британского музея находится более 30 фаюмских портретов I–IV вв. н. э., в числе которых «Саркофаг с портретом Артемидора из Фаюма» (нач. II в.), «Портрет молодой женщины из Эр-Рубайят» (II в.), «Портрет мужчины из Хавары» (нач. II в.).

Столь богато представленное искусство Древнего Египта являет собой лишь малую часть сокровищ Британского музея. Здесь в более чем ста залах на площади 75 тыс. кв. м разместилась едва ли не вся история человечества, представленная в важнейших ее памятниках. Насчитывающее около 280 тыс. объектов собрание древностей Переднего Востока является крупнейшим и наиболее всесторонним в мире. Оно охватывает Месопотамию, Персию, Аравийский полуостров, Анатолию, Кавказ, Сирию и Палестину с доисторического периода до прихода на эти земли ислама в VII в. н. э. В числе представленных здесь экспонатов – шесть крылатых быков с человеческими головами, некогда охранявших входы во дворцы правителей Ассирии, многочисленные каменные рельефы из дворцов ассирийских царей, включая знаменитый рельеф со сценами охоты на львов, глиняные таблички из библиотеки Ашшурбанипала в Ниневии и легендарное золото из царских гробниц в Уре, «штандарт из Ура», Черный обелиск Салманасара III, «Цилиндр Кира» из Вавилона, прекрасное собрание бронзовых изделий из Урарту.

Высочайшим достижением ассирийского искусства стал монументальный рельеф, расцвет которого приходится на IX–VII вв. до н. э. Каменные панели украшали интерьеры дворцов ассирийских царей. Сюжетами являлись сцены многочисленных битв и походов, кровопролитные сражения. Многие из этих рельефов, хранящихся в Британском музее, ныне вошли в золотой фонд мирового искусства. В их числе – рельефы из дворца Ашшурнасирапала II в Калахе «Осада города», «Атака колесниц», «Беглецы, переплывающие реку» (883–859 до н. э.), ритуальные сцены в честь богов: «Крылатое божество с орлиной головой», «Крылатое божество».

Модель колесницы, запряженной четверкой лошадей из Амударьинского клада. V–IV вв. до н. э.

К числу всемирно известных шедевров принадлежат золотые изделия так называемого Амударьинского клада, найденного в 1877 г. в долине Аму-Дарьи при не вполне ясных обстоятельствах. Хранитель и издатель клада О. М. Дальтон ныне включает в него 16 объемных фигурок, 5 сосудов, 26 рельефных изделий, 53 пластинки с оттиснутыми изображениями, 16 перстней и печатей, 30 браслетов, 31 мелкое украшение и 1 золотую персидскую монету – всего 176 предметов. При публикации клада все изделия были классифицированы; оказалось, среди них имеются предметы, принадлежащие к греческому, скифскому или так называемому варварскому стилю. Однако основную долю клада составляют изделия персидского стиля. Некоторые из них изготовлены еще во времена великой империи Ахеменидов, павшей под ударами армий Александра Македонского. Некоторые из них, несомненно, привезены из центральных областей Персидской державы. К числу последних относятся золотая персидская монета – дарик с изображением царя в характерной зубчатой короне и халцедоновая цилиндрическая печать с батальными сценами, в которых персы побеждают врагов, а над полем битвы парит верховное божество Ахура

Мазда. Часть других изделий изготовлена уже позже, но по всем канонам древнеперсидского искусства.

Переднеазиатская коллекция музея существенно разрослось за счет раскопок в Южном Ираке, которые вели ученые, преимущественно британские, в межвоенный период. Группа каменных рельефов из Телль-Халафа представляет собой результат работы экспедиции Макса фон Оппенгейма в Телль-Халафе (1920). Из раскопок в Эль-Убейде (1919 и 1923–1924) происходит обстановка реконструированного шумерского храма, включая статуи львов, отлитых в натуральную величину, панель, изображающую фантастического львиноголового орла Имдугуда – все находки выполнены из бронзы.

Залы Британского музея сгруппированы в отделы: первобытное общество, Древняя Греция и Рим, англо-римские древности, средние века, монеты и медали, Япония и Западная Азия, гравюры и рисунки. Среди экспонатов, представленных в отделе первобытного общества, можно увидеть охотничье оружие и инструменты различных эпох, а также «Человека из Линдоу» – его почти нетронутые останки через 2 тыс. лет после смерти были обнаружены в одном из болот Чешира. Отдел Древней Греции и Рима располагает одним из самых больших в мире собраний греко-римской античности (более 100 тыс. экспонатов), начиная с эпохи бронзы (ок. 3200 г. до н. э.) до периода правления римского императора Константина I (IV в. н. э.). Помимо огромных коллекций произведений крито-минойского, кикладского кипрского и этрусского искусства, собрание включает в себя множество греческих черно- и краснофигурных ваз, римских изделий из стекла и серебра. Жемчужинами собрания являются знаменитый скульптурный фриз Парфенона, одно из лучших творений древнегреческих скульпторов, статуя кариатиды – одна из шести сохранившихся подобных статуй, украшавших знаменитый портик Эрехтейона на афинском Акрополе, мраморные скульптуры из храма Аполлона Эпикурия в Бассах и скульптуры из знаменитого Мавзолея в Галикарнасе, причисленного к семи чудесам Древнего мира. В их числе – фрагменты «Амазономахии» – длинного рельефного фриза, изображающего битву греков с амазонками, и две колоссальные статуи, идентифицированные как скульптурные портреты царя Мавзола и его жены Артемисии. Когда-то обе фигуры стояли на колеснице, запряженной четверкой коней, но до наших дней сохранились только одно колесо и фрагменты двух коней.

Британский музей обладает одной из самых больших и всесторонних коллекций этнографических материалов из Африки, Австралии и Америки. Более 350 тыс. объектов охватывают всю 2-миллионолетнюю историю этих трех континентов. 70 тыс. экспонатов рассказывают о материальной культуре Азиатского континента, от эпохи неолита до настоящего времени. В их числе буддийские статуи, выдающееся собрание китайских картин, фарфора, лака, бронзы, нефрита, множество произведений исламского искусства: керамика, миниатюры, изделия из стекла и металла; самое большое в Европе собрание японского декоративного искусства…

Четыре с половиной миллиона экспонатов разместились в залах, анфилада которых протянулась на шесть с половиной километров. Невозможно хотя бы вкратце рассказать обо всех редкостях и сокровищах музея, которые выставлены в 94 залах и галереях. Британский музей настолько богат, что даже для беглого осмотра всех его залов понадобится не менее семи дней. Вот уже на протяжении двух с половиной веков он остается одной из главных достопримечательностей Лондона. Музей принимает около 6 миллионов посетителей в год – почти на миллион больше, чем парижский Лувр.

Лондонская Национальная галерея

Лондонская Национальная галерея, расположенная на Трафальгарской площади, открыла свои двери для посетителей 9 апреля 1839 г. Однако истинной датой ее основания считается 1824 г.

Лондон. Национальная галерея

По сравнению с большинством европейских государств Великобритания довольно поздно приступила к формированию национальной художественной коллекции, открытой для широкой публики. Крупнейшие художественные галереи континентальной Европы, типа Уффици во Флоренции или Прадо в Мадриде, создавались из королевских или княжеских художественных коллекций, которые в последующем были национализированы. В отличие от них, собрание британских монархов остались (и до сих пор остается) во владении королевской семьи.

Проекты создания художественной галереи (практически с нуля), открытой для публичного доступа, начали рождаться один за другим еще в конце XVIII в., однако британское правительство долгое время прохладно относилось к подобной затее. Лишь после окончания наполеоновских войн интерес к этой теме в правительственных кругах начал возрастать. Для того чтобы давняя мечта лондонских любителей искусства воплотилась в жизнь, потребовалось стечение двух обстоятельств: неожиданная выплата военного долга Австрией и… смерть известного банкира и мецената Джона Джулиуса Ангерстайна.

Джон Джулиус Ангерстайн (1735–1823), крупный лондонский торговец, банкир и покровитель искусств, был выходцем из России. Он родился в Санкт-Петербурге, и долгое время ходили слухи – впрочем, безосновательные – что он являлся незаконнорожденным сыном великой княгини Елизаветы Петровны, русской императрицы. В Лондоне Ангерстайн появился приблизительно в 1749 г. и за свою долгую жизнь приобрел широкую известность, став одним из крупнейших британских предпринимателей. Он также прославился как меценат и собиратель произведений искусства. Именно его коллекция и легла в основу будущей Национальной галереи.

Ангерстайн скончался в январе 1823 г., а уже в следующем году британское правительство на деньги, полученные в счет уплаты военного долга Австрией – 57 тыс. фунтов, – приобрело 36 картин из коллекции покойного банкира. В их числе были полотна Рафаэля, «Похищение сабинянок» Рубенса, «Христос и грешница» Рембрандта. Имелись в собрании Ангерстайна и произведения английских мастеров, в том числе широко известная серия Хогарта «Модный брак» (1743–1745), а также «Автопортрет» и «Портрет лорда Хитфилда» сэра Джошуа Рейнолдса. В целом же в первые три десятилетия истории галереи ядром ее коллекции оставались картины итальянских мастеров XV–XVI вв.

Национальная галерея открылась для публики 10 мая 1824 г. В первые десять лет она размещалась в прежнем особняке Ангерстайна – доме № 100 на улице Пэлл-Мэлл, а потом еще какое-то время в доме № 105 по этой же улице. Большая заслуга в создании Лондонской галереи – в том виде, в каком она существует сейчас, – принадлежит художнику и коллекционеру Джорджу Бомону. Сам Бомон в 1826 г. передал в дар галерее свое собрание старых картин, в которое входили такие шедевры, как «Пейзаж с замком Стен» Рубенса, «Агарь и ангел» Клода Лоррена, «Венецианский вид» Каналетто и многие другие. Его примеру последовали и некоторые другие собиратели, которые завещали галерее свои коллекции живописи. Частные пожертвования на протяжении долгого времени служили главным источником пополнения галерейных фондов (ныне они составляют примерно две трети собрания).

Примерно в эти же годы галерея сама начала делать приобретения. В 1825 г. была куплена превосходная крошечная «Мадонна с корзинкой» Корреджо, за ней последовали «Вакхическая

пирушка» Никола Пуссена и «Вакх и Ариадна» Тициана. Последняя вошла в число самых выдающихся полотен всей галерейной коллекции. Написана она в 1520–1523 гг. для феррарского герцога Альфонсо д’Эсте; ее сюжет воспевает (вслед за римским поэтом Катуллом) встречу бога вина и веселья с Ариадной, прекрасной дочерью критского царя Миноса.

В Лондонской национальной галерее хранится и всемирно известный шедевр Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» (1434), уникальное явление в европейской живописи того времени. Художник впервые изобразил людей в окружающей их повседневной обстановке. Сюжет картины выбран без всякой связи с религиозной темой или библейскими образами, что определяло тогда тему почти всякого художественного произведения.

На картине, в небольшой уютной комнате, изображен итальянский купец Джованни Арнольфини со своей молоденькой женой. Оба нарядно и празднично одеты, позы их неподвижны, лица полны самой глубокой торжественности. Скромная бюргерская обстановка и обыкновенные люди, изображенные Яном ван Эйком, становятся источником особой поэтичности, предвещая пути дальнейшего развития нидерландского и голландского искусства.

Картина сохранилась исключительно хорошо, хотя ей пришлось пройти очень долгий путь, прежде чем она оказалась в Национальной галерее. В начале XVI в. «Портрет четы Арнольфини» принадлежал герцогине Маргарите Пармской, наместнице Нидерландов. Позднее картина очутилась в Испании и в XVIII в. входила в королевскую коллекцию в Мадриде. Во время наполеоновского нашествия французы вывезли ее в Брюссель, где она в 1815 г. была куплена британским генералом Геем. Он привез ее в Англию, а в 1842 г. подарил Лондонской Национальной галерее.

Фонды музея быстро росли, так что крошечные размеры особняка Ангерстайна очень быстро перестали удовлетворять возрастающим требованиям экспозиции. В 1832 г. на Трафальгарской площади началось сооружение нового здания галереи. Архитектор Уильям Уилкинс намеревался построить настоящий «храм искусств», однако финансовые трудности и компромиссы с городскими властями и наблюдательным советом музея привели к тому, что честолюбивый проект оказался выхолощен. Законченное к 1838 г. здание современники сочли неудачей, полным провалом архитектора. Имя Уилкинса и его неуклюжее детище на какое-то время даже стали предметом насмешек, в которых без устали упражнялись досужие газетчики, однако со временем лондонцы привыкли к этой новой достопримечательности своего города, насмешки постепенно стихли, и к концу XIX в. уже было невозможно представить себе Лондон без купола Национальной галереи. Впрочем, от первоначальной постройки Уильяма Уилкинса до наших дней без изменений дошел только главный фасад. Коллекции Лондонской Национальной галереи быстро увеличивались, и уже к середине XIX в. остро встал вопрос о создании дополнительных экспозиционных площадей. Требовались и соответствующие условия для хранения и реставрации полотен. В 70–80-е гг. XIX в. к зданию галереи был сделан ряд пристроек, но коренным образом это проблему не решило. И лишь открытие в 1897 г. галереи Тэйт дало возможность распределить все коллекции между двумя этими музеями. Было решено передать в галерею Тэйт все работы британских художников, рожденных после 1790 г. Это позволило Национальной галерее избавиться от многих лишних картин, но сохранить при этом произведения Хогарта, Тернера и Констебла. Что касается произведений зарубежных мастеров современного искусства, то в течение всего XIX в. Национальная галерея их попросту не имела. Эта ситуация была исправлена только в 1917 г., когда музей унаследовал собрание картин импрессионистов, принадлежавшее сэру Хью Лану.

В 1855 г. впервые была установлена должность директора Национальной галереи (вместо прежних хранителей), которую занял художник и знаток искусства Чарльз Лок Истлейк. Он был наделен самыми широкими полномочиями и систематически получал в свое распоряжение крупные суммы на пополнение галерейных собраний. В сопровождении своих ближайших помощников Истлейк ежегодно отправлялся на континент, объезжал старинные дворцы, церкви и монастыри, посещал художественные салоны и известных коллекционеров, в поисках новых приобретений для своего музея. Благодаря его стараниям Лондонская галерея за десять лет стала обладателем подлинных сокровищ. В числе купленных Истлейком картин (всего он приобрел 148 картин за границей и 46 – в Англии) были «Крещение Господне» Пьетро делла Франческа (1448–1450), «Моление о чаше» Дж. Беллини (ок.1460), «Поклонение волхвов» Сандро Боттичелли (1470), два автопортрета Рембрандта. Свою собственную коллекцию живописи Чарльз Истлейк также завещал Национальной галерее.

Галерейные собрания продолжали пополняться и в последующие годы. Так, в 1884 г. были приобретены картины «Мадонна Ансидеи» Рафаэля («Мадонна на троне со Святым Иоанном Крестителем и Святым Николаем», ок.1504–1506) и «Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи (до 1508 г.). Затем настало время великих мастеров испанской школы. Сначала был куплен «Портрет Филиппа II» Веласкеса, в 1883 г. галерея получила в дар картину того же мастера «Христос у колонны», а через десять лет по частному завещанию – еще одно полотно Веласкеса, «Христос у Марии и Марфы». Примерно в это же время были куплены три работы Франсиско Гойи.

Коллекция из 42 картин, пожертвованных доктором химии Людвигом Мондом в 1909 г., стала одним из самых крупных приобретений в истории Лондонской Национальной галереи и значительно расширило собрание старых итальянских мастеров в ее фондах. В числе этих картин было «Распятие с Девой Марией, святыми и ангелами», или, как еще называют это полотно, «Распятие Монда». Оно написано Рафаэлем в 1503 г. и относится к его ранним работам. В ней еще очень заметно большое влияние его учителя, Перуджино, – и по тому, как Рафаэль рисует головы святых, и по тому, в какие одежды их одевает.

В 1906 г. Национальная галерея стала обладателем всемирно известного шедевра Веласкеса «Венера перед зеркалом» (1644–1648) – наверное, одного из самых узнаваемых женских образов во всем мировом искусстве. В 1914 г. эта картина чуть не погибла – некая Мэри Ричардсон напала на нее с ножом, желая таким странным образом выразить протест против ареста своей соратницы в борьбе за избирательные права для женщин. Реставраторам удалось спасти пострадавшее от ударов ножа изображение. Спустя несколько дней группа других суфражисток покушалась на пять работ Дж. Беллини, стремясь тем самым «привлечь внимание к тяжелому положению британских женщин». Эти нападения заставили галерею закрыться на несколько месяцев. Лишь в августе 1914 г., когда началась Первая мировая война и «социально озабоченные» женщины переключили свое внимание на другие животрепещущие проблемы, музей открылся вновь.

Д. Веласкес. Венера перед зеркалом. 1644–1648 гг.

В годы Второй мировой войны собрание Национальной галереи было эвакуировано из Лондона и рассредоточено в нескольких безопасных местах на севере Уэльса. Тогдашний директор музея, Кеннет Кларк, предлагал вообще отправить картины за океан – в Канаду, однако премьер-министр Уинстон Черчилль имел другую точку зрению: «Пусть их укрывают в пещерах или

подвалах, но эти картины не должны покидать наш остров!»

В послевоенный период галерея продолжала увеличивать свое собрание, хотя приобретать шедевры старых мастеров с каждым годом становилось все труднее. В 1962 г. она стала обладательницей «Мадонны с Младенцем, Св. Анной и Св. Иоанном Крестителем» Леонардо да Винчи (1508). В 1972 г. ее собрание пополнила «Смерть Актеона» Тициана (1562). Галерея продолжает пользоваться значительной поддержкой частных лиц; так, в 1985 г. сэр Поль Гетти пожертвовал музею 50 миллионов фунтов. Последним крупным приобретением галереи стал миниатюрный шедевр «Мадонна с младенцем» (известная также как «Мадонна с гвоздиками»). Эта маленькая (28,5 ? 22,5 см), ювелирно выполненная работа была написана Рафаэлем в 1507–1508 гг. во Флоренции. Ее последним владельцем был герцог Нортумберлендский. В 1991 г. он отдал холст на временное хранение в Лондонскую Национальную галерею, а в 2004 г. музей выкупил ее за 21 млн фунтов. Каролина стала девятым произведением Рафаэля, хранящимся в фондах Лондонской галереи. Всего же музей располагает сегодня более чем 2300 картин, охватывающих период с середины XIII в. до начала 1900-х гг. Конечно, это собрание невелико по сравнению с крупнейшими национальными галереями континентальной Европы, однако по качеству оно не уступает таким гигантам, как парижский Лувр, мадридский Прадо или петербургский Эрмитаж. При этом величайшие европейские школы живописи представлены в лондонской экспозиции самыми прославленными именами, а порой и лучшими работами этих мастеров.

Итальянская живопись составляет самый большой раздел собрания. В экспозиции представлены жемчужины итальянской школы живописи: шесть полотен Боттичелли, в том числе одна из самых знаменитых его картин «Венера и Марс»; картины Фра Беато Анжелико; Антонелло да Мессина; Мазаччо; Паоло Учелло; Фра Филиппо Липпи; Пьеро Делла Франческа; Андреа Мантеньи; Пьетро Перуджино. Здесь можно увидеть две картины Микеланджело: «Погребение Христа» (1497–1498) и «Мадонну с Младенцем и маленьким Иоанном Крестителем» («Манчестерская мадонна», ок. 1495 г.). Кроме того, в экспозиции представлены также картины «Сон рыцаря» (1504–1505), «Мадонна с Младенцем и маленьким Иоанном Крестителем» (1509–1510), «Проповедь св. Иоанна Крестителя» (ок. 1505 г.). Маленькая картина «Сон рыцаря» дает представление о раннем творчестве Рафаэля, когда ему было немногим более двадцати лет. Юному рыцарю на этой картине, как и самому молодому художнику, грезятся сладкие сны. Но даже во сне приходится делать непростой выбор – между книгой и цветком, между тяжким и легким жизненными путями. К этому же периоду относится и картина «Проповедь Святого Иоанна Крестителя». Исследователи предполагают, что это единственное дошедшее до нас изображение из пределлы (нижней створки алтаря) Мадонны Ансидеи в Перудже. Декоративная манера письма и некоторая схематичность в построении композиции напоминают о том, что молодой Рафаэль в эту пору находился под влиянием своего учителя Пьетро Перуджино. «Мадонна с Младенцем и маленьким Иоанном Крестителем» была создана в Риме в период творческой зрелости художника – в 1509–1510 гг. Задумчив и прекрасен лик Богоматери, весь образ которой – само совершенство.

Очень полно представлена в собрании Лондонской Национальной галереи итальянская живопись XVI в.: Джорджоне («Поклонение волхвов», 1503–1504), Тициан («Мужской портрет» («Портрет Ариосто», 1509–1510)); «Семья Вендрамин», 1545–1547; «Явление Христа Марии Магдалине» (ок. 1511–1612 гг.); «Мадонна с Младенцем, маленьким Иоанном Крестителем и св. Екатериной» (1525–1530); «Вакх и Ариадна» (1523); «Смерть Актеона», 1570–1576; «Аллегория Благоразумия», 1565–1570; Паоло Веронезе (серия «Коварство, Уважение, Презрение, Счастливый союз», ок. 1575; «Семейство Дария перед Александром», 1565–1568; «Обращение Марии Магдалины» (ок. 1550 г.); «Поклонение волхвов», 1573), Тинторетто («Происхождение Млечного Пути», 1578–1588; «Св. Георгий с драконом», ок. 1555 г.). Среди итальянских картин XVII в. – полотна Микеланджело да Караваджо («Встреча в Эммаусе», 1601; «Соломея с головой Иоанна Крестителя», 1607–1610; «Мальчик, укушенный ящерицей», 1595–1600), Франческо Гварди, Антонио Каналетто, Джованни Баттиста Тьеполо.

Коллекция нидерландской школы живописи в Лондонской Национальной галерее – одна из самых значительных в Европе. Она включает четыре полотна Яна ван Эйка, произведения Кампена, Мемлинга, Кристуса, ван дер Вейдена, Боутса, Давида, Босха, Рубенса, Рембрандта. Здесь можно увидеть две картины великого голландского художника XVII в. Яна Вермеера, и это немало: по всему миру они наперечет. В галерее выставлены и произведения крупнейших испанских художников: Эль Греко, Мурильо, Риберы, Сурбарана, Гойи. Величайший живописец Испании Диего Веласкес представлен в музее девятью полотнами.

По сравнению с испанской, итальянской и голландской немецкая и французская коллекции не столь богаты. Но тем не менее имена Кранаха, Альтдорфера, Гольбейна, Дюрера, Каспара Давида Фридриха, Ватто, Пуссена, а также знаменитых французских мастеров конца XIX – начала XX в. – Клоде Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Винсента ван Гога, Поля Сезанна – говорят сами за себя. Пейзажи и портреты Т. Гейнсборо, Дж. Констебля, У. Тернера и Т. Лоуренса, сатирические работы Хогарта представляют британскую художественную школу во всем ее своеобразии.

В 1992 г. королева Елизавета II торжественно открыла большую пристройку к западной части галереи – «Крыло Сейнсбери», сооруженное по проекту американского архитектора Вентури оно отвечает самым высоким требованиям современности. Залы «Крыла Сейнсбери» имеют различную высоту потолка – это сделано для того, чтобы можно было с максимальным эффектом разместить алтарные образы итальянских художников XV в. и меньшие по размеру портреты нидерландских и немецких мастеров.

Галерея Тэйт

В музейной иерархии Лондона Галерея Тэйт входит в ведущую пятерку, уступая по популярности лишь Британскому музею и Национальной галерее. Первоначально она задумывалась как музей британского искусства, но со временем в ее собраниях заняли большое место и произведения зарубежных художников XIX–XX вв.

Здание галереи – тогда она называлась Национальной галереей британского искусства – построено в 1897 г. по проекту архитектора Сиднея Дж. Смита и на средства сахарного магната Генри Тэйта, чье имя сегодня и носит музей. Новый храм искусства расположился на месте, где некогда стояла старинная лондонская тюрьма Миллбэнк, снесенная в 1892 г. В основу собраний музея легли полотна британских живописцев, до 1897 г. хранившиеся в Лондонской Национальной галерее, и личная коллекция живописи и скульптуры, подаренная нации сэром Генри Тэйтом. Первые полвека Галерея Тэйт являлась филиалом Национальной галереи, и лишь в 1955 г. оба музея юридически отделились друг от друга.

В 1917 г. известный лондонский коллекционер и меценат сэр Хью Лейн завещал галерее свою большую коллекцию произведений современного искусства. Так родилось второе направление ее деятельности. Одно время галерея именовалась даже Национальной галереей современного зарубежного искусства. Первое время ее фонды пополнялись исключительно за счет частных пожертвований, но в 1946 г. английское

правительство предоставило галерее право самостоятельных закупок произведений искусства.

В 1939 г., когда началась Вторая мировая война, галерея была закрыта, а ее собрания рассредоточены по стране и укрыты в безопасных местах. Как показали дальнейшие события, эта мера оказалась весьма предусмотрительной: во время ожесточенных бомбежек Лондона гитлеровской авиацией здание Галереи Тэйт сильно пострадало, до сих пор на его западном фасаде можно видеть следы осколков авиабомб. В 1945 г. восстановленная галерея вновь распахнула свои двери для посетителей.

В наши дни Галерея Тэйт по праву считается крупнейшим в мире собранием произведений британского искусства, охватывающего период с 1500 г. и до наших дней. В нем насчитывается около 4,5 тыс. живописных полотен и 1,5 тыс. скульптурных работ. Здесь выставлены картины крупнейших английских художников XVI–XX вв., включая Блейка, Эпстайна, Гейнсборо, Херста, Хокни, Россетти, Спенсера, Стаббса и других. Исторические и современные работы расположены в непосредственном соседстве, что дает возможность сравнить их и увидеть нечто новое как в произведениях великих, так и неизвестных широкой публике авторов. Настоящим сокровищем является огромная «Тернеровская коллекция» – более 37 тыс. полотен, графических работ и архивных документов, связанных с жизнью и творчеством выдающегося английского живописца и графика Уильяма Тернера (1775–1851). Галерея – мировой центр встреч всех любителей британского искусства, здесь регулярно проходят тематические выставки и экспозиции.

Современная Галерея Тэйт – это целый музейный комплекс, в который входят старая («Тэйт Британия») и новая («Тэйт Модерн», открытая в 2000 г.), галереи, филиалы в Ливерпуле («Тэйт Ливерпуль», 1988) и Сент-Ивсе («Тэйт Сент-Ивс», 1993).

В начале 2000 г. завершился один из крупнейших проектов в сфере современного искусства – постройка нового здания галереи Тэйт. Точнее, речь шла о реконструкции старого здания Бэнксайдской электростанции, построенной в 1947–1963 гг. Электростанция закрылась в 1981 г. В конце 1980-х гг., когда стало окончательно ясно, что собрание Галереи Тэйт переросло размеры старого здания на Миллбэнк, было решено приспособить пустующее здание электростанции для музейных целей. Многие предрекали этому проекту провал из-за слишком высокой стоимости – 210 млн долларов. Однако дирекция галереи сумела убедить и государство, и инвесторов в целесообразности финансирования проекта. Часть денег была получена от лотереи. Авторами проекта стали швейцарские архитекторы Жак Херцог и Пьер де Мерон, получившие за него премию Прицкера – высшую награду в мировой архитектуре. Они сумели соединить вековые художественные традиции с техническими возможностями нового тысячелетия. Например, был создан целостный стеклянный фасад, отдельные части которого соединены болтами. Создается впечатление, что все сооружение парит в воздухе.

Ныне в 80 залах галереи «Тэйт Модерн» разместилось национальное собрание международного современного искусства модерна. Здесь представлены все важнейшие художественные течения XX века: кубизм, фовизм, сюрреализм, символизм, минимализм, экспрессионизм, концептуальное искусство, поп-арт. В числе выставленных работ – произведения Пикассо, Матисса, Дали, Магритта, Уорхола. О популярности новой экспозиции свидетельствует хотя бы тот факт, что за первые полгода после открытия новое здание галереи Тэйт посетило 3 млн человек.

Галерея Курто

Галерея института Курто – один из самых известных художественных музеев Лондона. Она известна прежде всего своей коллекцией полотен художников-импрессионистов. Рядом с очаровательной буфетчицей «Бара в Фоли-Берже» Эдуарда Мане – «визитной карточкой» музея, пейзажами Моне, Писсаро и Сислея соседствуют полотна Боттичелли, Тинторетто, Рубенса, Кранаха и ван Дейка.

Институт Курто был создан в 1931 г. на базе частного собрания картин французских импрессионистов и постимпрессионистов, принадлежавшего богатому текстильному магнату Сэмюэлю Курто (1876–1947). Это собрание оставалось недоступным для публики до 1958 г., когда институт Курто впервые открыл свою галерею на площади Уоберн в Блумсбери. В 1990 г. галерея переехала в исторический дворец Сомерсет-Хаус на берегу Темзы (построен в 1770–1790-х гг.).

На протяжении всего XX в. собрание института Курто непрерывно пополнялось за счет частных пожертвований, крупнейшими из которых стали две коллекции старых мастеров, принадлежавшие виконту Ли Ферхэму и Марку Гамбье-Перри (в последней было особенно много картин итальянских живописцев). Собрание графа Антуана Сейлерна, содержащее ряд полотен Рубенса и Тьеполо и завещанное Галерее Курто в 1978 г., пополнила ту часть музейной коллекции, где представлены работы мастеров XVII–XVIII вв.; другое частное собрание, сэра Роберта Витта, также ставшее достоянием музея, включало около 3,5 тыс. рисунков, преимущественно британских и итальянских художников, но в нем также были работы голландских, фламандских и французских мастеров. В 1967 г. галерея приобрела множество английских акварелей.

Сегодня Галерея Курто, по существу, представляет собой музей частных коллекций. Каждой крупной коллекции, поступившей в течение XX в. в ее фонды – Сэмюэля Курто, Роджера Фри, Ли Фэрхэма, Марка Гамбье-Перри, Антуана Сейлерна, – посвящены отдельные залы. Всего в галерее насчитывается 530 картин, 7 тыс. рисунков и 15 тыс. гравюр, а также произведения средневековой, ренессансной и современной скульптуры, фарфор, изделия из металла, мебель, текстиль. Музей невелик, однако по качеству представленных здесь художественных работ он не уступит многим ведущим музеям мира. Гордостью его коллекции является превосходное собрание импрессионистов, а также полотна Лукаса Кранаха («Адам и Ева», 1526), Антониса ван Дейка («Се, Человек», 1625) произведения Паоло Веронезе, Джованни Баттисто Тьеполо, Франсиско Гойи, Томаса Гейнсборо, Бена Николсона, Грэхема Сазерленда и др. Очень своеобразная атмосфера выставочных залов делает галерею похожей на домашний музей.

Открывает экспозицию зал наследия Гамбье-Перри. Здесь представлена художественная коллекция Томаса Гамбье-Перри (1816–1888), собиравшаяся в 1830–1870-х гг. Помимо картин, она включает стеклянную посуду, майолику, изделия из металла. Первоначально Гамбье-Перри собирал произведения итальянских живописцев XVII в., но к 1850-м гг. обратился к флорентийскому искусству XIV–XV вв. Большинство своих приобретений он делал во время частых путешествий за границу, особенно в Италию. К числу наиболее ценных его приобретений принадлежит картина Ботичелли «Святая Троица с Иоанном Крестителем, Марией Магдалиной, Товием и ангелом» (1490-е гг.).

В трех следующих залах разместилась центральная часть экспозиции: коллекция Сэмюэля Курто, одно из лучших в мире собраний французских импрессионистов и пост-импрессионистов, включающее в себя знаменитые шедевры Клода Моне («Осень в Аржантее», 1873; «Антибы», 1888; «Ваза с цветами», 1878–1882), Камилла Писарро («Станция Лордшип-Лейн. Далидж», 1871; «Набережная в Руане», 1883), Альфреда Сислея («Лодки на Сене», ок. 1877; «Снег в Лувесьенне», ок. 1874), Огюста Ренуара («Ложа», 1874; «Портрет Амбруаза Воллара», 1908), Эдуарда Мане («На берегу Сены», 1874; «Бар в

Фоли-Берже», 1882), Эдгара Дега («Спартанские девушки вызывают на состязание юношей», 1860–1862; «Две танцовщицы на сцене», 1874; «Дама у окна», 1871; «После ванны», 1889), Поля Сезанна («Пруд Сестер в Осни», 1877; «Высокие деревья в Жа де Буффан», ок. 1883 г.; «Гора Св. Виктории с большой сосной», ок. 1887 г.; «Курильщик», 1892; «Игроки в карты», 1892–1895; «Озеро в Аннеси», 1896), Анри Тулуз-Лотрека («Жанна Авриль, входящая в «Мулен Руж»«, 1892; «Ужин вдвоем», 1899), Винсента ван Гога («Автопортрет с перевязанным ухом», 1889; «Персиковые деревья в цвету», 1889), Поля Гогена («Те Рериоа», 1887; «Никогда больше», 1897).

В двух других залах расположились коллекции виконта Ли Фэрхэма (1868–1947) и графа Антуана Сейлерна (1901–1978). Ли Фэрхэм начал собирать свою коллекцию вскоре после того, как в 1922 г. завершил свою политическую карьеру. У него не было какого-то специального образования в области искусства, и он собирал картины, руководствуясь собственным вкусом, а не советами искушенных специалистов. Несмотря на этот несколько авантюристический подход, виконт сумел приобрести несколько выдающихся полотен мастеров итальянского ренессанса и британских художников XVIII в. К моменту его смерти в 1947 г. собрание Фэрхэма насчитывало более 150 произведений искусства.

В противовес экспансивному Фэрхэму, граф Антуан Сейлерн (1901–1978), австрийский эмигрант, поселившийся в Англии в 1939 г., был профессиональным искусствоведом, а главной его страстью и одновременно предметом научных интересов был Рубенс. Помимо превосходного собрания картин, в котором имелось несколько прекрасных работ Рубенса («Моисей и медный змий», 1610; «Снятие с креста», 1611; «Семья Яна Брейгеля», ок. 1612), а также полотна Брейгеля, ван Дейка и Тьеполо. Сейлерн собрал обширную коллекцию рисунков, в том числе произведения Рембрандта, Рубенса, Тьеполо и даже Микеланджело («Сон человеческой жизни»). Он также обладал небольшим собранием работ современных ему австрийских художников, включая Оскара Кокошку. После его смерти в 1978 г. Галерея Курто получила по завещанию 138 картин и 354 рисунка.

В следующем зале выставлена коллекция произведений серебряных дел мастеров XVIII в., собиравшаяся тремя поколениями семьи Курто, к которой принадлежал и основатель галереи. Далее следует выставка бронзовых скульптур Эдгара Дега. Ее происхождение довольно необычно. Известно, что Эдгар Дега (1834–1917) был прежде всего живописцем, однако в последние годы много работал в области скульптуры. Его статуэтки движущихся лошадей, танцующих балерин и женщин за утренним туалетом были сделаны из хрупких, недолговечных материалов – глины и воска. После смерти художника осталось более 150 таких скульптур, из которых лишь менее половины можно было считать сколько-нибудь долговечными. Отобрав наиболее прочные из них, А.-А. Эврар перевел их в бронзу. Процесс отливки занял тринадцать лет.

Работы мастеров XX в., демонстрируемые в галереях второго этажа, включают в себя более 100 произведений искусства, большей частью принадлежащих различным частным собраниям. Здесь можно познакомиться с настоящими шедеврами, среди которых – «Красный пляж» Матисса, блестящая коллекция фовистов и работ группы мюнхенских художников, известных как «Der Blaue Reiter» («Голубой всадник»). Это Василий Кандинский, Алексей Явленский, Габриэль Мунтер, Хайнрих Кампендонк, Август Мацке. Дополнением к ним служат скульптуры ряда известных мастеров конца XIX – начала XX в., включая Родена, Майоля, Архипенко и Лоуренса.

Собрание Уоллес

Собрание Уоллес – национальный художественный музей, расположенный в центре британской столицы. Как и многие другие музеи Европы и США, он был создан на основе частной коллекции, в данном случае – коллекции семьи Уоллес, собиравшейся на протяжении нескольких поколений. В его экспозиции представлены замечательные произведения европейского искусства XVIII–XIX вв.

Начало коллекции положил в 1760 г. сэр Фрэнсис Сеймур-Конуэй, первый маркиз Хертфордский (1719–1794), и вплоть до 1880 г. ее неустанно пополняли его потомки. Особенно большой вклад внесли последний, четвертый маркиз Хертфордский и его рожденный вне брака сын и наследник сэр Ричард Уоллес (1818–1890). Все представители этого семейства были яркими, своеобразными личностями, и фамильная художественная коллекция отражает особенности их индивидуальных вкусов. В 1897 г. леди Уоллес, вдова сэра Ричарда, завещала это собрание британскому народу.

Лондон. Хертфорд-Хаус – место хранения собрания Уоллес

Музей открылся для публики 22 июня 1900 г. в Хертфорд-Хаус на Манчестерской площади и за исключением двух перерывов из-за двух мировых войн продолжает действовать до сих пор. В соответствии с условиями завещания леди Уоллеса, его собрание является закрытым, то есть никакие новые произведения искусства не могут быть добавлены в его фонды, так что фамильная коллекция семьи Хертфорд-Уоллес представлена здесь в законченном и нетронутом поздними дополнениями виде. В 25 залах музея – непревзойденное собрание французской живописи эпохи рококо, севрский и мейсенский фарфор, первоклассная коллекция оружия и доспехов, лиможские эмали, итальянская майолика. Самые древние экспонаты датируются XIV в., здесь можно увидеть и произведения искусства эпохи средневековья и Ренессанса, однако стержнем собрания является французская живопись и декоративно-прикладное искусство XVIII в. Собрание Уоллес представляет собой лучшую коллекцию подобного рода, находящуюся за пределами Франции.

Одновременно с этим музей располагает множеством работ именитых европейских живописцев XIV–XIX вв. Считается, что среди английских музеев собрание Уоллес по качеству представленных работ превосходит только Лондонская Национальная галерея. Помимо французской живописи XVIII в. в собрании Уоллес особенно ярко представлены голландские и фламандские художники XVII в., хотя имеется также и ряд работ выдающихся итальянских, испанских и английских живописцев. Среди них – Тициан, Рубенс, Рембрандт, Хальс, Веласкес, Пуссен, Каналетто, Гейнсборо, Лоуренс, Ватто, Буше, Фрагонар и Мейссонье. Имеется также прекрасное собрание английских и французских акварелей XIX в., включая работы Бонингтона, Тернера, Жерико, а также более трехсот миниатюр XVI–XIX вв., преимущественно французских. К лучшим и наиболее известным работам, хранящимся в собрании Уоллес, принадлежат «Смеющийся кавалер» Франса Хальса (1624), «Танец под музыку времени» Никола Пуссена (ок.1634–1636), «Качели» Жана-Оноре Фрагонара (1767–1768). Собрание содержит также многочисленные картины Рембрандта, включая один из автопортретов мастера.

Коллекция скульптуры насчитывает около 500 работ. Здесь представлены все главные европейские школы, от средневековья до XIX в. Наиболее важную часть собрания составляет французская скульптура: бронзовый бюст короля Карла IX (ок.1570), работы выдающегося французского скульптора эпохи Ренессанса Жермена Пилона (ок.1537–1590), два мраморных бюста работы Ж.-А. Гудона (1741–1828), превосходная коллекция бронзовых скульптур XVIII – начала XIX в., включая скульптурные портреты, произведения на мифологические сюжеты и уменьшенные копии работ известных мастеров. Собрание итальянской скульптуры включает произведения известных мастеров Ренессанса: «Сидящая Венера»,

единственная дошедшая до наших дней работа падуанского ваятеля Джованни Фондули да Крема и бюст Христа работы Пьетро Торричиано, исполненный для Вестминстерского аббатства. К XVIII в. относится очаровательная скульптурная группа «Купидон и Психея» Филиппо делла Валле, созданная во Флоренции около 1732 г. Собрание Уоллес обладает самой лучшей в мире коллекцией севрского фарфора XVIII в., охватывающей все периоды – от 1740-х гг., когда в Венсенне была впервые основана Королевская фарфоровая мануфактура, до 1756 г., когда центр производства фарфора был перенесен в Севр, от периода расцвета в 1760–1770-х гг. под патронажем Людовика XV и маркизы Помпадур и до упадка фарфорового производства в годы кровавой французской революции. Здесь широко представлена и блестящая эпоха рококо, и строгий неоклассицизм. Музей располагает также неплохой – около 140 предметов – коллекцией итальянской майолики эпохи Ренессанса (это вторая половина XV – конец XVI в.), изготовленной в различных художественных центрах – Кафаджиоло, Кастельдуранте, Фаэнце, Сиене, Урбино и Венеции. Имеются в собрании и мейсенский фарфор XVIII в., китайский фарфор, испанская средневековая керамика, знаменитая керамика из Изника (Турция), французский фаянс.

Коллекция европейского и восточного оружия насчитывает более тысячи предметов и является одной из самых обширных и важных в Великобритании. Самые ранние части доспехов датируются XIV в., самый древний меч – X в. Холодное оружие большей частью изготовлено индийскими, персидскими и турецкими мастерами в XV–XIX вв., в то время как доспехи преимущественно индийские и персидские относятся к XVIII–XIX вв. Прекрасное собрание огнестрельного оружия охватывает период XVI–XIX столетий.

В собрание Уоллес входит также большая коллекция золотых табакерок, преимущественно работы парижских мастеров XVIII в., изделия из серебра, эмали, стекла, камня, охватывающих целую эпоху от средневековья до XIX в. Наиболее интересными экспонатами этой части собрания являются кубок работы английских мастеров эпохи Стюартов; портрет Маргариты Франузской 1555 г. – единственная подписанная работа Жана де Кура; чаша, целиком вырезанная из огромного кристалла дымчатого кварца, – работа Джованни Амброджил Мизерони, выполненная по заказу императора Священной Римской империи Рудольфа II.

Галерея Уоллес пользуется заслуженной славой одного из лучших музеев Европы и одного из самых популярных музеев Лондона. Ежегодно ее посещают десятки тысяч человек.

Музей Виктории и Альберта

Лондонский музей Виктории и Альберта – старейший и самый большой в мире музей декоративно-прикладного искусства и дизайна, или, как говорили в старину, художественно-промышленный музей. Его экспозиция отличается редкостным разнообразием: гипсовые копии римских скульптур и итальянская пластика эпохи Возрождения соседствуют с китайским фарфором и японскими ширмами, картины Джона Констебла – с работами крупнейших мастеров фотографии, мебель от Уильяма Морриса – с афишами Тулуз-Лотрека. Ряд тематических коллекций музея – драгоценностей, текстиля и костюма, керамики и стекла, фотографии, миниатюр, акварелей и рисунков британских художников и др. – имеют статус национальных.

Эта лучшая в мире коллекция произведений декоративно-прикладного искусства и живописи создана по инициативе и при участии принца Альберта, супруга королевы Виктории. В 1841 г. он был избран председателем Комиссии по делам науки и искусств, которой было поручено наблюдать за внутренней отделкой нового здания Парламента, а спустя еще два года он стал президентом Королевского Общества живописи. Мысль о создании музея впервые возникла у принца Альберта после проведения в Лондоне Всемирной выставки 1851 г., первой в истории человечества (тогда она называлась «Большая выставка изделий промышленности всех наций»). Тысячи произведений промышленности и прикладного искусства были привезены со всего мира и выставлены в специально построенном на территории Гайд-парка Хрустальном дворце (позже сгоревшем). Выставка имела огромный успех и принесла большую прибыль. Вся выручка (186 тыс. фунтов стерлингов) была передана комиссии по делам науки и искусств, возглавляемой принцем Альбертом. Он предложил пустить эти деньги на создание нового музейного городка в Южном Кенсингтоне (реализовать удалось лишь часть задуманного проекта). Сегодня этот комплекс музеев и культурных учреждений, куда входят Музей естествознания, Музей науки, Королевский Альберт-Холл и мемориал Альберта, носит название Альбертополиса. Его частью является и Музей Виктории и Альберта.

Выставка 1851 г. показала, что Англия, являясь ведущей на тот момент индустриальной державой, по качеству производимых товаров начала отставать от лучших изделий из стран континентальной Европы. Задача вновь создаваемого Промышленного музея (так первоначально назывался Музей Виктории и Альберта) состояла в том, чтобы поднять стандарты художественного образования и промышленного дизайна, привить английским изготовителям, а заодно и широкой публике, «вкус к изящным предметам обихода». Первый директор музея Генри Коул говорил, что музей должен стать «общедоступной школой» и всемерно способствовать культурному развитию и эстетическому воспитанию рабочих и ремесленников, что принесло бы несомненную пользу британской экономике. В первые годы существования музея даже режим его работы подчинялся ритму жизни производственных рабочих: он открывался не утром, как большинство других музеев, а вечером, когда рабочий день на заводах, фабриках и в мастерских заканчивался и люди могли использовать свое свободное время для посещения музея и побродить по его освещенным газовыми рожками залам. Экспозиция также была подчеркнуто демократична, в противоположность «высокому искусству» Лондонской Национальной галереи и чопорной учености Британского музея. Основу собрания Промышленного музея составили изделия мировой промышленности, привезенные на Всемирную выставку 1851 г. Знакомство с ними расширяло кругозор английских рабочих и ремесленников, давало толчок к поиску новых форм и идей.

Лондон. Музей Виктории и Альберта

Промышленный музей распахнул свои двери для посетителей в мае 1852 г. Первоначально он размещался в доме герцогов Мальборо, в сентябре того же – года переехал в Сомерсет-Хаус, а в 1856 г. перебрался в Южный Кенсингтон.

На протяжении всего XIX в. коллекция музея постоянно росла. Одновременно с ней разрастался и музейный комплекс. Сегодня здание Музея Виктории и Альберта представляет собой сложный ансамбль построек, возводившихся в разное время и разными архитекторами; в его облике отразились художественные вкусы разных эпох. Апофеозом этого долголетнего строительства стало сооружение главного корпуса музея, растянувшееся на десять лет – с 1899 по 1909 г. Возведенный из красного кирпича и портландского камня по проекту архитектора Астона Уэбба, он вытянулся на 240 м. Первый камень в основание нового здания заложила 17 мая 1899 г. королева Виктория – это было ее последнее появление на публике. В том же году музей получил свое современное название – Музей Виктории и Альберта. Церемония открытия главного корпуса

состоялась 26 июня 1909 г. в присутствии уже другой королевской четы: Эдуарда VII и королевы Александры.

Музей продолжал непрерывно развиваться на протяжении всего XX в. Во время Второй мировой войны он получил незначительные повреждения от осколков авиабомб. В последующем музейные галереи пережили несколько реконструкций. Работы по расширению экспозиционных площадей продолжаются по сей день, так как собрание музея продолжает пополняться. Сегодня оно насчитывает около 4,5 млн экспонатов: здесь представлено европейское, индийское, китайское, японское, исламское прикладное искусство, живопись, скульптура, стекло, витражи, драгоценности, доспехи, оружие, костюмы, стекло, изделия из металла, фарфор и керамика, мебель, фотографии. Все это выставлено в 150 галереях, охватывающих пространство в 7,5 акров, однако и этих экспозиционных площадей хватает только на то, чтобы представить лишь небольшую долю всего гигантского музейного собрания.

Экспозиции ряда галерей посвящены искусству различных стран и народов – Дальнего Востока, Южной и Юго-Восточной Азии, исламского мира. Галерея китайского искусства открылась в июне 1991 г. Большинство представленных здесь художественных работ создано во времена династий Мин (1368–1643) и Цин (1644–1911), но здесь можно увидеть и объекты, относящиеся к годам правления династии Тан (618–906) и более ранним эпохам: таковы, например, метровой высоты бронзовая голова Будды, датируемая ок. 750 г., и вырезанная из нефрита голова лошади, которой 2 тыс. лет. Классические образцы китайского прикладного искусства включают в себя лак, шелк, фарфор, нефрит и эмаль; представлены также традиционные китайские костюмы разных эпох. Поистине уникальным является лаковый столик, изготовленный в императорских мастерских во времена правления императора Сюаньдэ (1426–1435).

Галерея японского искусства охватывает преимущественно период с 1550 по 1900 г. В числе наиболее древних экспонатов – статуя Будды Амиды Нёрай (XIII в.). Так называемый сундук Мазарини, датируемый 1640 г., являет собой яркий пример мастерства ремесленников Киото середины XVII в. Здесь же можно увидеть оружие и доспехи самураев, изделия из лака, фарфора, гравюры на дереве, ширмы, ткани и образцы традиционного японского костюма, включая кимоно.

В обширном разделе прикладного искусства Южной и Юго-Восточной Азии представлены изделия мастеров Индии (в ее колониальных границах, то есть с Пакистаном и Бангладеш), Бирмы, Камбоджи, Таиланда, Индонезии, гималайских королевств и Шри-Ланки. Галерея индийского искусства (охватывает период VI–XIX вв.) включает в себя обширное собрание скульптуры, главным образом религиозного характера – индуистской, буддистской и джайнской. Очень богато и разнообразно представлено искусство эпохи Великих Моголов: портреты императоров, нефритовые кубки для вина, золотые столовые приборы, инкрустированные изумрудами, алмазами и рубинами. Во все времена Индия являлась крупным производителем текстиля, и в Музее Виктории и Альберта эта сторона деятельности индийских ремесленников представлена очень полно и разнообразно: от тончайшего муслина разных цветов до тяжелой парчи, расшитой золотой и серебряной нитью. Здесь же экспонируются ковры из Агры и Лахора, образцы традиционного индийского костюма из разных провинций. Одно из самых необычных изделий, демонстрируемых в Индийской галерее, – так называемый «Тигр Типу Султана» – статуэтка с заводным механизмом внутри, изготовленная в Майсоре в 1795 г. и изображающая тигра, терзающего британского солдата (по другой версии – чиновника британской Ост-Индской компании). Она получила свое название по имени Типу Султана, правителя Майсора, по заказу которого была изготовлена. В 1880 г. музей британской Ост-Индской компании подарил это необычное творение индийских ремесленников музею Виктории и Альберта.

Произведения мастеров далеких Гималаев – это непальские бронзовые статуэтки и вышивки, тибетские свитки и ритуальные объекты. Искусство Таиланда, Бирмы, Камбоджи, Индонезии и Шри-Ланки представлено многочисленными изделиями VI–XIX вв. из золота, серебра, бронзы, камня, терракоты и слоновой кости.

Раздел, посвященный искусству обширного исламского мира, охватывает в пространстве Ближний Восток, Среднюю Азию, Афганистан, Северную Африку и Андалусию, а во времени – двенадцать веков, с VIII по XX в. В постоянной экспозиции представлено только 400 объектов – это около 10 % всей коллекции исламского искусства, которой располагает музей. Ее кульминационным пунктом является великолепный Ардабильский ковер (1539–1540) размером 10,5?5,3 м. Изготовленный, по-видимому, в Тебризе (Персия), он первоначально украшал мечеть в Ардабиле. В 1890 г. этот ковер, сильно поврежденный, был приобретен британским торговцем и после реставрации занял свое место в экспозиции Музея Виктории и Альберта. Другой шедевр – кувшин X в., вырезанный из цельного блока горного хрусталя. В галерее выставлено множество прекрасных экземпляров Корана, относящихся к различным периодам и демонстрирующих высокое искусство арабской каллиграфии. Самый большой по размерам экспонат – резной, инкрустированный слоновой костью деревянный минбар (кафедра проповедника) XV в., некогда находившийся в одной из каирских мечетей. Среди других произведений искусства исламских стран изделия из стекла, керамики (включая знаменитую керамику из Изника) и металла, ковры (собрание персидских ковров в Музее Виктории и Альберта принадлежит к числу лучших в мире). Здесь же – большая коллекция поливных – бирюзовых, синих, белых – изразцов из Турции, Узбекистана, Персии и других стран Среднего Востока.

Британскому искусству в Музее Виктории и Альберта отведено пятнадцать галерей. Здесь демонстрируются более 4 тыс. изделий, охватывающих период от 1500 до 1900 г. Вся экспозиция условно разбита на три главных раздела: эпоха Тюдоров и Стюартов (1500–1714), георгианская Англия (1714–1837) и викторианская Англия (1837–1901). Впрочем, в этих разделах представлены работы не только британских, но и европейских художников и мастеров прикладного искусства, а также импортные изделия из Азии, включая фарфор, ткань, гобелены и шпалеры. Общий контекст экспозиции – постепенное возрастание национального богатства и мощи Британии – «владычицы морей», распространение ее торговых связей по всему миру, сопровождавшееся созданием и расширением Британской колониальной империи. К числу наиболее известных работ, демонстрирующихся в этой части музейной экспозиции, принадлежат полихромный терракотовый бюст короля Генриха VII работы Пьетро Торриньяни (1509–1511), резные двухметровые изображения геральдических животных – быка, грифона, барана и лосося (1519–1521), шкатулка с письменными принадлежностями (1525), принадлежавшая Генриху VIII, сделанная из грецкого ореха и дуба, оправленная в кожу, украшенная росписью, позолотой и гербом короля; огромная, инкрустированная мозаикой из различных пород дерева кровать (1590–1600), на которой могут спать двенадцать человек; уникальный серебряный набор для вина (1719–1720) работы Энтони Нельма, состоящий из бочонка, большого ведра для охлаждения вина и сосуда для мытья бокалов. Это единственный полный набор подобного рода, дошедший до наших

дней.

Национальное собрание драгоценностей, хранящееся в Музее Виктории и Альберта, насчитывает более 6 тыс. изделий, относящихся к временам Древнего Египта, Древней Греции, Древнего Рима, средневековья, XVII–XIX вв. – вплоть до наших дней. Большой интерес у посетителей неизменно вызывают замечательные античные золотые украшения – греческие, римские и египетские. Среди них особо выделяется золотой браслет греко-бактрийской работы III в. до н. э., найденный при раскопках на берегах Аму-Дарьи. В числе других примечательных экспонатов – работы знаменитых ювелиров Картье и Фаберже, алмазные украшения для платья, изготовленные по заказу русской императрицы Екатерины II, браслет, некогда принадлежавший несчастной французской королеве Марии-Антуанетте, изумрудное ожерелье, подаренное Наполеоном его приемной дочери Стефании Богарне в 1806 г. Значительную часть собрания составляют коллекция драгоценных камней леди Кори, пожертвованная музею в 1951 г. и включавшая в себя украшения с алмазами XVIII–XIX вв., и собрание более чем 800 драгоценных камней – от средневековья до начала XIX в. – подаренное музею в 1977 г. Джоан Эванс, крупным ученым-геммологом.

До наших дней дошло не так уж много подлинных образцов одежды, которую носили в XVIII–XVII вв., и уж тем более – в Средние века. Тем интереснее коллекция костюма, хранящаяся в Музее Виктории и Альберта и насчитывающая более 14 тыс. предметов одежды, относящихся преимущественно к последним четырем столетиям. Поскольку повседневная одежда прежних веков практически не сохранилась, здесь доминируют образцы праздничных, парадных нарядов, порой сделанных специально к какому-либо торжественному случаю. Музей располагает также более чем 30 тыс. образцами текстиля – главным образом, западноевропейского, хотя в коллекции представлены все континенты. Охватывая период с III по XX столетие, это собрание текстиля является одним из самых больших в мире.

Экспозиция отдела мебели не менее богата и разнообразна. Здесь хранится более 14 тыс. изделий – начиная от гобеленов и ковров и заканчивая музыкальными инструментами и часами. Доминирует, конечно, мебель – преимущественно западноевропейская, от Средневековья до наших дней. Большой интерес представляет убранство и обстановка двух полностью сохранившихся комнат XVIII столетия: Парижский кабинет 1778 гг., отделанный изящными деревянными панелями, и великолепный Итальянский кабинет 1780 г., с куполообразным потолком и наборным паркетным полом. Не менее интересна коллекция мебели в стиле рококо, изготовленной немецкими мастерами ок. 1750 г. и некогда украшавшей кабинет саксонского короля Августа III. «Гвоздем» экспозиции XIX в. является прихотливо исполненный Французский кабинет (1861–1867) работы мастера М. Фурдинуа, воспользовавшегося весьма разнообразными материалами: эбеновым деревом, липой, падубом, грушей, грецким орехом и красным деревом, а также мрамором. К числу наиболее драгоценных экспонатов относятся четыре девонширских охотничьих гобелена – очень редкие изделия мастеров средневековья, изображающие охоту на различных животных; почтенный возраст и внушительные размеры гобеленов делают их уникальными. Среди музыкальных инструментов выделяются скрипка знаменитого мастера Антонио Страдивари, датируемая 1699 г., и гигантский контрабас, авторство которого приписывают Гаспаро да Сало; когда-то он принадлежал Доменико Драгонетти (1763–1846), знаменитому итальянскому контрабасисту и композитору.

Английский серебряный сосуд XVI в.

Собрание стекла, керамики и фарфора в Музее Виктории и Альберта – самое большое и наиболее всестороннее в мире. Более 75 тыс. его экспонатов представляют здесь все континенты и все эпохи. Очень полно представлен в собрании мейсенский фарфор – «порцелиновая» фабрика в Мейсене (Саксония), основанная в 1710 г., стала первой в Европе фарфоровой мануфактурой. Здесь же можно видеть прекрасные образцы севрского фарфора XVIII–XIX вв. Собрание британского фарфора XVIII в. – самое большое и самое прекрасное в мире. В нем представлена продукция всех английских фабрик, лучшими из которых считаются фабрики в Челси и Уорчестере. Ну и, конечно, экспозиция была бы не полной без китайского и японского фарфора. Коллекция произведений мастеров Китая и Японии в Музее Виктории и Альберта является одной из лучших в мире – равно как и непревзойденное собрание итальянской майолики и знаменитой керамики из Изника (Турция).

6 тыс. изделий из Африки, Англии, Европы, Америки и Азии охватывает всю 4000-летнюю историю создания стекла. Самые древние представленные в экспозиции образцы происходят из Древнего Египта. Египетских мастеров сменяют древнеримские, затем мастера средневековья и ренессанса (к последнему периоду относится и изделия знаменитых венецианских и богемских мануфактур). Имеется великое множество хрустальных люстр, английского и зарубежного производства. Собрание витражей – возможно, самое прекрасное в мире. Оно охватывает период от XII по XX в. Часть наиболее выдающихся образцов происходит из знаменитой часовни Сент-Шапель в Париже.

Более 45 тыс. экспонатов знакомят с работами мастеров по металлу из всех концов мира. В этом разделе экспонируются изделия из золота, серебра, меди, свинца, олова и различных сплавов, оружие и доспехи, бронзовое литье, художественная ковка и эмали. Одних только произведений золотых и серебряных дел мастеров в фондах музея хранится более 10 тыс., но в постоянной экспозиции выставлено лишь около 15 % этих сокровищ. Они сгруппированы по темам – религиозное искусство (включая христианские – римско-католические, англиканские и греко-православные – и еврейские литургические сосуды и предметы культового назначения), британское серебро до 1800 г., британское серебро 1800–1900 гг., современные изделия английских серебряных дел мастеров, европейское серебро. В собрании музея хранится древнейшее из дошедших до наших дней произведение средневековых английских ювелиров – серебряный позолоченный кубок, датируемый 1496–1497 гг. Одно из самых больших изделий – Херефордская алтарная преграда весом почти 8 т, высотой 10,5 м и шириной 11 м, созданная Джорджем Гилбертом Скоттом в 1862 г. для собора в Херефорде. Основа ее изготовлена из дерева и литого чугуна, снаружи преграда украшена кованым железом, бронзой и медью. Арки и колонны покрыты полированным кварцем и мозаичными панелями.

К числу уникальных экспонатов принадлежит 58-сантиметровый «Глочестерский подсвечник», датируемый 1110 г. Сделанный из позолоченной бронзы, он представляет собой очень редкий образец средневекового художественного литья. К тому же периоду относится «реликварий Бекета» (ок. 1180 г.) – рака из позолоченной бронзы, изготовленная для хранения останков св. Томаса Бекета.

В Музее Виктории и Альберта экспонируется множество позолоченных столовых приборов из серебра, так как средневековый этикет отводил им очень большое место. Ими же за обеденным столом обозначали места для наиболее почетных гостей. Независимо от своей формы, эти вещи являлись драгоценным украшением любого стола. Одной из наиболее замечательных изделий является солонка «Корабль Бёргли» в форме плывущей на всех парусах бригантины. Эта

солонка-корабль была изготовлена парижским мастером Пьером Фламароном в 1527–1528 гг. Основание ее как бы «изрезано» морскими волнами, а сирена поддерживает на хвосте раковину, которая одновременно является и корпусом судна. На корме бригантины сделано специальное углубление, в которое насыпали соль. Другое любопытное изделие – сосуд для горячих напитков «Эшли-Купер» с подносом к нему. Напиток из горячего вина или эля, смешанного с кусочками хлеба (или жидкой овсяной кашей), яйцами, сахаром и пряностями, начали употреблять еще в XIV в., но особую популярность он приобрел в XVII в. Эта горячая смесь хорошо восстанавливала силы и ее часто давали больным, а также женщинам после родов. Сосуды для напитка имели две ручки, а крышки их часто делали плоскими, чтобы использовать их как подносы для самих сосудов. Именно такой прибор и представляет собой сосуд «Эшли-Купер», сделанный из позолоченного серебра в 1665 г. Сам сосуд и поднос к нему покрыты сценами охоты на дикого кабана и дикого оленя.

В Музее Виктории и Альберта хранится также так называемая Драгоценность Каннинга. Она изготовлена примерно в 1580 г. и украшена крупной жемчужиной неправильной формы, которая использовалась в качестве торса водяного на самой «Драгоценности». Голова водяного сделана из золота, лицо и руки его покрыты белой эмалью, а хвост украшен цветной эмалью, рубинами и бриллиантами. В правой руке водяной держит кривой ятаган, а в его левой руке – ажурный щит, также украшенный эмалью и самоцветами. С «Драгоценности» свисают три подвески из жемчужин неправильной формы и несколько вставленных в одну оправу рубинов. Легенда утверждает, что «Драгоценность Каннинга» – дар герцога Медичи императору Моголов. «Драгоценность», по-видимому, долгое время действительно находилась в Индии, так как именно там живот водяного был украшен рубином с гравировкой, а снизу добавлены жемчужные и рубиновые подвески. В конце 1850-х гг. это во многом уникальное изделие приобрел в Дели граф Каннинг, являвшийся в то время генерал-губернатором Индии. Позднее «Драгоценность Каннинга» не раз переходила из рук в руки, пока ее не приобрела миссис Э. Хакнес за 10 тыс. фунтов стерлингов и не передала в дар Музею Виктории и Альберта.

Очень большое место в экспозиции музея занимает коллекция живописи, гравюр, рисунков и фотографий. В нее входит 1130 масляных полотен британских и 650 полотен европейских художников, 6800 акварелей и пастелей, 2 тыс. миниатюр. Жемчужиной музея является серия из семи (первоначально их было десять) рафаэлевских картонов. Специалисты считают, что они исполнены или самим Рафаэлем, или его учениками и предназначались для гобеленов, заказанных папой Львом X для Сикстинской капеллы. Картоны выполнены на библейские сюжеты: «Повеление Иисуса Христа Петру», «Смерть Анания», «Петр и Иоанн исцеляют хромого», «Павел и Варнава в Листре», «Волшебник Елимас, пораженный слепотой», «Проповедь святого Павла в Афинах» и «Чудесный улов рыбы». Кроме этих семи оригинальных картонов в музее имеются еще три их копии. Здесь же демонстрируется фреска Пьетро Перуджино, созданная им в 1522 г. для церкви Кастелло ди Форитньяно в Перудже – одна из последних работ живописца.

Живопись XIX в. представлена прежде всего работами У. Тернера и большим собранием картин, акварелей и рисунков Дж. Констебла, в числе которых – широко известный «Вид собора в Солсбери из епископского сада» (1823). Внушительной коллекцией работ Констебла музей обязан, главным образом, щедрости частных собирателей. Первым дарителем стал Джон Шипшенкс, богатый владелец мануфактур в Йоркшире, материально поддерживавший художника в последние годы его жизни. В 1857 г. он подарил свое собрание английской живописи – 233 картины – Музею Виктории и Альберта. В число подаренных Шипшенксом картин входило шесть полотен Констебла, хотя при жизни художника он купил только одно из них под названием «Пруд возле Бранч-Хил, Хемпстед». Остальные были приобретены Шипшенксом в 1838 г. на аукционе, устроенном после смерти художника. Больше всего Шипшенксу нравилась картина Констебла «Заливные луга близ Солсбери». Впоследствии один из биографов Констебла вспоминал, как яростно сражался Шипшенкс на аукционе со своими соперниками за право обладать этой картиной, которая была в свое время отвергнута жюри Королевской Академии за «ужасный зеленый цвет».

Многие другие работы Констебла были подарены музею родственниками художника, в том числе миссис Э. Констебл, вдовой одного из его сыновей. Передача картин музею состоялась в 1880 г., но затем многие из них были выставлены на аукцион.

Самым щедрым дарителем оказалась дочь Констебла Изабель, передавшая в 1887–1888 гг. Музею Виктории и Альберта 95 картин, 297 рисунков и три полных альбома с набросками своего отца. Все эти сокровища прежде принадлежали не только Изабель, но и двум ее сестрам, Марии Луизе и Лайонел; но после их смерти вся коллекция оказалась в ее руках, и она решила сделать ее достоянием «английского народа». Помимо картин и рисунков Изабель подарила музею большое количество писем Констебла и несколько его любимых книг и гравюр.

Пожертвования частных благотворителей весьма существенно пополнили собрания музея и в количественном, и в качественном отношении. В 1901 г. Константин Александр Ионидес завещал музею свое собрание из 82 превосходных картин, в числе которых были работы Ботичелли, Тинторетто, Коро, Гюстава Курбе, Делакруа, Эдгара Дега, Жана-Франсуа Милле, Габриэля Россетти, а к этому – более 1 тыс. рисунков и гравюр. Сегодня собрание Музея Виктории и Альберта насчитывает ок. 10 тыс. рисунков британских и ок. 2 тыс. рисунков старых европейских мастеров, включая работы Альбрехта Дюрера, Джованни Бенедетто Кастильоне, Бернардо Буонталенти, Антонио Веррио, Жана-Огюста-Доминика Энгра и Обри Бердслея. Собрание фотографии содержит более 500 тыс. изображений – от момента изобретения фотографии до сего дня.

Не менее богато и собрание скульптуры, имеющее статус национального. Оно насчитывает более 17 тыс. произведений пластики и охватывает период с 400 по 1914 г. Здесь представлены все жанры – надгробные памятники, скульптурные портреты, аллегории, мифологические сюжеты, религиозная скульптура, парковая скульптура, включая фонтаны, архитектурный декор. В числе использованных материалов – мрамор, алебастр, известняк, терракота, дерево, слоновая кость, гипс, бронза, свинец.

Коллекция итальянской скульптуры эпохи Возрождения, выставленная в музее, считается одной из наиболее значительных за пределами Италии. В числе представленных здесь имен – Джованни Пизано, Донателло, Антонио Росселино, Андреа дель Вероккьо, Антонио Ломбардо, Андреа делла Роббия, Джакопо Сансовино, Бенвенуто Челлини, Джакомо делла Порта, Джамболонья (выставленная в музее картина «Убийство Самсона филистимлянами» (ок.1562) – его самая лушая работа, хранящаяся за пределами Италии), Бернини («Нептун и Тритон», ок.1622–1623). Самым объемным экспонатом является алтарная капелла из церкви Санта-Кьяра во Флоренции (1493–1500), созданная Джулиано да Сангалло (ее высота – 11,1 м, площадь – 5,4 м). Большое место в экспозиции занимает собрание гипсовых копий всемирно известных произведений пластики, в числе которых –

точная копия знаменитой колонны Траяна Риме и «Давида» Микеланджело, а также двух других «Давидов» работы Донателло и Вероккьо. Две скульптуры Антонио Кановы – «Три грации» (1815–1817) и «Спящая нимфа» (1822) – находятся в совместном владении Музея Виктории и Альберта и Национальной галереи Шотландии; каждая из статуй по очереди экспонируется в одном из этих музеев. Коллекция скульптур Родена в собрании Музея Виктории и Альберта – одна из самых больших за пределами Франции, она насчитывает более 20 работ. Большинство их подарено музею самим скульптором в 1914 г.

Раздел архитектуры в Музее Виктории и Альберта – единственная на Британских островах постоянная музейная экспозиция, посвященная историю архитектуры. В числе ее экспонатов – модели, фотографии, подлинные элементы ныне несуществующих зданий и архитектурные проекты. Музей располагает самой большой в мире библиотекой архитектурных рисунков – их здесь более 600 тыс. Кроме того, в фондах музея хранятся дневники, журналы путешествий, письма, записные книжки, эссе, статьи и более 700 тыс. фотографий, запечатлевших памятники архитектуры всего мира. Собрание включает в себя и фрагменты несохранившихся зданий, например два фрагмента фасада дома 1625 г., украшенных деревянной резьбой, с окнами в свинцовых переплетах – редкий образец рядовой лондонской архитектуры, уцелевший в большом пожаре Лондона 1666 г. Имеется также несколько архитектурных деталей от итальянских зданий эпохи Ренессанса – порталы, камины, балконы. В центральной архитектурной галерее выстроились в ряд колонны из различных построек и относящиеся к различным периодам, в числе которых – колонны из знаменитого дворца гранадских эмиров в Альгамбре.

Органической частью Музея Виктории и Альберта является Национальная Художественная библиотека – одна из крупнейших в мире по декоративно-прикладному искусству, в фондах которой насчитывается более 800 тыс. названий. К числу главных сокровищ библиотеки относится Кодекс Форстера – три переплетенных вместе небольших пергаментных записных книжки с собственноручными записями и чертежами Леонардо да Винчи. В собрании библиотеки – ранние издания греческих и латинских авторов: Эсхила, Аристотеля, Гомера, Тита Ливия, Овидия, Пиндара, Софокла и Виргилия. Большая коллекция иллюстрированных рукописей XII–XVI вв. включает в себя «Псалтырь Эдвина» из Кентерберийского аббатства, «Карманный часослов» их Реймса, молитвенник из аббатства Сен-Дени (Париж). Собрание гравюр насчитывает более 500 тыс. листов, в том числе работы Рембрандта, Уильяма Хогарта, Анри Матисса.

Музей Виктории и Альберта, основанный как «общедоступная школа», до сих пор сохраняет важную образовательную роль; его посещение входит в обязательный план учебных программ английских школьников. Однако и без этого музей пользуется огромной популярностью, ежегодно его посещает около 2,5 млн. человек. Музей имеет пять филиалов, в числе которых – Музей театра (ныне закрыт; планируется вновь открыть его в новых галереях Музея Виктории и Альберта) и Музей детства.

Музей детства

Лондонский Музей детства пользуется огромной популярностью не только у детей, но и у взрослых. Он существует уже несколько десятков лет, и здесь демонстрируются игрушки всех времен и народов – немецкие куклы с румяными личиками, раскрашенные японские самураи, итальянские марионетки, мексиканские духовики, склеенные из пальмового листа, индийские слоны, богородские медведи и кузнецы, вырезанные из дерева…

Игрушки делали все народы и во все времена. Но родиной «игрушечной индустрии» является Германия. Именно здесь в XVII в. это занятие стало источником пропитания для десятков, а потом сотен ремесленников. Появились целые гильдии игрушечников, объединявшие токарей по дереву, столяров, резчиков и граверов, раскрасчиков. Изделия немецких ремесленников хранятся во многих музеях мира, в Музее детства им посвящена отдельная экспозиция.

Неизменной любовью и популярностью в красочном и разнообразном мире игр и игрушек пользовались (и пользуются) различные фигурки, изготовлявшиеся из бумаги, картона, жести, олова, глины, дерева, которые в обиходной речи обычно просто называют солдатиками. Но эти фигурки далеко не всегда представляют собой воинов: они могут изображать торговцев и ремесленников, актеров и придворных. Почетное место среди них, конечно, занимают «настоящие» оловянные солдатики. Правда, со второй половины XX в. их потеснили пластмассовые фигурки.

«Родина» оловянных солдатиков – тоже Германия, а точнее, Нюрнберг, «игрушечная столица» Европы. Они изготовлялись с большим искусством, с точным соблюдением особенностей униформы, а в комплекте с ними продавались всякие другие вещи – холщовые палатки, которые можно было собирать и разбирать, пушки на колесах и т. п. Рост «классического» нюрнбергского солдатика – 3 см, а кавалериста – 4. Их отливали и плоскими, и объемными, а в 1893 г. английский игрушечник Уильям Бритэн изобрел способ отливки пустотелых объемных солдатиков.

Если из солдатиков, хранящихся в лондонском музее, можно формировать целые армии, то из представленных здесь деревянных лошадок соберутся огромные табуны. Каких только лошадок здесь нет – обычных палочек-скакалок с лошадиной головой, коней-качалок, карусельных, крылатых, на колесиках… Многие из них в упряжной и верховой сбруе, в чепраках и попонах.

В отделе мягкой игрушки почетное место занимают плюшевые мишки – друзья многих поколений не только английских детей. Несколько британских фирм специализируются на их производстве, причем помимо самих мишек выпускается и специальный «медвежий гардероб» – коллекция одежд, в которых можно наряжать своих любимцев. Впрочем, этот гардероб не идет ни в какое сравнение с тем великолепием, которое выставлено в зале старинных кукол. Неизвестно, что впечатляет больше – сами куклы, или их роскошные платья, сшитые 50, 100, а то и 200 лет назад!

Многие из этих нарядов сшиты ведущими модельерами XIX–XX вв.: куклы служили как бы «испытательным полигоном», где обкатывались идеи будущих модных коллекций. Так костюм одной из кукол создан знаменитой модельершей рубежа XIX–XX вв. миссис Леттер Экстон. В отличие от германских игрушечников, англичане делали кукольные головы не из папье-маше, а из воска, добиваясь таким образом скульптурной рельефности. Кукол часто продавали обнаженными, чтобы по мере надобности переодевать их в новые платья. У некоторых именитых кукол были даже собственные модельеры и портные.

В отделе заводных игрушек восторг вызывают кивающие клоуны, танцующие балерины и целые километры игрушечных железных дорог. Обезьянка с мандолиной (1875) вертит головой, открывает рот, «строит глазки» и при этом одной лапой щиплет струны. Прежде чем спешить с вопросом: «Как ее только не разломали дети?», следует вспомнить, что до второй половины XIX в. заводные игрушки производились, главным образом, для взрослых…

«Оптические игрушки пользовались успехом в эпоху королевы Виктории, поскольку не только потешали, но и просвещали, ознакомляли детей с азами натурфилософии», – сообщает табличка в отделе оптических игрушек. Мир оптических игрушек – это всевозможные калейдоскопы,

стробоскопы, фантаскопы – «волшебные фонари», и гораздо менее известные зоитроп и праксиноскоп. В 1902 г. немецкий инженер Эрнст Планк изобрел фильмоскоп для показа диафильмов, и это изобретение оставалось популярным вплоть до 1980-х гг. Возможно, у кого-то еще пылится на антресолях одна из моделей фильмоскопа с набором диафильмов к нему… А те, кто никогда не видел этого аппарата, могут познакомиться с ним и с его историей в лондонском Музее детства.

При словах «настольные игры» у многих сразу всплывает в памяти «Монополия», однако 100–150 лет назад дети играли совсем в другие игры. Например, в игру «Добродетель торжествует, порок наказан» (1818). В отделе настольных игр хранятся десятки подобных, ныне давно забытых игр, когда-то развлекавших и назидавших детвору.

В отдельном зале выставлено более 30 игрушечных домиков, интерьер которых полностью повторяет домашнюю обстановку давно минувших дней. Их можно рассматривать долго и подробно. Так, в трехэтажном домике, принадлежавшем в конце XIX в. девочке по имени Эми Майлс, устроено около дюжины помещений: комната для хозяев, детская, помещения для мужской и женской прислуги, прачечная, буфетная, чулан, бильярдная… Все комнаты меблированы, а некоторые даже «населены» куклами.

Самый неожиданный в музее – отдел детских наказаний. В Англии вплоть до XIX в. «в воспитательных целях» применялись розги, ремни и палки. Даже при поступлении в некоторые учебные заведения с родителей учеников взималась плата за розги. И глядя сегодня на эти «экспонаты», с горечью думаешь о том, как хрупок мир детства, и о том, что бывает он отнюдь не безоблачным…

Музей восковых фигур мадам Тюссо

Лондонский Музей восковых фигур, расположившийся в роскошном здании на Бейкер-стрит, распахивает свои двери ровно в 10 часов утра. Но задолго до открытия приходят туда восемь женщин, каждая из которых имеет диплом скульптора. Одни из них принимаются смахивать пыль со знаменитостей, другие – поправлять на них грим, парики, бижутерию.

Здание музея по английским меркам просто великолепное. Оно было построено в 1941 г., после того как немецкие бомбы превратили в руины прежний Музей восковых фигур. В залах растут пышные пальмы, и их надо поливать. Вокруг фигур много стильной мебели. Женщины не только собирают пыль в кулечки, но и осматривают карманы, портфели и прически своих подопечных. Однажды шутники поломали у канцлера Коля восковые пальцы, пытаясь утащить его чемоданчик-дипломат. Чарли Чаплину затолкали за рубашку недожеванные бутерброды, а одному советскому политику прилепили за ухо кусочек сыра…

Произошло это потому, что (согласно британским законам) в британских музеях позволено все, что не запрещено. Среди восковых фигур нет таблички: «Руками не трогать» – поэтому особый надзор здесь за мальчишками. Эти неугомонные озорники любят подрисовывать фигурам усики, делятся с ними жвачкой, которую потом приходится отдирать пинцетом. Надо присматривать и за девчонками, которые норовят по-своему подправить на восковых персонажах воротничок, складки платьев, локоны.

Работы всегда много, ведь каждый месяц полагается прибавлять к коллекции десять новых фигур. Изготовлять их сложно, но еще труднее подбирать кандидатуры.

Шотландская королева Мария Стюарт

В галерее восковых фигур собраны все выдающиеся исторические личности. Наполеону I посвящены целых два зала, в которых представлено множество принадлежавших ему вещей. В частности, здесь выставлены его коляска, захваченная англичанами в битве при Ватерлоо, его походная постель, на которой он умер, и другие вещи.

Музей посещает более двух миллионов человек в год, и персоны с кратковременной мировой известностью их, конечно, не привлекут. За многолетнюю историю музея выявилось, что привлекательность выставленной скульптуры длится по крайней мере пять лет. Но бывает и так, что готовый и раскрашенный «кандидат» из мастерской сразу отправляется в запасник.

Любому посетителю сразу бросается в глаза, что здесь учитывают интересы прежде всего английской публики. Предпочтение отдают королевским семьям от Генриха VIII до наших дней. Есть красочный уголок, целиком посвященный адмиралу Нельсону. И конечно же представлены все знаменитые английские рок-певцы.

Давно прославилась Комната ужасов, в которой вместе собраны знаменитые английские воры, мошенники, убийцы, включая и легендарного Джека Потрошителя. Среди них фигурируют и главные деятели французской революции. Здесь же выставлены две настоящих гильотины. Одна из них, как поясняют экскурсоводы, послужила для казни французского короля Людовика XVI.

Сейчас у входа в эту комнату поставлен Адольф Гитлер. Целых 100 фунтов стерлингов должен заплатить тот, кто пожелает провести ночь в этой комнате. Говорят, что ужас, вызываемый этой компанией преступников, излечивает от алкоголизма и азарта тех, кто проигрывает на скачках казенные деньги. Комната ужасов явно заколдована, ибо однажды, когда весь музей сгорел, фигуры злодеев все оказались целыми…

Работа над восковой фигурой – очень тонкое искусство. Кандидат, согласившийся на сеансы, теряет немало времени, пока его зарисуют во всех ракурсах, сделают 24 цветных фотоснимка. Только час уходит на обмеры – от кончика носа до мизинца на ноге. Разумеется, приходится выдерживать и сеанс снятия гипсовой маски. Некоторые кандидаты дарят свои костюмы, дают советы, какую бы позу они хотели принять или какую усмешку желали бы видеть на своем лице.

Капризнее всего оказываются артисты и политики. Спокойнее и сговорчивее спортсмены. Аристократы часто звонят в дирекцию музея и напоминают, что мода, например, на колье изменилась и необходимо его заменить на их восковой фигуре. Кроме того, они часто требуют, чтобы их «омолодили»…

Более двухсот лет назад, когда только начиналась эпопея восковой скульптуры, подготовительная процедура была не только утомительной, но и крайне неприятной. Пионер нового искусства швейцарец аптекарь Филипп Куртиус делал маски из сырой глины. Пока материал застывал, кандидат на фигуру дышал через два гусиных пера, вставленных в ноздри…

Однажды у Куртиуса появилась ученица, дальняя родственница, которую он высоко ценил за хорошую зрительную память, умение быстро рисовать, подмечая характерные черты моделей, а также за ее скромность, миловидность и покладистый характер. Это и была будущая мадам Тюссо.

Ее истинное имя – Мари Гроссхольц. Она родилась в Страсбурге в декабре 1761 г. В семействе Куртиуса она собиралась учиться аптечнмуо делу. Но так как хозяин аптеки решил отказаться от медицины и целиком перейти на более доходное дело – изготовление восковых фигур, уговорить юное создание помогать в художественном ремесле было делом нетрудным. Мари оказалась одаренным скульптором.

Вскоре пожилой доктор медицины переехал с Мари в Париж. Добрый дядюшка еще в Швейцарии сначала удочерил свою ученицу, а затем формально женился на ней, чтобы передать потом ей не только известную в Европе фамилию, но и свое новое дело: он верил в талант Мари.

В 1780 г. на акварельные работы Мари обратила внимание королева Мария-Антуанетта, и Мари Куртиус становится придворной художницей и учительницей рисования в Версале. Там

она рисовала не только придворных дам, но и своего любимого Вольтера, которого видела еще в детстве, а также Бенджамина Франклина, часто посещавшего Версаль.

В Париже Мари днем сидела за кассой кабинета восковых фигур, а вечерами помогала делать «головы» Клеопатры, герцога Орлеанского, Мольера, Руссо и других знаменитых французов. За день до взятия Бастилии санкюлоты реквизировали фигуры аристократов, чтобы с гневными криками пронести их по всему Парижу, а затем сжечь.

Несколько позже якобинцы принуждали Мари делать слепки с окровавленных голов казненных ими Людовика XVI и Марии-Антуанетты, а также принцев и герцогов, с которыми она была знакома. Указания ей тогда давал палач Сансон…

После смерти Куртиуса Мари в 33 г. выходит замуж за парижанина Франсуа Тюссо. Но в это время интерес к ее художественным работам во Франции, потрясаемой революционными событиями, полностью угасает. В 1802 г., успев полностью разориться, сделать портрет Бонапарта, она с большим трудом перебирается в Англию. Из вещей у нее были только чемоданы с 30-ю ее лучшими работами.

В Англии мадам Тюссо сначала переезжает из города в город со своей коллекцией, а потом снимает помещение в Лондоне, на Бейкер-стрит. Умело проведенная рекламная кампания привлекает много посетителей, и через несколько лет небольшой кабинет превращается в знаменитый музей. Окруженная богатством и славой, мадам Тюссо умерла в возрасте 90 лет.

Ее дело продолжили дети и внуки. Затем музей, получивший всемирную известность, был куплен компанией Charterhouse, которая бережно хранит традиции мадам Тюссо до наших дней.

Единственная фигура помещена в музее за стеклом – это восковой двойник Вольтера. Он создан руками самой мадам Тюссо в 1778 г. «Она была талантлива, изобретательна и трудолюбива», – поясняют гиды каждой группе посетителей.

В последнее время сотрудники Музея мадам Тюссо пришли к заключению, что его необходимо коренным образом реконструировать. «Перед вами восковая фигура Жана Поля Марата, которому только что нанесла смертельный удар кинжалом Шарлотта Корде, – рассказывает посетителям сотрудница музея. – Эта фигура, как и все остальные, выполнена мастерски. Но у нее есть и серьезный недостаток: музейный Марат безмолвствует. А ведь убитый в 1793 г. знаменитый деятель французской революции перед смертью, наверное, стонал и хрипел». Работники музея решили заставить «заговорить» некоторые из своих экспонатов. Все планы реконструкции пока не раскрываются, но уже кое-что известно. Например, посетители теперь не только увидят в Комнате ужасов многих знаменитых убийц, их жертвы и сцены средневековых пыток, но и услышат леденящий кровь хруст костей, вопли людей на дыбе и предсмертные крики несчастных, приговоренных к мучительным казням…

Лондонский музей естествознания

Музей естествознания – один из трех больших музеев, расположенных в лондонском районе Южный Кенсингтон (два других – Музей науки и Музей Виктории и Альберта). Его история самым непосредственным образом связана с историей Британского музея и восходит к 1753 г., когда английское правительство приобрело собрание сэра Ганса Слоуна (1660–1753), в состав которого входил ряд естественнонаучных коллекций.

Первоначально коллекции Слоуна входили в собрание Британского музея. В последующие годы естественнонаучная часть собрания начала расширяться; в частности, она значительно пополнилось за счет экземпляров, собранных ботаником Джозефом Бэнксом во время его плавания с капитаном Куком в 1768–1771 гг. В конце 1850-х гг. профессор Ричард Оуэн, руководитель отдела естествознания Британского музея, заключил, что его коллекции нуждаются в отдельном здании. Для этих целей был приобретен земельный участок в Южном Кенсингтоне, и в 1864 г. молодой манчестерский архитектор Альфред Уотерхаус разработал проект нового музея. Строительные работы начались в 1873 г. На Пасху 1881 г. музей открыл свои двери для посетителей, хотя переезд коллекций из старого здания Британского музея продолжался до 1883 г.

Лондон. Музей естествознания

Даже после открытия Музей естествознания юридически оставался структурным подразделением Британского музея и официально именовался Британским музеем (естествознания). Лишь в 1963 г. английский парламент принял акт, согласно которому Музей естествознания стал полностью независимым от Британского музея. В 1986 г. в его собрание вошли коллекции упраздненного Геологического музея. Ныне Лондонский музей естествознания является одним из крупнейших в мире из учреждений подобного рода. Многие из его экспонатов, учитывая их возраст, имеют не только научную, но и историческую ценность – например, коллекции Джозефа Бэнкса, привезенные из его тихоокеанских путешествий, и коллекции Чарлза Дарвина, собранные во время плавания на «Бигле».

Собрание музея включает в себя около 70 млн экспонатов – животных, растений, полезных ископаемых и окаменелостей – со всех концов мира. Они организованы в пять основных отделов: ботаники, энтомологии, минералогии, палеонтологии и зоологии. Это целый океан научных знаний. Здесь можно увидеть и чучело давно вымершей птицы додо, и скелет огромного синего кита, тысячи причудливых окаменелостей и редких минералов. Есть и гости из космоса: в коллекции музея насчитывается около 3200 метеоритов.

Лондонский музей естествознания особенно известен своей выставкой скелетов динозавров. Ее главной достопримечательностью является Диппи – скелет огромного 35-метрового диплодока, подаренный музею известным американским промышленником Эндрю Карнеги. Его доставали в Лондон в 36 корзинах, и 12 мая 1905 г. воссозданный сотрудниками музея Диппи предстал перед публикой, вызвав большой интерес средств массовой информации. С годами динозавр стал своеобразной «визитной карточкой» музея.

Не менее известен и так называемый зал Кита, где демонстрируются 25-метровый скелет синего кита, а рядом – муляж этого животного в натуральную величину. Работа по изготовлению этого муляжа заняла четыре года (1934–1938) и обошлась в немалую сумму. В то время это была самая большая модель в мире (ее длина – 28,3 м).

К числу особо ценных экспонатов музея принадлежит Арчи – гигантский кальмар длиной 8,62 м, попавшийся в сети рыбаков в марте 2004 г. неподалеку от побережья Фолклендских островов. Его в замороженном виде доставили в Лондон, где специалисты подготовили для Арчи специальный акриловый резервуар длиной 9,45 м. Этот «аквариум» заполнили раствором формалина и установили на стенде из нержавеющей стали, где теперь его могут видеть посетители музея.

В Музее естествознания ныне хранится и скелет небольшого кита, в январе 2006 г. заплывшего в Темзу. Была предпринята попытка переместить кита в море. Его загнали на мелководье и подняли на баржу, которая направилась вниз по течению к устью Темзы. Однако, несмотря на все усилия спасателей, животное погибло.

По закону, принятому еще в 1324 г., все выброшенные на берег киты считаются собственностью британской короны. Поэтому останки кита были переданы в Музей естествознания. После соответствующих работ скелет морского животного был выставлен для всеобщего обозрения.

Лондонский музей располагает огромной естественнонаучной

библиотекой, насчитывающей в своих фондах тысячи книг, периодических изданий, рисунков, картин, гравюр, рукописей и карт. Музей ведет большую научную работу, входя в число крупнейших в мире научно-исследовательских организаций естественнонаучного направления.

Филиалом лондонского Музея естествознания является Зоологический музей в Хертфордшире, основанный бароном Уолтером Ротшильдом в начале XX в.

Национальный музей науки и промышленности

Национальный музей науки и промышленности – группа британских музеев, включающая в себя Музей науки в Лондоне, Национальный железнодорожный музей в Йорке, Национальный музей средств массовой коммуникации в Брэдфорде и Музей транспорта в Шелдоне.

Как и Музей Виктории и Альберта, лондонский Музей науки берет свои истоки во Всемирной выставке 1851 г. Эта выставка принесла большие доходы, которые принц Альберт предложил употребить на создание нескольких крупных образовательных учреждений. Первым из них стал музей в Южном Кенсингтоне (будущий Музей Виктории и Альберта), открывшийся 24 июня 1857 г. Экспозиция размещалась в громоздком уродливом сооружении из листов рифленого железа на железном каркасе – лондонцы прозвали это возведенное на скорую руку здание «котельной». Это был художественно-промышленный музей, но в его собрании имелось и несколько разделов, посвященных науке и технике, например выставка научных приборов. Здесь также демонстрировались некоторые промышленные артефакты типа первого парового двигателя Дж. Уатта, морского парового двигателя Симингтона образца 1788 г., локомотивы «Пыхтящий Билли» (1814) и «Ракета» Стефенсона (1829).

В 1860-х гг. расширившиеся научно-технические коллекции были постепенно перемещены в здания, первоначально построенные для Международной выставки 1862 г. Эти собрания продолжали возрастать. Серьезным шагом вперед стала выставка научных приборов, прошедшая в Лондоне в 1876 г.: многие из ее экспонатов вошли в собрание музея.

В 1899 г. королева Виктория положила первый камень в основание здания Музея Виктории и Альберта. В 1909 г., когда музей открылся, его собрание было ограничено только художественными коллекциями. Отдел науки и техники, наконец, административно отделился от него и получил официальное название Музея науки (неофициально оно использовалось с 1885 г.).

Здание музея было построено в 1913–1928 гг. (работы задержала Первая мировая война). Оно, однако, оказалось тесным для разросшихся коллекций музея, так что из-за недостатка места к концу 1930-х гг. ряд менее важных экспонатов был перемещен в хранилище. Вторая мировая война завершила разгром музея: галереи были закрыты, большинство экспонатов эвакуировано из Лондона и возвращено только в 1950 г. После войны Музей науки пришлось фактически создавать заново. Его старые здания были теперь непригодны, в 1949 г. их пришлось разобрать, чтобы начать строительство нового корпуса. Новые музейные галереи открылись в период между 1963 и 1969 гг. Одновременно изменилась философия музейной экспозиции: акцент начал смещаться от демонстрации новейших научно-технических достижений к сохранению британского научно-технического наследия. Ряд тематических выставок выделился в самостоятельные музеи: в 1975 г. открылся Национальный железнодорожный музей в Йорке, в 1983 г. – Национальный музей фотографии, кино и телевидения в Брэдфорде (ныне Национальный музей средств массовых коммуникаций). В 1979 г. музеем было приобретено большое летное поле близ Суиндона, где ныне демонстрируется коллекция старых самолетов и транспортных средств. Все эти музеи ныне объединены в рамках крупного музейного холдинга под общим названием Музей науки и промышленности.

В настоящее время собрание собственно Музея науки насчитывает около 300 тыс. экспонатов и охватывает такие отрасли научного знания, как астрономия, физика, химия, математика, геология. Экспозиция рассказывает о развитии методов научного познания мира здесь; демонстрируются разнообразные приборы XVIII–XX вв. В галерее математики, например, можно увидеть большое собрание логарифмических линеек, включая самый ранний дошедший до нас экземпляр. Здесь же представлены различные чертежные инструменты, начиная с тех, что были найдены в руинах Помпей, и ранние аналоговые компьютеры. В галерее геодезии, посвященной истории картографирования, хранится двухфутовый теодолит, до 1828 г. использовавшийся на съемках в Ирландии, а затем, до 1860-х гг., – в Англии. Здесь же собрана большая коллекция педометров (шагомеров), мензул, уровней, теодолитов, компасов и фотографического оборудования.

Экспозиция галереи часов рассказывает о способах, какими люди на протяжении веков определяли время. Здесь можно увидеть часы песочные и солнечные, водяные и механические, башенные и настенные, карманные и наручные – всего более 500 разновидностей. Галерея метеорологических инструментов знакомит с тем, как ученые начиная с 1700-х гг. измеряли уровень осадков, атмосферное давление, температуру воздуха, скорость ветра, влажность. Здесь можно узнать, как формируются дождевые облака и где находится самое холодное место на Земле, получить новейшую информацию о состоянии земной атмосферы и возрастающей угрозе глобального изменения климата.

Галерея материалов – одна из наиболее интересных в музее. Помимо широчайшего разнообразия материалов, когда-либо применявшихся человечеством – от древнеегипетского стекла до современных композитов – и изделий из них, здесь можно увидеть фантастические произведения человеческих рук, плоды смелых экспериментов: картонный стул, стальное свадебное платье, стеклянный мост…

Энергия пара более 300 лет являлась движущей силой британской торговли и промышленности. Даже в наши дни паровые турбины производят значительную долю электроэнергии. В витринах зала энергетики демонстрируется обширное собрание различных типов паровых двигателей и их полноразмерных рабочих моделей, начиная от двигателя, построенного Джеймсом Уаттом, и паровой турбины, разработанной и построенной Карлом Парсонсом. Галерея аэронавтики рассказывает, как человечество воплощало свою многовековую мечту о полете. Здесь можно увидеть и чертежи летательных аппаратов, относящиеся к эпохе Ренессанса, и более 100 моделей самолетов, и собрание авиадвигателей, начиная с того самого, который поднял в 1907 г. в воздух первый британский аэроплан. Контрастом по отношению к нему служат мощные двигатели современных реактивных лайнеров. Сами самолеты демонстрируются на летном поле в Суиндоне. Этот бывший аэродром времен Второй мировой войны ныне служит последним пристанищем для множества образцов авиатехники 1910–1990-х гг.

Национальный железнодорожный музей в Йорке

Во многих странах мира существуют музеи железных дорог. Однако крупнейший из них находится в Великобритании, в городе Йорк. Здесь собрано непревзойденное собрание локомотивов, подвижного состава, железнодорожного оборудования, документов и вообще всего того, что связано с емким понятием «железная дорога». Эта огромная экспозиция напоминает о том, что британские железные дороги – старейшие в мире. Еще в 1825 г. компания «British Railway» открыла первую железнодорожную линию между Стоктоном и

Дарлингтоном. Ее протяженность составляла всего 32 км, и служила она в основном для перевозки угля, но это была первая в мире постоянно действующая железная дорога.

Сегодня Национальный железнодорожный музей в Йорке насчитывает миллионы экспонатов. На почетном месте – паровозы. Зрелище этого стада «мамонтов» эпохи промышленной революции никого не оставляет равнодушным. Собрание музея включает в себя 103 локомотива, датирующихся от 1813 г. до настоящего времени, – от паровоза «Ракета» Роберта Стефенсона до «Мэлларда» – самого быстрого в мире парового локомотива, а также 177 других единиц подвижного состава. Весь полет конструкторской мысли, все ее воплощения, подчас удивительные, представлены здесь в исключительной полноте.

Так, паровозы конструкции английского инженера Муррея (1765–1826) двигались по… зубчатым рельсам. Созданный Мурреем паровоз перемещался по ним с помощью дополнительного зубчатого колеса, которое входило в зацепление с зубьями на рельсах. Паровоз такой конструкции был способен развивать скорость до 30 км/ч и тянуть состав из 30 вагонеток, нагруженных углем. Кроме того, Муррей строил паровозы усовершенствованной конструкции по проекту Д. Бленкинсона, используя сдвоенные паровые машины.

В 1812 г. в Англии появился «шагающий» паровоз инженера Брентона. Но в 1813 г. Хедли Уильям построил первый паровоз с совершенно гладкими ободьями колес, наглядно доказав, что силы сцепления между ободом и рельсом вполне достаточно и нет нужды изобретать какие-то дополнительные рельсы с зубьями. Спустя еще годы знаменитый английский изобретатель Джордж Стефенсон (1781–1848) впервые поставил на рельсы своего неуклюжего «Блюхера» – «дедушку» всех паровозов. А в 1823 г. Джордж Стефенсон вместе со своим сыном Робертом (1803–1859) основал первый в мире паровозостроительный завод в Ньюкасле. Именно Стефенсон создал стандарт рельсовой колеи – 1435 мм, который ныне принят в большинстве стран мира.

В 1828 г. директора железной дороги Ливерпуль – Манчестер установили приз для самого быстрого паровоза. В этом соревновании победил паровоз «Ракета», созданный Дж. и Р. Стефенсонами. При максимальной скорости 48 км/ч «Ракета» могла тянуть поезд весом 14 т. Этот паровоз окончательно доказал, что паровые двигатели превосходят гужевой транспорт во всех отношениях, и заложил основу для развития железных дорог в XIX в. И в сентябре 1830 г. на железной дороге Ливерпуль – Манчестер уже появились скоростные поезда, перевозившие пассажиров и тяжелые грузы.

Йорк. Национальный железнодорожный музей

Сегодня «Ракета» – почетный экспонат в экспозиции Национального железнодорожного музея. Здесь же хранятся многие другие железнодорожные раритеты, например, локомотив «Купернаб» («Coppernob») – «Медноголовый», разработанный Эдвардом Бари в 1846 г. для Фарнесской железной дороги. Верхняя передняя часть его парового котла обшита полированной медью, отчего паровоз и получил свое название. Он честно прослужил на британских железных дорогах почти полвека, но не оставил после себя никаких «преемников»: оказалось, что идеи Эдварда Бари представляют собой устаревшую и тупиковую ветвь развития парового двигателя. В 1898 г. «Медноголовый» был отправлен в почетную отставку, и его установили в застекленной витрине на станции Хилл. Во время Второй мировой войны немецкие бомбы упали на станцию, витрина была разрушена, а осколки бомб повредили локомотив в нескольких местах. До сих пор в его котле можно видеть отверстия – достаточно большие, чтобы просунуть в них пальцы.

Но если «Медноголовый» – это скорее просто «рабочая лошадка» английских железных дорог, то локомотив «Мэллард» («Mallard») вошел в историю как паровоз-рекордсмен: 3 июля 1938 г. он установил абсолютный мировой рекорд скорости для паровозов: 202,9 км/ч! Ныне он также находится в экспозиции Национального железнодорожного музея.

Особый раздел экспозиции занимают «дворцы на колесах». Так называют личные поезда британских монархов. Посетители музея имеют редкую возможность осмотреть роскошные спальни, столовые и салоны на колесах и узнать, что королева Виктория (1837–1901), оказывается, очень любила путешествовать поездом, а Георг VI (1936–1952) предпочитал ездить в бронированном вагоне… Впрочем, с максимальным комфортом стремились устроиться пассажиры не только королевских поездов – ведь скорость первых составов была все-таки еще медленной и путь по железной дороге занимал много времени. В экспозиции йоркского музея можно видеть и роскошные салон-вагоны, в которых каждое купе имеет собственный вход, и самые первые открытые вагоны, где пассажиры сидели на деревянных скамейках под навесом.

Откуда начинается поездка по железной дороге? Ясное дело, с вокзала. Кстати, само слово «вокзал» – английского происхождения. В XVII в. так назывался парк с концертным залом, располагавшийся в пригороде Лондона. Он принадлежал миссис Джейн Вокс и назывался «Вокс-холл» (Vauxhall). А в 1825 г. это название получил первый «настоящий» вокзал.

Вокзал – это билеты, багажные квитанции, станционные часы и колокола, табло, информирующие об отходе и прибытии поездов… Представить себе железную дорогу без этого невозможно. В музее представлена богатейшая коллекция железнодорожных билетов, отдельный зал отведен различным видам часов – висевших когда-то на платформах различных станций, в служебных помещениях, кабинах локомотивов… А сигнальное оборудование – свистки, духовые рожки, сирены, звонки, семафоры? А различные виды телеграфа: световой, звуковой, электрический? А путейское оборудование: стрелки, фонари, указатели?..

Мир железной дороги поистине неисчерпаем. И экспозиция Национального железнодорожного музея наглядно подтверждает это: достаточно сказать, что здесь собрано более трех миллионов экспонатов! В отделе пассажирского быта хранится около 6 тыс. предметов, некогда сопровождавших путешественников, всевозможные столовые приборы – от серебряных ножей и вилок середины XIX в. до бумажных стаканчиков начала 1980-х гг. В другом отделе можно видеть инструменты железнодорожников – от гаечных ключей и молотков до свистков и билетных щипцов. Особый раздел экспозиции занимает история почты. Здесь можно увидеть, как велась и ведется сортировка писем на железной дороге, и сравнить самые ранние примитивные почтовые вагоны с современным почтовым поездом.

Фотографическое собрание музея насчитывает более 1,4 млн дагерротипов и фотографий – от 1850-х гг. до сегодняшнего дня. Эти фотографии, сделанные как профессиональными фотографами, так и частными лицами и энтузиастами-любителями, представляют собой настоящую летопись железных дорог. На них запечатлен не только прогресс железнодорожной техники, но и те технологические и социальные изменения, которые были вызваны воздействием железных дорог на окружающую среду. Помимо фотографий в музее хранится большое количество произведений живописи, рисунков и гравюр, иллюстрирующих развитие железных дорог начиная с 1825 г. В коллекции музея – работы Спенсера Гора, Стенхоупа Форбса, Абрахама Соломона и других известных художников. Здесь представлены как акварели, портреты, пейзажи, так и эскизы некоторых наиболее известных железнодорожных

эмблем.

Архивное собрание музея – настоящая энциклопедия технической мысли. Оно содержит до миллиона томов различной технической документации, рисунков, эскизов и чертежей локомотивов, вагонов и другого подвижного состава начиная с 1820 г. вплоть до нынешнего дня. Вся история железнодорожного дела представлена здесь с исчерпывающей полнотой.

Особую часть экспозиции занимает коллекция монет и медалей, связанных с историей железных дорог или посвященных железнодорожной тематике. Ее открывает коллекция древнеримских монет, найденных в различных районах Великобритании при прокладке железных дорог – оказывается, железнодорожное дело тоже может послужить на пользу исторической науке! В экспозиции хранятся и многочисленные юбилейные и памятные монеты разных стран, связанные с историей железных дорог, медали за службу на железных дорогах и т. д.

В музее выставлена и большая коллекция моделей железных дорог, однако наибольший интерес вызывают демонстрации действующей старинной железнодорожной техники – ежедневно проводятся до 14 подобных мероприятий, неизменно собирающих большое количество публики. Ну и в завершение осмотра музея стоит прокатиться по «настоящей» старинной железной дороге – пусть и миниатюрной, но зато в полной мере воссоздающей всю атмосферу, все звуки и запахи паровозной эры…

Национальный музей средств массовой коммуникации в Брэдфорде

До 1 декабря 2006 г. этот музей носил название Национального музея фотографии, кино и телевидения. Ныне он называется Национальным музеем средств массовой коммуникации – это переименование отразило ту важную роль, которую играют сегодня в жизни человечества медиасредства. От фотографического образа к кинематографу, от кинематографии – к телевидению. Такова общая канва экспозиции музея, посвященная истории видеоинформационных средств.

Музей в Брэдфорде является одним из филиалов лондонского Национального музея науки и промышленности и одним из самых современных и наиболее популярных (из числа расположенных за пределами Лондона) британских музеев. Ежегодно его посещает около 600 тыс. человек.

Впервые музей открыл свои двери для посетителей 16 июня 1983 г. Ныне в его собрании насчитывается более трех миллионов экспонатов высокой исторической и культурной ценности. Достаточно сказать, что здесь хранятся «три кита», на которых зиждится современное медийное пространство – первый фотографический негатив, первая в мире «движущаяся картина» – прообраз первого кинофильма, и первый телевизионный видеоматериал.

Собрание фотографии в фондах музея – одно из наиболее обширных в мире. Оно включает в себя архивы лондонского Королевского фотографического общества, газеты «Дейли Геральд», музея фирмы «Кодак» и демонстрирует все эстетические и технические достижения фотографии, от самых ранних экспериментов с камерой-обскурой до современного цифрового оборудования. Представлены также все основные жанры, творческие направления и сферы применения фотографии. В 1989 г., в канун празднования 150-летия изобретения фотографии, музей открыл галерею «Кодак», где демонстрируется часть огромного собрания фотографического оборудования (в целом оно насчитывает около 10 тыс. единиц), начиная с 1840-х гг. до сегодняшнего дня.

В разделе кинематографии собрано более 13 тыс. экспонатов, многие из которых относятся даже не к истории, а к предистории кино – «волшебные» и «магнетические» фонари», зоотропы, мутаскопы, стробоскопы, стереоскопы, «оптический театр» и др. Здесь можно увидеть и уникальные аппараты, созданные на заре кинематографической эры, – например «хронофотографический аппарат» с 16-ю объективами для съемки последовательных фаз движения, изобретенный французским фотографом Луи Огюстином ле Пренсом (1841–1890) в 1886 г. Пренс стал первым, кто воплотил в жизнь идею кинематографа, – он мог не только снимать движение, но и проецировать его на экран. В своем аппарате он впервые в истории применил светочувствительную бумажную ленту – прообраз будущей кинопленки, которая наматывалась на барабан (как в фотоаппарате с роликами), проходила позади объектива и наматывалась на другой барабан. Для перематывания ленты Пренс придумал прорезать по ее краю специальные отверстия – перфорации, в которые попадали зубчики колеса лентопротяжного механизма. Пренсу также удалось осуществить проецирование заснятого изображения на экран.

В 1888 г. Пренс получил английский патент на аппарат с одним объективом и бумажной лентой (позже он заменил ее целлулоидной). Этот аппарат делал от 10 до 12 изображений в секунду. В 1889 г. Пренс создал проекционный аппарат с одним объективом и дуговой лампой. Благодаря его изобретениям почти все трудности относительно создания полноценного киноаппарата были благополучно разрешены. Оставалась последняя – создание скачкового механизма, поскольку равномерное движение ленты при съемке не давало качественного изображения движения.

Первый в истории примитивный скачковый механизм изобрел и применил английский фотограф Уильям Фризе-Грин в своем хронофотографическом аппарате в 1889 г. Фризе-Грин также впервые применил только что появившуюся перфорированную целлулоидную пленку. Уже в 1889 г. Фризе-Грин снял в Гайд-Парке свой первый фильм и продемонстрировал его на фотографическом съезде в Таунн-Холле, а в 1890 г. состоялась публичная демонстрация его фильмов в Королевском фотографическом обществе. Съемочная камера Фризе-Грина с перфорированной целлулоидной лентой имела все элементы кинематографа. Ныне ее можно увидеть в экспозиции музея в Брэдфорде. Здесь демонстрируется и хронотографическое оборудование Этьена-Жюля Марея – французского физиолога и изобретателя, внесшего немалую лепту в создание кинематографа. В 1882 г. Марей изобрел так называемую фотографическую винтовку, которая была способна со значительной быстротой запечатлеть последовательность 12 снимков на диске, вращавшемся при нажатии на затвор. К 1889 г. он уже использовал длинную бумажную ленту со светочувствительным слоем – прообраз кинопленки, что позволяло делать 100 снимков в секунду. Тем самым Марею удалось запечатлеть движение с помощью фотографирования одним аппаратом. А в 1893 г. он создал новый хронофотографический аппарат с целлулоидной пленкой. Пленка в нем двигалась прерывисто, делая мгновенные остановки с частотой 20 отдельных снимков в секунду, тем не менее Марею удалось снять с помощью своего аппарата несколько фильмов о движении живых существ.

Примером еще одной попытки овладеть тайной кинематографа являются приборы знаменитого американского изобретателя Томаса Эдисона. В 1891 г. при помощи аппарата, названного им кинетографом, Эдисон снял один из первых кинофильмов, где был показан человек, приподнимавший шляпу и кланявшийся. Два года спустя он завершил работу над кинетоскопом – просмотровым аппаратом, в котором был использован принцип прерывистого движения пленки мимо глазка, вмонтированного в крышку. Поначалу такие аппараты можно было встретить лишь на ярмарке и в парках аттракционов, однако их растущая популярность привела в конечном итоге к открытию специальных кинетоскопических салонов по всей Америке.

В 1895 г.

свой кинопроектор и киноаппарат запатентовали братья Огюст и Луи Люмьеры. Летом и осенью того же года они сняли десять коротких фильмов по 16 м, которые явились основой для коммерческих сеансов конца 1895 – начала 1896 г. Именно братьям Люмьер выпала самая громкая слава в деле создания кинематографа.

В экспозиции хранятся образцы оборудования киностудий 1910–2000-х гг. – включая первый в мире стол звукооператора, относящийся к эпохе зарождения звукового кино, и первую в мире камеру с долбизвуком, а также киноафиши из всех стран мира, фантастические изобретения мастеров грима и реквизита, включая знаменитые клыки Дракулы, автомобиль Ford Anglia из фильма «Гарри Поттер и тайная комната» и др. Отдельный раздел посвящен истории взлета и падения любительского 16-миллиметрового фильма.

Два месяца спустя после своего открытия в 1983 г. музей реализовал один из самых известных и популярных своих проектов: в строй вступил первый и самый большой в Великобритании IMAX-кинотеатр (второй экран начал эксплуатироваться пятнадцатью годами позднее) с экраном высотой в пять этажей и шестью звуковыми каналами. Формат IMAX был разработан группой канадских ученых в 1970 г. Уникальная технология использует самый большой размер кадра за всю историю мирового кино. Размеры криволинейного или купольного экрана в IMAX-кинотеатрах могут составлять до 24 м в высоту и 30 м в ширину. Фильмы формата IMAX снимаются на 70-миллиметровую пленку, на которой кадр расположен в продольном направлении. Для удобного обзора всего купола кресла в театрах IMAX имеют большой наклон (25–30 %). Первый IMAX-кинотеатр был построен в 1971 г. в Торонто. На данный момент в мире действуют более 200 IMAX-кинотеатров (один в Москве). Необычайно реальное изображение на экране высотой с многоэтажный дом и ультрасовременная звуковая система превращают зрителей в участников событий: действие выходит из привычной плоскости и разворачивается прямо перед зрителем.

В 1993 г. музей пополнился еще одним новшеством – Синерамой. Это изобретение было впервые продемонстрировано в 1939 г. на международной научной выставке в Нью-Йорке. Синерама представляла собой совершенно новый способ проецировать кинематографическое изображение на экран: вместо одной камеры использовалось одиннадцать, каждая из которых выводила отдельную картинку. Объединив их вместе, можно было достичь намного более глубокого и масштабного изображения, чем посредством одной камеры. В последующие годы изобретение было усовершенствовано, количество камер сократилось до трех, качество отображаемой картинки улучшилось. 30 сентября 1952 г. на Бродвее состоялась премьера первого фильма, показанного посредством Синерамы. Несмотря на дороговизну билетов, зал был переполнен. Сферический экран, на котором транслировалось изображение, превосходил обычные в 6 раз и охватывал весь радиус зрения, создавая полную иллюзию присутствия. Шестиканальный звук доносился из многочисленных динамиков, расставленных по всему залу. Зрители были потрясены реалистичностью происходящего. «Как будто ощущаешь себя внутри фильма. Мне казалось, именно я – главный герой», – делились впечатлениями посетители. После огромного успеха Синерамы подобные кинотеатры стали открываться повсеместно. Однако сейчас в мире функционирует лишь три общедоступные Синерамы, одна из них – в музее в Брэдфорде.

Отдельный раздел экспозиции посвящен телевидению. Здесь представлена вся история этого самого молодого вида искусства, начиная от первых попыток передачи образов электромеханическими и электронными методами и первого экспериментального телеприемника 1923 г. Музей располагает обширной коллекцией телевизионных приемников, телевизионных камер и огромным архивом телевизионных коммерческих передач.

В 1986 г., отмечая 50-ю годовщину начала регулярного телевещания на Британских островах, музей открыл две творческие диалоговые телевизионные студии, которые предоставляют посетителям редкую возможность лично присутствовать при рождении телевизионных передач. Эти две музейные телестудии регулярно выходят в эфир и используются как учебная база для студентов школы информатики при Брэдфордском университете. Студии также задействованы в рамках чрезвычайно популярного проекта Молодежного ТВ – программы, предназначенной для привлечения молодых творческих сил к созданию телевизионных программ. В 1994 г. был запущен проект TV Heaven, сделавший доступным обширное собрание классических британских телевизионных программ, начиная с 1946 г. Каталог программ насчитывает более 1 тыс. наименований, и посетители музея могут по своему вкусу выбирать те из них, которые им хотелось бы посмотреть.

Совместно с Брэдфордским университетом музей реализует ряд учебных программ, включая искусство компьютерной мультипликации. Три раза в год музей становится площадкой международных кинофорумов: Брэдфордского кинофестиваля (в марте), фестиваля «Bite the Mango», представляющего кино разных стран (в сентябре) и Брэдфордского фестиваля анимационного кино (в ноябре). В 2002 г. была открыта выставка, посвященная 40-летию выхода на экраны первого фильма о Джеймсе Бонда. Ее посетители могли познакомиться со многими неизвестными подробностями того, как создавались знаменитые фильмы «бондианы», а также своими глазами увидеть знаменитые изобретения, которыми орудовал агент 007, – мини-подлодку, замаскированную под крокодила, кредитную карточку-ключ, телекамеру, спрятанная в носу плюшевой собаки.

Экспозиция музея постоянно меняется, потому что меняется мир вокруг нас. Появляются и развиваются новые технологии, стираются различия между различными средствами коммуникации. Последние годы ознаменовались взрывом цифровых технологий, в частности цифровой фотографии, и музей не может не откликаться на эти новые веяния. В ближайшее время готовится открытие экспозиции по истории Интернета, а также реконструируется галерея анимационного кино, чтобы в ней можно было представить достижения цифровой мультипликации.

Национальный морской музей в Гринвиче

В XVIII – начале XX в. Великобританию именовали «владычицей морей». Британские корабли бороздили океаны, британский флаг можно было увидеть в любом уголке мира. С именами английских моряков связаны многие важные открытия и громкие военные победы. О богатейшей морской истории Великобритании рассказывает экспозиция Национального музея в Гринвиче – крупнейшего морского музея в мире, в коллекциях которого собрано около 2,5 млн экспонатов. Здесь нашло свое отражение все: судостроение и навигация, астрономия и гидрография, далекие исследовательские плавания и морская торговля, сражения на морях и географические открытия. Знаменитая Королевская обсерватория в Гринвиче, через которую проходит нулевой меридиан, является частью Национального морского музея. Кстати, «рождение» нулевого меридиана тоже связано с морской историей Великобритании: в конце XVII в. английские моряки приняли меридиан, проходивший через Гринвичскую обсерваторию, за точку отсчета. До этого, и еще много лет после, моряками разных стран в качестве нулевого меридиана выбиралась долгота порта отбытия или столицы соответствующего государства. Лишь в конце

XIX в. международное сообщество пришло к согласию считать нулевым Гринвичский меридиан.

Национальный морской музей был создан в 1934 г. Король Георг VI официально открыл его 27 апреля 1937 г. Музей располагается в Гринвичском парке, на юго-востоке Лондона, и занимает сразу три исторических здания: бывший загородный дворец королевы Марии, построенный в 1635 г. по проекту известного архитектора Иниго Джонса (является частью Гринвичского дворцово-паркового ансамбля, который в 1997 г. был включен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО), здание бывшего Гринвичского госпиталя (позже – и Королевского военно-морского колледжа) и здание, в котором до 1948 г. размещалась Королевская Гринвичская обсерватория.

История этого одного из самых прекрасных архитектурных ансамблей на Британских островах начинается в XVII в. Военно-морской госпиталь в Гринвиче был учрежден в 1694 г. под патронажем королевской семьи с целью помощи морякам, которые по возрасту, из-за ран, увечий или по другим причинам оказались неспособны продолжать военную службу. Для постройки госпиталя был отведен участок к югу-востоку от Лондона, на берегу Темзы, на территории загородного королевского дворца. Знаменитому сэру Кристоферу Рену, приглашенному в качестве архитектора, предстояло преобразовать частное владение в ансамбль публичных зданий. Проектируя Гринвичский госпиталь, Рен обратился к образу Версаля – в те годы эта пышная резиденция французского короля служила законодательницей мод в Европе.

Национальный морской музей в Гринвиче

Над убранством созданного Реном «Зала с росписями» работал выдающийся английский живописец Джеймс Торнхилл (1675–1734). Построенный в качестве столовой для пансионеров госпиталя, он считается одним из самых больших сооружений подобного рода в Европе, и уж конечно – самым красивым. Рен разработал его проект в 1698 г., пять лет спустя зал увенчали кровля и купол. Джеймсу Торнхиллу потребовалось девятнадцать лет, чтобы украсить зал росписями, вошедшими в золотой фонд английского искусства.

Росписи зала в аллегорической форме прославляют морскую мощь Британии. Центральный сюжет – «Мир и Свобода, торжествующие над Тиранией». В образе Мира и Свободы представлены английский король Вильгельм III Оранский (правил в 1688–1702 гг.) и его супруга королева Мэри, а в образе Тирании – французский король Людовик XIV, в отчаянии сжимающий сломанный меч.

Живопись Верхнего зала посвящена теме «Триумф Британии на морях». И снова в центре – британская королевская чета, на этот раз королева Анна (1702–1714) и ее супруг, принц Георг Датский. Их приветствуют аллегорические фигуры, символизирующие четыре части света – Европу, Африку, Азию и Америку. «Америка» одета в традиционный индейский наряд, «Азию» сопровождает верблюд, «Африку» – лев, а «Европу» – белый конь.

Пока Торнхилл работал над убранством зала, в Гринвич прибывало все больше пансионеров, и скоро даже эта громадная комната оказалась слишком маленькой, чтобы разместить всех. Тогда в качестве столовых пришлось использовать помещения в подвальном этаже здания. А в январе 1806 г. в «Зале с росписями» состоялось прощание с телом адмирала Нельсона, смертельно раненного в морской битве при Трафальгаре, но одержавшего в этом бою последнюю свою победу.

В 1869 г. Гринвичский госпиталь перестал использоваться в качестве дома призрения для моряков. Позже в нем разместился Королевский военно-морской колледж. Однако первая попытка превратить госпиталь в музей была предпринята еще в 1823 г., когда в «Зале с росписями» разместилась Национальная галерея военно-морского искусства – около 300 портретов, картин и предметов декоративно-прикладного искусства. В 1873 г., когда здания госпиталя уже занимал Королевский военно-морской колледж, при нем был открыт военно-морской музей.

Современный Национальный морской музей в Гринвиче – это разнообразное и обширное собрание британского военно-морского наследия, от изъеденных морской водой старинных якорей до униформы моряков разных времен. Коллекции музея включают в себя карты, модели судов, научные и навигационные инструменты, хронометры, монеты, медали и оружие. Отдельные разделы экспозиции посвящены таким выдающимся личностям, как лорд Нельсон и капитан Джеймс Кук.

Собрание моделей судов в Гринвичском музее – самое большое в мире. Оно насчитывает около 3200 единиц, причем многие из этих моделей созданы еще в XVII–XVIII вв. и сами по себе представляют определенный исторический интерес. К этому следует добавить подлинные экземпляры различных плавательных средств – лодки, пироги, каноэ и т. п., изготовленные разными народами в разные времена, включая доисторические. Вся история кораблестроения проходит перед глазами посетителей музея.

В отделе навигационных и астрономических инструментов можно увидеть множество старинных астролябий, секстантов, квадрантов, армиллярных сфер, солнечных часов и телескопов, а также более 200 моделей земного шара (глобусов). Большинство этих предметов имеет возраст в 200–300 лет, а самые древние – порядка 800 лет. Музей также имеет в своем собрании более 1 тыс. морских хронометров и корабельных часов.

Более 100 тыс. морских карт, от средневековья до наших дней, не только рассказывают о развитии картографии, но и проливают свет на историю исследований и географических открытий, совершенствования методов навигации. Многие из представленных здесь карт связаны с важными событиями военно-морской истории: они принадлежали известным военно-морским и политическим деятелям и до сих пор хранят пометки, сделанные ими. Самые ранние карты-портуланы выполнены на пергаменте и охватывают преимущественно Средиземноморский бассейн. Более поздние итальянские, испанские и португальские карты содержат новую информацию, полученную в результате исследовательских плаваний конца XV – начала XVI в. В XVII в. пергаментные портуланы были окончательно вытеснены картами, отпечатанными на бумаге. В тот период лидерство в гидрографических исследованиях лидировали голландцы, издавшие множество прекрасных морских атласов. В 1720 г. свою собственную военно-морскую гидрографическую службу создала Франция, в 1795 г. – Англия. Значительный вклад в гидрографию внес капитан Джеймс Кук в результате его тихоокеанских рейсов 1768–1780 гг.

Коллекция морских флагов насчитывает более 1 тыс. единиц, от флагов маленьких семейных фирм и яхт-клубов до крупнейших пароходных компаний. Некоторые из этих флагов имеют длинную и любопытную историю создания. Обширное собрание морской униформы включает в себя около 7 тыс. образцов повседневной и парадной флотской одежды, начиная от первого форменного костюма моряка королевского военно-морского флота, утвержденного в 1748 г. Здесь можно увидеть и мундир адмирала Нельсона (1758–1805), который был на нем в день Трафальгарского сражения. В собрании также находится небольшое количество образцов форменной одежды служащих британской Ост-Индской компании, обладавшей монополией на торговлю с Востоком с 1600-х гг. до начала XIX в. Помимо мундиров в коллекции музея представлено множество элементов униформы: эполеты, пуговицы, знаки различия, должностные знаки и т. п.

Не менее интересно и разнообразно хранящееся

в музее собрание холодного и огнестрельного оружия, от мечей и кинжалов до нарезных орудий. Помимо европейского здесь представлены образцы оружия различных туземных племен – копья, луки, стрелы, бумеранги, включая коллекцию оружия полинезийских воинов, собранную капитаном Куком и его спутниками во время плавания в Тихом океане.

Собрание монет и медалей насчитывает около 5 тыс. экземпляров. Оно включает в себя военно-морские награды со всех континентов, а также памятные и художественные медали из Европы и Америки. Прекрасная художественная коллекция Национального морского музея по полноте и разнообразию не уступит лучшим галереям Британии: здесь собрано более 4500 картин, охватывающих период 1530–2000 гг., множество миниатюр, рисунков, акварелей, гравюр и скульптур. Естественно, что все экспонаты этого собрания так или иначе связаны с морской тематикой. Великолепно собрание голландских и фламандских художников-маринистов XVII в., не менее интересны полотна английских живописцев XVII–XVIII вв.: морские пейзажи, батальные сцены на море. Рядом с ними – множество портретов британских адмиралов и капитанов, самые ранние из которых датируются эпохой Тюдоров (XVI в.). Среди авторов представленных работ – выдающиеся мастера английской живописи, включая Хогарта, Рейнольдса и Гейнсборо. Очень интересны картины Уильяма Ходжеса, созданные им во время плавания вместе с капитаном Куком в Южные моря (1772–1775). Наиболее известная картина, хранящаяся в музее – «Сражение при Трафальгаре в 1805», написанная Дж. Тернером по заказу короля Георга IV в 1823 г. Собрание гравюр и рисунков насчитывает около 60 тыс. экземпляров, в том числе 30 тыс. – работы голландских маринистов XVII в. (включая 1400 рисунков Виллема ван дер Вельде Старшего и его сына, тоже Виллема) и британских художников XVIII–XX вв.

В собрании музея хранятся личные вещи адмирала Нельсона и реликвии, связанные с погибшей экспедицией Джона Франклина. В 1845 г. эта экспедиция на двух кораблях отправилась в арктические широты на поиски Северо-Западного прохода и бесследно исчезла. Лишь в 1854 г. были найдены ее первые следы и установлено, что Франклин и его товарищи погибли. Большинство находок, сделанных в районе гибели экспедиции, было передано британскому Адмиралтейству и позднее поступило в фонды Гринвичского музея.

Музей обладает также самой большой в мире морской исторической библиотекой (около 100 тыс. томов) и обширным архивом, включающим помимо письменных документов фото- и киноматериалы.

Национальная галерея Шотландии

Национальная галерея Шотландии – лучший и главный музей Эдинбурга. Его размеры сравнительно невелики, однако собрание принадлежит к числу лучших в Европе. Один из залов галереи отведен для гравюр и рисунков, остальные – для полотен западноевропейской школы от эпохи Возрождения до конца XIX в. В их числе – работы Филиппино Липпи, Перуджино, Эль Греко, Гойи, Рафаэля, Тициана, Веронезе, Бассано, Тьеполо, Ф. Хальса, Ван Дейка, Рубенса, Рембрандта; целый зал отведен произведениям Пуссена. Из работ французской школы XVIII в. выделяются картины Ватто и Шардена, французское искусство XIX в. помимо Делакруа и Домье представлено такими именами, как Курбе, Писсарро, Сислей, Дега, Моне, Сезанн, Сера, Ван Гог, Гоген, Боннар. В залах галереи – работы крупнейших мастеров английской школы и шотландских художников XVIII–XIX в.

Эдинбург. Национальная галерея Шотландии

Датой рождения галереи является 1859 г… Первоначально в ней экспонировались произведения живописи и скульптуры из собрания Института поощрения изобразительных искусств Шотландии (позднее названного Королевским институтом), Академии художеств и различные памятники искусства, завещанные в 1835 г. Эдинбургскому университету. В 1906 г. галерея получила собственные фонды для расширения коллекций, а в 1907 г. – первого постоянного директора. За первые полвека существования музея его коллекции разрослись за счет подарков или завещаний, сделанных частными лицами. Так, например, в 1960 г. галерея получила в дар коллекцию Мейтланда – 21 произведение французской школы конца XIX – начала XX в.

К числу шедевров Национальной галереи относится маленькая картина Филиппино Липпи (1457–1504) «Благовещение», очевидно, некогда являвшаяся частью большого алтарного образа. Исполненная около 1496 г., она принадлежит к поздним работам этого прославленного итальянского мастера конца XV в. Обращают на себя внимание произведение неизвестного мастера феррарской школы конца XV в. «Мадонна с Младенцем» и фрагмент работы Пьетро Перуджино (ок. 1450–1523), изображающий четыре обнаженные мужские фигуры.

Кульминационной точкой в экспозиции итальянской школы является зал, где собраны воедино полотна из коллекции герцога Сазерленда. «Парад шедевров» открывает «Святое семейство с пальмой» Рафаэля. Считается, что это произведение, относящееся к раннему, флорентийскому периоду творчества художника, было исполнено около 1507 г. В этом полотне многое уже предвосхищает более зрелые творения Рафаэля.

Второй шедевр Рафаэля в залах Национальной галереи – так называемая Бриджуотерская мадонна. Исполненная около 1508 г. и, так же как «Святое семейство с пальмой», относящаяся к флорентийскому периоду творчества художника, она, однако, производит впечатление более зрелой и поздней работы. В отличие от предыдущего полотна, эта работа обращает на себя внимание совершенством формы и мастерством рисунка.

В этом же зале находятся четыре картины Тициана, относящиеся к различным периодам его творчества и раскрывающие разные грани его щедрого таланта.

«Три возраста человека» – раннее полотно, исполненное около 1515 г. Тициан обращается в нем к одной из любимых тем эпохи Возрождения, воплощающей философские размышления о жизни и смерти. Детство, безмятежное и беззаботное, олицетворяют сладко спящие младенцы, которых Тициан изобразил в правой части своей картины. Юноша и девушка с двумя свирелями в руках – аркадские пастух и пастушка, неотрывно глядящие друг на друга, – воплощают в картине юность, лучшую пору человеческой жизни. Эта группа – главная в композиции, именно она определяет эмоциональный строй всего полотна. И как бы отгоняя мысль о старости и смерти, художник отодвигает далеко в глубь картины маленькую фигурку одинокого старика, сосредоточенно взирающего на череп, который держит в руках.

Около 1520 г. Тицианом была написана «Венера Анадиомена». Образ выходящей из воды Венеры, по-античному целомудренный и по-венециански чувственный, кажется столь законченным и столь цельным, что «Венера Анадиомена» воспринимается поистине как воплощение идеала женской красоты.

Два огромных полотна, «Диана и Актеон» и «Диана и Каллисто», исполнены Тицианом в конце 1550-х гг. для испанского короля Филиппа II. Оба они свидетельствуют о наступлении новой фазы в творчестве Тициана. Преобладающие в обоих полотнах тона – малиново-синие, золотистые и коричневые – не яркие, а приглушенные, чуть блеклые. Краска ложится на полотно сильными, беспокойными мазками. Известно, что эти картины были отосланы в Мадрид в 1559 г. Тициану шел тогда уже седьмой десяток. Первое из полотен изображает юношу Актеона, который, охотясь, случайно увидел богиню

Диану во время купания. На второй картине представлен тот момент мифа о Диане, когда разгневанная богиня узнает, что одну из ее нимф, прекрасную Каллисто, соблазнил Юпитер, явившись к ней в обличье самой Дианы.

В Национальной галерее Шотландии хранятся прекрасные работы Тинторетто: «Снятие с креста» и «Мужской портрет», а также большая композиция Паоло Веронезе «Марс и Венера». Веронезе неоднократно обращался к этому сюжету. И хотя исследователи обычно отдают предпочтение другим вариантам картины, тот, что принадлежит Национальной галерее Шотландии, относится, безусловно, к числу самых запоминающихся полотен музея.

«Марс и Венера» Веронезе находилась в коллекции Национальной галереи уже в момент открытия музея в 1859 г. К числу шедевров галереи, также приобретенных еще в середине XIX в. и входивших в основное ядро ее коллекций, относятся «Поклонение волхвов» Якопо Бассано (исполнено в начале 1540-х годов) и два полотна Тьеполо: трехметровое «Нахождение Моисея» и «Встреча Антония и Клеопатры». Первую картину относят к тому периоду творчества, когда Тьеполо уже достиг высот своего мастерства. В ней художник как бы отдает дань творениям своего знаменитого предшественника Веронезе, и его композиция призвана воскресить в нашей памяти полотна золотого века венецианской живописи. Вторая работа представляет собой небольшой эскиз к одной из фресок Большого зала палаццо Лабиа в Венеции, исполненных в 1745–1750 гг. и являющихся общепризнанным шедевром художника.

Эль Греко. Спаситель. Ок. 1600 г.

В одном зале с полотнами Веронезе, Бассано и Тьеполо находятся и произведения мастеров испанской школы. Великий Эль Греко представлен здесь двумя картинами, из которых «Спаситель» сразу же привлекает внимание своей эмоциональной силой. Это произведение было исполнено, очевидно, в конце 1590-х гг. и, скорее всего, является одним из ранних вариантов изображения Христа для так называемого апостоладос – цикла картин, посвященных Христу и двенадцати апостолам. Единственная в Национальной галерее картина Диего Веласкеса – «Женщина, готовящая яичницу» – относится к 1618 г., то есть к раннему периоду творчества художника. Это одна из жанровых сцен, которые Веласкес часто писал в Севилье, в пору юности, еще до приезда в Мадрид в 1623 г. В коллекцию испанской живописи входит и картина Франсиско Гойи (1746–1828) «Доктор». Исполненная в 1780 г., она представляет собой один из картонов, созданных Гойей для Королевской гобеленовой мануфактуры в Мадриде.

Среди немногочисленных произведений нидерландской живописи особый интерес представляют четыре композиции, принадлежащие кисти одного из крупнейших мастеров второй половины XV в. – Гуго ван дер Гуса (ок. 1440–1482). Они двухсторонние, то есть написаны на обеих сторонах двух больших деревянных досок, и были исполнены, очевидно, около 1478–1479 гг. специально для эдинбургской церкви Пресвятой Троицы, основанной в 1462 г. матерью шотландского короля Якова III. Картины Гуго ван дер Гусу заказал Эдуард Бонкил, настоятель церкви. Долгое время считалось, что они представляли собой створки алтаря, центральная часть которого до нас не дошла. Ныне преобладает мнение, что эти картины украшали створки органа, изготовленного во Фландрии в 1466–1467 гг. для церкви Пресвятой Троицы, при непосредственном содействии шотландского короля Якова III, большого любителя музыки. Очевидно, именно этот орган и изображен на одной из композиций. В ней же на первом плане изображен и сам заказчик – преподобный Эдуард Бонкил. Черты его лица столь живы, что не возникает сомнения в том, что изображение писалось с натуры. Предполагается, что Бонкил специально ездил в Нидерланды, чтобы сделать заказ Гуго ван дер Гусу. Парное к створке с портретом Бонкила, на второй доске – изображение Святой Троицы.

На оборотной стороне створок изображена коленопреклоненная королевская семья. На одной створке – Яков III и его сын, будущий король Яков IV, над которым возвышается фигура св. Андрея, небесного покровителя Шотландии; на другой – супруга Якова III, Маргарита Датская, и св. Канут, покровитель Дании. Эта живопись, по-видимому, исполнена не рукой Гуго ван дер Гуса.

Коллекция фламандской живописи в Национальной галерее Шотландии включает в себя две работы Рубенса: одну, раннюю (ок. 1618 г.), изображающую голову св. Амвросия (этюд к картине, хранящейся в Вене), и большую композицию «Пир Ирода», по-рубенсовски эмоциональную и яркую. Антонис Ван Дейк представлен картиной «Св. Себастьян» и двумя портретам, оба из которых написаны в 1623–1627 гг., во время пребывания художника в Италии.

Очень хороши три работы Франса Хальса, особенно два портрета, мужской и женский, исполненные в обычной для зрелых работ Хальса манере. Имена людей, изображенных Хальсом на этих портретах, неизвестны, но, как и все портреты его кисти, они на редкость выразительны. Единственное в собрании галереи полотно Яна Вермеера «Христос у Марфы и Марии», исполненное около 1654 г., считается, возможно, самым ранним из произведений этого яркого и своеобразного художника. Долгое время автор картины считался безымянным, однако в начале XX в., после снятия потемневших слоев лака, на полотне была обнаружена подпись художника. Национальная галерея получила эту картину в подарок и ныне она числится среди ее важнейших шедевров.

Пять полотен Рембрандта, которые можно увидеть в залах галереи, относятся к различным этапам творческого пути великого мастера. «Портрет молодой женщины» датирует 1634 г. Он был написан на заказ еще в то время, когда удача и слава сопутствовали молодому художнику. Уже этой, ранней работе мастера присуща такая жизненная сила и трепетность, что, если поместить рядом с ней пусть даже первоклассный портрет кисти малых голландцев, отличие будет очевидным. Этот портрет Рембрандта близок к традиционному типу женского портрета, процветавшего в Голландии в первой половине XVII в.

К 1650 г. относится маленькая композиция на библейский сюжет, традиционно называемая «Самуил и Анна». «Автопортрет» Рембрандта, датированный 1657 г., – еще одна грань раздумий мастера о своей жизни. К числу лучших работ Рембрандта относится великолепная картина, сюжет которой и дата написания до сих пор остаются спорными. Условно ее называют «Женщина в постели». Нечеткая дата, обозначенная на полотне, позволяет отнести его к 1640-м гг. Считается, что полотно изображает Хендрикье Стоффельс, верную подругу Рембрандта; другие исследователи склонны видеть в изображенной на портрете женщине Гертье Диркс, няню Титуса, сына художника. Обращает на себя внимание некоторое сходство картины с хранящейся в Эрмитаже «Данаей» Рембрандта.

Экспозиция французской живописи в Национальной галерее Шотландии начинается с произведений Никола Пуссена (1594–1665), главы французского классицизма XVII в. Отдельный зал занимает его знаменитая серия картин, посвященных семи таинствам христианской церкви. Эти величественные, монументальные полотна оставляют большое впечатление. Эдинбургская серия «Таинств», исполненная с 1644 по 1648 г. в Риме, является второй по счету серией картин художника на эту тему. Для своего времени они стали новшеством. Тема, выбранная Пуссеном, встречалась в произведениях художников

северных стран, но была необычной для юга Европы. К тому же впервые каждому из таинств было посвящено отдельное полотно, тогда как до Пуссена все сцены таинств объединяли в одной композиции. Эти мастерски исполненные произведения были высоко оценены современниками. Друг Пуссена, Шантелу, один из государственных деятелей Франции, заказал себе копию прославленных полотен, но Пуссен не захотел повторяться. В 1640-е г. он уже отчетливо осознавал, что работы 1630-х гг. не отвечают его новым, грандиозным замыслам. Так возникла вторая серия полотен, сильно отличающаяся от первой, исполненная в «высоком стиле», как его именовали современники Пуссена. В 1648 г. Пуссен сообщал в письме к Шантелу, что ему хочется, чтобы эти его картины помогли людям обрести доблесть и мудрость, необходимые каждому, дабы противостоять превратностям судьбы.

Основные произведения французской живописи XVIII в. были приобретены Национальной галереей в 1861 г. по завещанию потомков выдающегося шотландского художника Алана Рэмзи. Жемчужиной этой части собрания является «Венецианский праздник», одна из лучших картин Антуана Ватто (1684–1721). Она принадлежит к самым поэтичным по настроению картинам Ватто и отличается исключительно изысканной манерой исполнения. Название картины, в которой нет ничего специфически венецианского, происходит от одноименного балета, поставленного парижской Оперой в 1710 году.

В коллекции французской живописи XVIII в. выделяются и два натюрморта Жана Батиста Симеона Шардена (1699–1779). Оба они относятся к позднему периоду творчества художника. Большую редкость представляет «Ваза с цветами» – единственный у Шардена натюрморт с цветами.

Три первоклассных пейзажа Гюстава Курбе – «Река в горном ущелье», «Деревья в снегу» и «Волна» – входили в коллекцию Мейтланда, пожертвованную в дар музею в 1960 г. Два первых полотна были написаны в 1864–1865 гг., когда Курбе много времени уделял работе над пейзажами в окрестностях своего родного города Орнана. «Волна» относится, очевидно, к 1871 г. и является одним из последних среди многочисленных вариантов этого мотива.

Полотна импрессионистов, также поступившие в Национальную галерею из коллекции Мейтланд, охватывают различные этапы в истории этого художественного течения. Так, «Вид реки Марны у местечка Шеневьер», исполненный Камилло Писарро, относится к 1864–1865 гг., к тому периоду, когда импрессионизм как таковой еще не сложился. С другой стороны, пейзаж Альфреда Сислея, написанный во время его пребывания в Англии, вскоре после первой нашумевшей выставки импрессионистов, открытой в 1874 г. в ателье фотографа Надара, принадлежит к годам расцвета импрессионизма. Более поздний период представлен пейзажем Клода Моне «Тополя на реке Эпт» (1891–1892). Эта картина создавалась как раз в то время, когда Моне, поселившись в местечке Живерни под Парижем, начал писать свои знаменитые серии полотен, изображающих один и тот же пейзаж в разное время суток, при различном освещении. Небольшое полотно все пронизано светом; трепещет листва, вибрирует воздух и отражение в воде деревьев и облаков. Все окутано легкой воздушной дымкой, какая бывает в природе в жаркие дни.

Творчество Эдгара Дега (1834–1917) представлено в галерее разнообразными произведениями, позволяющими увидеть и его родство с импрессионистами, и его отличие от них. Блистателен портрет флорентинца Диего Мартелли, писателя и художественного критика, одним из первых выступившего в защиту импрессионистов и начавшего собирать их произведения. В двух других полотнах, изображающих танцовщиц перед выходом на сцену, внимание художника концентрируется на передаче движения, на искрящемся свете. Пастель 1890-х гг., относящаяся к большому числу изображений женщин за туалетом, позволяет увидеть изменения, которые Дега вносил в процесс работы в поисках наиболее выразительной и естественной позы.

С коллекцией Мейтланд в Национальную галерею Шотландии поступило и два полотна Винсента Ван Гога. Одно, раннее, представляет собой исполненный в темных непрозрачных красках этюд головы крестьянской женщины в белом головном уборе. Множество подобных этюдов было создано художником в 1885 г., когда появилась его первая большая картина «Едоки картофеля». В ту пору Ван Гог, живший в Голландии, еще не имел представления об импрессионизме, сыгравшем затем важную роль в развитии его таланта. К последующему этапу творчества Ван Гога относится второе его полотно из коллекции Мейтланда – «Фруктовый сад в цвету», написанное в Арле на юге Франции в начале 1888 г. Обе работы явились прекрасным дополнением к уже имевшейся в галерее поздней картине Ван Гога «Оливковые деревья», исполненной в Сен-Реми осенью 1889 г.

Среди лучших полотен этой коллекции выделяется работа Поля Сезанна «Гора Св. Виктории» – одно из многочисленных воплощений мотива, занимавшего мысли художника в 1880–1890-х гг. Могучая масса горы, как бы неподвластной солнцу и ветру и вместе с тем окутанной светом и воздухом, привлекала Сезанна в его поисках непреходящих ценностей природы. Кажущийся на первый взгляд незаконченным, этот пейзаж отличается тщательной продуманностью, строгой структурностью композиции. Тончайший подбор широких пятен светло-синего и светло-коричневого, вместе с оставленным кое-где нетронутым белым холстом, создает ощущение наполненной светом воздушной среды.

Тремя работами представлен Поль Гоген. В их числе – пейзаж, написанный им на острове Мартиника, и картина «Битва Иакова с ангелом». Созданная в 1888 г. во Франции, в Понт-Авене, она стала первой крупной работой Гогена, в которой он почти полностью порвал с принципами импрессионизма. Действительность здесь соединяется с вымыслом: женщины-бретонки в больших традиционных белых чепцах наблюдают явившееся им, как некая реальность, видение библейской сцены борьбы Иакова с ангелом. «В этой картине пейзаж и борьба существуют для меня лишь в воображении этих молящихся женщин как результат проповеди. Вот почему такой контраст между этими реальными людьми и борющимися на фоне пейзажа фигурами, которые нереальны и непропорциональны», – писал Гоген жене в июне 1892 г.

П. Гоген. Битва Иакова с Ангелом. 1888 г.

Третье полотно Гогена в Национальной галерее называется «Три таитянские женщины». Оно создано в 1899 г., во время второй поездки Гогена на остров Таити.

Коллекция английской живописи в Национальной галерее Шотландии не очень велика. Тем не менее здесь представлены все крупнейшие имена в истории английской живописи периода ее расцвета в XVIII – первой половине XIX в. «Портрет сестер Уолдэгрейв», принадлежащий кисти Джошуа Рейнольдса (1723–1792), президента английской Академии художеств, может дать прекрасное представление и о его творчестве, и о высоком уровне искусства портрета в Англии второй половины XVIII в. В галерее есть образцы творчества Ричарда Уилсона – отца английского пейзажа; здесь есть несколько, как обычно, маленьких картин Джорджа Морланда, идиллического певца английской деревни XVIII в. Несомненным шедевром галереи является «Портрет миссис Грэм» кисти Томаса Гейнсборо (1727–1788), самого блистательного художника Англии второй половины XVIII в.

В первой половине XIX в. популярность английского

пейзажа вышла далеко за пределы Британских островов. Об этом периоде рассказывают полотна трех крупнейших английских пейзажистов, хранящиеся в Национальной галерее Шотландии – Джона Констебля, Ричарда Паркса Бонингтона и Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера. Предметом гордости музея является полотно Дж. Констебля «Долина Дедэм», приобретенное в 1944 г.

Три зала Национальной галерее отведены шотландским мастерам живописи. В их числе – Аллан Рэмзи (1713–1784), первый крупный шотландский художник; Генри Реберн (1756–1823), крупнейший живописец в истории шотландского искусства. Его творчество относится к периоду расцвета шотландской культуры; полотна во многом родственны картинам старших английских собратьев по кисти, Рейнольдса и Гейнсборо. Неповторимы по своей оригинальности исполненные Реберном портреты именитых шотландцев, представителей старинных кланов, изображенных в полный рост, в колоритных национальных костюмах, гордо держащих в руках оружие. К наиболее знаменитым принадлежит портрет полковника Макдонелла-оф-Гленгарри (ок. 1812 г.).

Славу известнейшего шотландского художника первой половины XIX в. Дэвида Уилки (1785–1841) составили в основном картины с изображением жанровых сцен. Шестнадцать полотен Уилки, экспонируемых в Национальной галерее, показывают, насколько разнообразен диапазон его работ. Помимо произведений Уилки в залах, отведенных шотландскому искусству XIX в., выделяются полотна Дэвида Скотта (1806–1849). Его запоминающиеся композиции на литературные и исторические сюжеты отличаются романтической таинственностью; он охотно черпает сюжеты из произведений Гомера, Шекспира, Мильтона, английских романтиков начала XIX в. В заключительной части экспозиции привлекают внимание пейзажи одного из самых значительных шотландских художников второй половины XIX в. – Уильяма Мак Таггарта (1835–1910). Его творчество связано с художественной школой Глазго, получившей известность в 1880-х гг. и развивавшейся в тесном контакте с искусством Франции, что не помешало, однако, мастерам этой школы сохранить свой оригинальный почерк. Примером его ранних произведений в Национальной галерее является «Весна» (1864): двое крестьянских детей отдыхают на залитом солнцем, заросшем цветами берегу реки. Некоторая сентиментальность в изображении детей – дань салонному искусству середины века.

Общая черта всех без исключения залов – высокое качество представленных работ. Почти каждое художественное произведение – откровение. Неожиданности подстерегают зрителя на каждом шагу, и оказывается, что четырнадцать не таких уж больших по площади залов Национальной галереи Шотландии по насыщенности впечатлений не уступят лучшим музеям Европы.

Картины художников XX в. экспонируются отдельно, в Шотландской Национальной галерее современного искусства. Этот музей возник сравнительно недавно – в 1960 г., и располагается в здании, выстроенном в XVIII в. и с 1877 г. принадлежавшем Королевскому ботаническому саду. После передачи его в 1959 г. Национальной галерее современного искусства, интерьеры были модернизированы, а сад приспособлен для размещения экспозиций. Снаружи строгое каменное здание сохранило свой облик, типичный для сурового шотландского классицизма XVIII в. Среди выставленных здесь пяти тысяч работ обращают на себя внимание «Циркачка», картина английского художника первой половины XX в. Мэтью Смита, творчество которого складывалось под воздействием искусства Матисса и Сезанна; выразительный мужской портрет кисти Уолтера Сиккерта, одного из ведущих художников Англии конца XIX – начала XX в., пропагандировавшего в своей стране искусство импрессионистов; «Рельф», композиция, исполненная патриархом английского абстракционизма Беном Никольсоном (1962); картина австралийского художника Сиднея Нолана «Леда с лебедем» (1958), полыхающая поливинилацетоновыми красками; акварель швейцарского сюрреалиста Клее (1927); живописно-напряженное полотно «Лето в разгаре», написанное австрийским экспрессионистом Оскаром Кокошкой (1938–1942), и ряд других. Об экспериментаторских началах в живописи накануне Первой мировой войны напоминают несколько произведений Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Среди произведений шотландской школы выделяется сочностью и силой мазка «Натюрморт с черной бутылкой» кисти художника Пепло, исполненный в начале XX в.

Несомненной удачей галереи является экспозиция скульптуры, устроенная под открытым небом, в саду, окружающем здание. Зеленая лужайка перед домом отдана произведениям крупнейшего английского скульптора Генри Мура. Его произведения рассчитаны на восприятие прежде всего в природном окружении. В экспозиции музея фоном для больших бронзовых фигур, которые Мур уподобляет громадам выветренных скал, служат плотные кущи кустарника и вдали – гряды холмов, нависших над Эдинбургом. По другую сторону здания, в круглом бассейне, заросшем кувшинками и тростником, как бы готовясь войти в воду, стоит бронзовая «Девочка» английского скульптора Рега Батлера.

Художественная галерея Уолкера

Галерея Уолкера – главный художественный музей Ливерпуля. В ее стенах размещается одна из самых обширных художественных коллекций Англии; порой ее даже называют Северной национальной галереей.

История этого собрания берет свое начало в 1819 г., когда Ливерпульское Королевское общество приобрело 37 картин из коллекции Уильяма Роско, местного адвоката, политического деятеля, историка и филантропа. Он был также известен как знаток и любитель искусств, особенно интересовашийся произведениями итальянских и нидерландских старых мастеров. С 1843 г. бывшая коллекция Роско демонстрировалась в специально построенном здании на улице Кокпитт – верхний этаж занимали картины, нижний – скульптура.

В 1851 г. муниципалитет Ливерпуля приобрел собрание дипломных работ выпускников Ливерпульской Академии. С 1810 г. Академия устраивала ежегодные выставки-продажи картин и скульптур своих членов и была известна тем, что в ее рядах было множество сторонников нового художественного течения, родившегося в Англии в середине XIX в. и получившего название «прерафаэлитов».

В 1849 г. три живописца – Уильям Холмен Хант, Данте Габриэль Россетти и Джон Эверетт Миллес – выставили на суд публики три своих картины: «Риенци», «Изабелла» и «Юность Марии». Эти полотна были таинственны и необычны, они притягивали взгляд яркими красками и странными сюжетами. Все они были подписаны загадочной монограммой «PRB». Вскоре тайна монограммы открылась: это был символ творческого объединения художников – «Братства прерафаэлитов» (англ. PreRaphaelite Brotherhood).

Первоначально оно состояло из 7 человек: Дж. Э. Миллеса (1823–1896), Уильяма Холмена Ханта (1827–1910), Данте Габриэля Россетти (1828–1882), его младшего брата Майкля Россетти, Томаса Вулнера (1825–1892), Джорджа Стивенса (1817–1875) и Джеймса Коллинсона (1825–1881). Эти живописцы называли себя «прерафаэлитами», так как считали, что в творчестве надо ориентироваться на художников, предшествовавших Рафаэлю. Творчество прерафаэлитов было тесно связано с литературой – произведениями итальянского поэта эпохи Возрождения Данте Алигьери, английских поэтов Джона Мильтона и Уильяма Шекспира, давно забытыми

средневековыми балладами и легендами, в которых прославлялось поклонение прекрасной даме, самоотверженность рыцарей и мудрость волшебников. Многие из этих сюжетов нашли отражение на полотнах художников-прерафаэлитов. Они противопоставляли холодному академизму «священный огонь», «живую веру» так называемых примитивов, отвергнутых эстетикой нового времени, стремились к возрождению «наивной религиозности» средневекового искусства. Одним из основных художественных принципов прерафаэлиты считали максимальную достоверность изображаемого, вплоть до мельчайших, самых незначительных деталей.

Художественная галерея Уолкера. Скульптура Рафаэля перед входом в музей

«Братство прерафаэлитов» просуществовало до 1853 г., оказав влияние на творчество английских художников последующих лет. Ныне ряд исследователей склонен рассматривать прирафаэлитов как первое авангардистское движением в искусстве. Считается, например, что Данте Габриэль Россетти, по существу, стал предтечей европейского символизма. В XX в. художественные идеалы изменились, и искусство прерафаэлитов, стремившееся к почти фотографической передаче действительности, на время было забыто, отошло в тень. Однако начиная с 1970-х гг. произошел всплеск интереса к художественному наследию прерафаэлитов. В конце XX в. было основано «Братство руралистов», творческие позиции которого фактически совпадают с идеалами прерафаэлитов. Считается, что искусство прерафаэлитов в немалой степени повлияло на молодого Дж. Р. Р. Толкиена – автора знаменитой эпопеи «Властелин колец».

Ливерпуль был единственным в Англии провинциальным городом, где в середине XIX в. сложилась своя собственная школа прерафаэлитов, фундаментом которой являлась Ливерпульская Академия. В те годы крупные ливерпульские торговцы и промышленники охотно приобретали полотна прерафаэлитов для своих собственных собраний, многие из этих работ в последующем вошли в фонды галереи Уолкера.

В 1852 г. британский парламент принял акт, предусматривающий создание в Ливерпуле общественной библиотеки, музея и художественной галереи. Библиотека и музей открылись в 1860 г. В 1871 г. в залах библиотеки прошла первая Ливерпульская осенняя художественная выставка, организованная городским муниципалитетом. Переняв традиции ежегодных выставок Королевской Академии, она представляла современную живопись и скульптуру; посетители тут же могли приобрести понравившиеся работы. Эти выставки, в дальнейшем проводившиеся ежегодно, пользовались большим успехом и приносили, в свою очередь, средства, необходимые библиотеке и ливерпульскому Комитету искусств для пополнения городского художественного собрания. В 1871–1910 гг. на выручку от проведения выставок было приобретено около 150 работ.

Между тем городской художественной галереи, как таковой, еще не существовало, хотя ее создание было предусмотрено решением парламента от 1852 г. Причина была банальная – отсутствие средств. Однако в 1873 г. неожиданно отыскался меценат – сэр Барклай Эндрю Уолкер (1824–1893), крупный ливерпульский пивовар и общественный деятель, долгое время избиравшийся мэром города. Уолкер не был покровителем искусств или коллекционером, но славился своим великодушием и горячей любовью к родному городу. Видя проблемы, стоящие на пути становления городской художественной галереи, он пожертвовал на эти цели огромную по тем временам сумму – 20 тыс. фунтов. Ныне Ливерпульская художественная галерея носит имя своего благотворителя.

Симоне Мартини. Обретение отрока Иисуса в Храме. 1342 г.

28 сентября 1874 г. принц Альфред, герцог Эдинбургский, заложил первый камень в основание будущей Художественная галереи Уолкера. Построенная по проекту местных архитекторов К. Шерлока и Г. Вейла, она открылось 6 сентября 1877 г. Сегодня Галерея Уолкера является одним из наиболее выдающихся художественных собраний Великобритании. Здесь представлено множество картин итальянских и нидерландских художников 1350–1550 гг., европейское искусство 1550–1900 гг., в том числе полотна Рембрандта, Пуссена и Дега, британское искусство XVIII–XIX вв., включая великолепное собрание викторианской живописи и прекрасную коллекцию прерафаэлитов, обширное собрание гравюр, рисунков и акварелей. Собрание скульптуры в галерее Уолкера – одно из самых значительных во всей Великобритании, а коллекция предметов декоративно-прикладного искусства – одна из лучших в Европе. Она охватывает период от Ренессанса до конца XX в.

К числу наиболее известных картин, демонстрируемых в галерее Уолкера, относится «Обретение отрока Иисуса в храме[1 - Ошибочное название этой картины, утвердившееся в отечественной литературе советского периода, – «Святое семейство».]» Симоне Мартини. Она была создана в Авиньоне (Франция), служившим в то время резиденцией папского двора, и является одной из немногих подписанных работ великого мастера. Латинская надпись по краю рамки гласит: «Симоне Сиенец написал меня в лето Господне 1342». Эта же картина стала последней крупной работой Мартини – в 1344 г. художник скончался.

«Мадонна с Младенцем и святым (Иоанном Крестителем?)» Бартоломео Монтаньи (1450–1523) – еще один шедевр в собрании галереи Уолкера. Высказывалось предположение, что бородатый мужчина, изображенный на этой картине, – герцог Франческо Гонзага, правитель Мантуи и известный покровитель искусств. К произведениям живописи эпохи раннего Реннесанса принадлежит и «Триптих со сценами Страстей Христовых, Распятием и мессой Св. Григория» работы так называемого мастера Аахенского алтаря. Этот анонимный немецкий художник, живший ок. 1480–1520 гг., назван так в связи с лучшей своей работой – алтарем, ныне находящемся в Аахенском соборе (Германия). Хранящийся в галерее Уолкера триптих был создан им ок. 1500–1505 гг. по заказу Херманна Ринка, бургомистра Кёльна, для его фамильной часовни в церкви Св. Колумбы (Кёльн). На лицевой стороне триптиха изображены девять эпизодов Страстей Христовых, группирующихся вокруг центральной сцены – Распятия. На обороте в левой части триптиха изображена сцена омовения рук Понтием Пилатом; предполагается, что среди представленных здесь фигур художник изобразил и самого себя. В правой части он поместил эпизод явления Христа папе Григорию Великому во время мессы; свидетелями этой сцены по прихоти заказчика являются сам Херманн Ринк и члены его семейства, а местом действия служит, по-видимому, фамильная капелла Ринков в кёльнской церкви Св. Колумбы.

Собрание искусства XVII в. изобилует прежде всего голландскими пейзажами и портретами. Здесь также представлены работы Рембрандта, Рубенса, Пуссена и Мурильо. «Мадонна с Младенцем, Святой Елизаветой и маленьким Иоанном Крестителем» Питера Пауля Рубенса является одной из наиболее известных и популярных работ мастера; с нее было снято множество копий и гравюр. Предполагается, что два младенца, изображенные на картине, – это сыновья художника от его второй жены Елены Фоурмент, на которой Рубенс женился в 1630 г.

«Автопортрет в образе молодого человека» Рембрандта был первой картиной этого великого художника, попавшей на Британские острова. Она была преподнесена королю Карлу I в начале 1630-х гг. одним из его

придворных, сэром Робертом Керром, который, в свою очередь, приобрел это полотно (наряду с другой картиной Рембрандта «Старуха: мать художника», которая до сего дня находится в Королевском собрании) после посещения Гааги с дипломатическим визитом в 1629 г. После казни короля Карла в 1649 г. картина была продана вместе с другими произведениями искусства из Королевского собрания.

Написанный в 1644 г. «Вид Дордрехта» представляет творчество выдающегося художника первой половины XVII в. Яна ван Гойена (1596–1656). Ван Гойен очень много и охотно – более двадцати раз, с разных точек и при разных погодных условиях – писал виды этого голландского города. Вновь и вновь на его полотнах появляется могучая дордрехтская церковь Грооте Керк с недостроенным шпилем, встающая над рекой Маас. Морские ветры надувают паруса и поднимают волны, раскачивающие рыбачью лодку. Гойен мастерски пишет небо. Кажется, оно занимает большую часть картины, и его бледная синева мягко контрастирует с общим серовато-коричневым тоном полотна, соответствующим обычному для Голландии пасмурному рассеянному освещению. Общий коричневатый тон оживляется ярким красным плащом человека в лодке.

Триптих «Мадонна с младенцем во славе», принадлежащий кисти великого испанского художника Бартоломе Эстебана Мурильо (1618–1682) был создан по заказу Амвросио Игнасио Спинолы-и-Гусмана, архиепископа Севильи (1670–1684) для его частной капеллы в архиепископском дворце. В годы наполеоновских войн (1808–1814) во дворце размещался штаб французского маршала Сульта, который присвоил картину себе в качестве военной добычи. Однако в его распоряжении оказались только две боковые части триптиха. Полностью произведение Мурильо оказалось воссоединенным лишь после того, как боковые части картины были приобретены британским коллекционером лордом Оверстоном.

В XVIII в. Ливерпуль, когда-то незначительный морской порт, увеличился до размеров второго по значению города Англии. Этот рост, связанный с бурным экономическим развитием города, способствовал превращению Ливерпуля в один из наиболее важных художественных центров страны. Богатые торговцы, занявшись на досуге коллекционированием произведений искусства, способствовали становлению и развитию местной школы живописи. Большое количество экспонатов из частных коллекций ныне хранится в Художественной галерее Уолкера. Особенно интересен Янтарный кабинет – «дальний родственник» знаменитой Янтарной комнаты из Царского Села. Этот изящный барочный комод с двумя створками и множеством выдвижных ящичков, уникальное произведение мастеров-резчиков по янтарю, было создано ок. 1700 г. в Гданьске. По-видимому, он предназначался для частного «кабинета редкостей», или кунсткамеры, мода на которые широко распространилась на рубеже XVII–XVIII вв. Возвращавшиеся из дальних плаваний моряки привозили с собой всевозможные «кунстштюки»: яйца страуса, нефритовые статуэтки, перья райских птиц. Янтарный кабинет предназначался для хранения наиболее драгоценных экспонатов подобной коллекции. Кроме того, выдвижные ящики могли использоваться для хранения более практических вещей – письменных принадлежностей, драгоценностей, настольных игр.

Галерея Уолкера наиболее известна своим собранием картин XIX в. Как уже говорилось выше, Ливерпуль имел тесную связь с движением прерафаэлитов, и это в полной мере нашло свое отражение в экспозиции музея. Коллекция прерафаэлитов в собрании галереи Уолкера является одной из лучших в мире. В числе представленных здесь работ – «Лоренцо и Изабелла» Джона Эверетта Миллеса, «Козел отпущения» и «Триумф невинности» Уильяма Холмена Ханта, «Благословенная Дева» Данте Габриэля Россетти, «Старик Конистон» и «Залив Morecambe» Грега Дэниела Уильямсона, «Девушка с кувшином эля и трубками» и «Логово дракона» Джеймса Кэмпбелла, «Возлюбленные и жены» Джона Ли и др.

В галерее Уолкера щедро представлено и искусство XX в. Экспозиция музея охватывает практически все художественные течения прошедшего века.

Художественный и археологический музей Эшмолин в Оксфорде

Музей Эшмолин – один из четырех музеев Оксфордского университета и самый старый публичный музей в Великобритании. История сохранила точную дату его открытия – 24 мая 1683 г. Созданный на основе частных собраний, с годами он приобрел славу одного из самых значительных музеев страны.

Музей Эшмолин. Главный вход

Музей Эшмолин назван так в честь его основателя, Элиаса Эшмоула (1617–1692), богатого адвоката и собирателя древностей. Эшмоул и сам обладал неплохой коллекцией старинных монет и редких книг, а в начале 1660-х гг. он вдобавок унаследовал большую часть собрания редкостей, принадлежавшего его другу – садовнику, путешественнику и коллекционеру Джону Традесканту Младшему (1608–1662). Начало этому собранию положил еще его отец, Джон Традескант Старший (ок. 1570–1638). Оно включало в себя старинные монеты, книги, гравюры, минералы и чучела редких животных, в том числе чучело нелетающей птицы додо (дронта), исчезнувшей к началу XVIII в. На протяжении полувека это собрание хранилось в лондонском доме Традескантов и в определенные дни было доступно широкой публике за умеренную плату. Один из видевших ее в 1634 г. зрителей писал, что она состоит из «чучел зверей, птиц, рыб, змей, драгоценных камней, раковин, перьев, любопытных образчиков резьбы по дереву, картин, медалей, монет и тому подобных диковин».

В 1677 г. Элиас Эшмоул подарил все свои коллекции Оксфордскому университету, где когда-то учился. При этом он настоял на том, чтобы для хранения коллекции было сооружено подходящее здание. В 1683 г. собрание открылось для публики, став первым общедоступным музеем в Великобритании. Этот шаг многими современниками был воспринят с неодобрением: считалось, что всевозможные «собрания диковин», привезенных из разных концов света, и коллекции древностей и картин старых мастеров могут быть по достоинству оценены только «образованными» людьми, поэтому практически все художественные и естественнонаучные собрания той поры были доступны только узкому кругу «истинных ценителей». Открытие публичного музея в Оксфорде расценивалось как «либерализм»: гость из Германии, посетивший музей в 1710 г., выражал свое неудовольствие из-за присутствия в его залах «простонародья».

На протяжении 150-ти лет в деятельности музея преобладали естественнонаучное направление. Новых поступлений было немного, за исключением собрания этнографических материалов, доставленных капитаном Куком из его тихоокеанского рейса 1772–1775 гг. Тем временем неизбежные процессы старения привели к тому, что к 1820-м гг. значительная часть экспонатов из коллекции Традескантов попросту истлела. Хранители музея Джон Дункан, занявший этот пост в 1824 г., и его брат Филип, сменивший его в 1829 г., предприняли ряд экстренных мер, чтобы спасти коллекции от гибели. Было приобретено множество новых экспонатов. Музей носил естественнонаучный характер до тех пор, пока в середине XIX в. при Оксфордском университете было решено организовать новый музей естественной истории (ныне Оксфордский университетский Музей естествознания), в который была передана вся естественнонаучная коллекция музея Эшмолин. Лишившись

наиболее важной части собрания, музей попытался найти для себя новую нишу, обратив внимание на успехи только-только зарождающейся в ту пору археологии.

Первое крупное поступление материалов подобного рода произошло еще в 1829 г., когда собрание музея Эшмолин пополнилось англосаксонскими древностями из раскопок в Кенте. В последующие десятилетия в экспозицию вошли собрания археологических материалов из раскопок на Британских островах, в Риме, многочисленные предметы старины были куплены от имени музея в Египте и на Ближнем Востоке.

В 1884 г. хранителем музея был назначен Артур Эванс (1851–1941) – в ту пору еще молодой, никому не известный ученый. С его именем связана целая эпоха в истории музея. Благодаря энергии Эванса его собрание начало ежегодно пополняться 1,5–2 тыс. новых экспонатов, происходящих преимущественно из Европы и Восточного Средиземноморья. Здание, в котором музей размещался с 1683 г., просто не могло справиться с таким притоком, и Эванс убедил власти университета отвести музею новое помещение. Выбор пал на выстроенное в 1841–1845 гг. по проекту Чарльза Роберта Кокерелла (1788–1863) неоклассическое здание на улике Бомон, где с 1845 г. размещались художественные коллекции Оксфордского университета. Переезд музея на новое место завершился в 1894 г., а в 1908 г. археологические собрания музея Эшмолин и коллекции Художественной галереи были объединены. Так родился Художественный и археологический музей Эшмолин.

Ныне в музее существует четыре отдела: западноевропейской живописи, восточного искусства, антиквариата и нумизматики. Музейное собрание отличается редкостным разнообразием: от каменных инструментов, изготовленных первобытным человеком полмиллиона лет назад, до фарфора, стекла, картин и офортов, созданных мастерами XX в. В его фондах сохраняется и небольшое количество экспонатов из коллекции Традескантов, среди которых имеется очень любопытный предмет: ритуальная мантия, принадлежавшая вождю одного их индейских племен Северной Америки, еще один экспонат – знаменитое чучело дронта. Несмотря на то что оно сильно повреждено от времени, его продолжают хранить в музее.

Музей славится богатыми коллекциями древнеегипетского искусства и итальянских рисунков периода Ренессанса, а также одним из самых прекрасных в мире собраний фарфора, майолики и керамики.

Главными сокровищами музея Эшмолин являются рисунки Микеланджело, Рафаэля и Леонардо да Винчи, картины Пьеро ди Козимо, Клода Лоррена, Джона Констебла, Пабло Пикассо, акварели и картины Тернера, а также одно из лучших собраний прерафаэлитов. Здесь можно увидеть и знаменитую картину Паоло Уччелло «Ночная охота» (1465–1470). Это одна из поздних работ художника, написанная примерно в то же время, что и часть алтарного образа из церкви Святого Духа в Урбино. Об истории ее создания ничего не удалось узнать, несмотря на все усилия исследователей. Некоторые историки искусства предполагают, что эта работа мастера иллюстрирует некое (возможно, утраченное) литературное произведение того времени.

Экспозиция отдела археологии помимо обширного собрания древностей из Египта и Нубии включает в себя самую лучшую, за пределами Греции, коллекцию памятников крито-минойской цивилизации. И это не удивительно – ведь ее первооткрывателем был не кто иной, как Артур Джон Эванс. Отправившись в 1900 г. на Крит, хранитель Оксфордского музея еще не знал, что пройдут годы – и он станет всемирно известным ученым, почетным и действительным членом всевозможных академий и обществ, имя которого на протяжении многих лет не будет сходить со страниц газет и журналов. Именно ему, Артуру Эвансу, за исключительные заслуги перед наукой получившему от английского короля титул сэра, суждено было открыть одну из величайших цивилизаций древности, названную крито-минойской.

Ко времени прибытия на Крит Эванс уже имел репутацию серьезного ученого, знатока древнеегипетской письменности. Он был человеком упорным и наделенным подлинной исследовательской страстью. В первый же день пребывания на острове он посетил развалины города Кносса и невдалеке от руин, относящихся к античному времени, увидел земляные бугры, которые, как подсказала ему интуиция археолога, таили в себе остатки каких-то древних строений.

23 марта 1900 г. Эванс приступил к раскопкам. Он сам впоследствии говорил, что не очень надеялся на крупное открытие. Однако буквально через несколько часов в раскопе появились очертания древнего здания. Двумя неделями позже изумленный Эванс стоял перед остатками строений, покрывавших площадь в два с половиной гектара.

Между тем в Лондоне Эванса ждали дела. Но результаты раскопок его так заинтересовали, что он решил вернуться через год и заняться тайной открытого им здания. Тогда он еще не представлял, что на разгадку этой тайны ему потребуется не один год, а четверть века…

Пифос с изображением осьминога. Крит. Минойский период Около 1450 г до н. э.

Вернувшись на следующий год на Крит, Эванс провел здесь почти сорок лет. Шли годы, а работам все не было конца. Сорок лет в разных местах острова – на севере, южном побережье, востоке – копал Эванс, ибо поверил, что обнаруженное им здание – не что иное, как развалины легендарного Лабиринта, дворца критского царя Миноса… Об этом он даже заявил публично. Сообщения о сенсационных раскопках на Крите появлялись во всех газетах и журналах Европы. Из непостижимых глубин тысячелетий вставала великая цивилизация – столь древняя, что уже для современников Гомера она была тысячелетней легендой. И когда Эванс по праву первооткрывателя дал этой цивилизации имя «минойская» – имя, взятое из легенды о царе Миносе, – никто не посмел его оспорить.

Сэр Артур Эванс умер в 1941 г. в возрасте девяноста лет, заслужив признательность всего человечества открытием великой цивилизации, беспримерным по своему значению…

В собрании музея Эшмолин хранится и ряд важных экспонатов, связанных с английской историей: посмертная маска Оливера Кромвеля, арабская церемониальная одежда, принадлежавшая знаменитому Лоуренсу Аравийскому, и уникальная «драгоценность Альфреда» – англосаксонское золотое украшение, изготовленное в конце IX в. Надпись на нем гласит: «AELFRED MEC HEHT GEWYRCAN» – «Альфред приказал меня сделать». По-видимому, речь здесь идет об англосаксонском короле Альфреде Великом (871–899).

Еще один интересный экспонат – скрипка, изготовленная в 1716 г. знаменитым мастером из Кремоны Антонио Страдивари. По условию прежнего владельца скрипки, пожертвовавшего ее музею Эшмолин, на ней нельзя играть ни при каких обстоятельствах. Благодаря этому скрипка до сих пор находится почти в первоначальном состоянии и считается одним из наиболее ценных инструментов Страдивари, дошедших до наших дней.

Очень любопытно собрание «колец любви», очень популярных в Англии и Франции в XV–XVII вв. Эти простые по исполнению золотые кольца служили символом и свадебным подарком. На внешней (реже – на внутренней) стороне каждого кольца выгравирована короткая надпись, выражающая чувства дарителя. На ранних кольцах надписи делались на архаичном норманно-французском языке, позже использовались латинский, французский и английский языки. Считается, что именно

эти гладко отполированные кольца с лаконичными надписями, сделанными старинными шрифтами, вдохновили оксфордского профессора Дж. Р. Р. Толкиена на создание образа Единого кольца в эпопее «Властелин Колец».

Имея статус университетского, Художественный и археологический музей Эшмолин поддерживает тесные связи с факультетами и колледжами Оксфордского университета, а его собрание служит дополнительным образовательным и исследовательским ресурсом для ученых и студентов Оксфорда и других учебных заведений как в Англии, так и за границей. Одновременно он остается общедоступным музеем, привлекая посетителей со всех континентов.

Музей в Айронбриджском ущелье

Айронбридж называют «родиной промышленной революции», «колыбелью европейской промышленности». Сегодня этот небольшой музейный городок, расположенный в глубокой лесистой долине, выглядит уснувшим. Но два века назад здесь кипела жизнь: над ущельем поднимались дымы, небо полыхало огнями доменных печей, гремели кузнечные молоты… Именно здесь родилась современная технология производства чугуна, появились первые железные рельсы, первый паровой локомотив, здесь был построен первый железный мост.

История Айронбрижского ущелья тесно связана с историей Колбрукдейлских железоделательных заводов, а те – с историей пяти поколений семейства Дерби, местных предпринимателей, наряду с родственными семействами Фордов и Рейнольдсов, заложивших основы местной индустрии. Абрахам Дерби I (1678–1717) в 1704 г. основал медеплавильный завод в Бристоле. Он и его партнеры производил медные кастрюли; проблема была в том, что процесс этот был весьма трудоемок, а продукция – слишком дорогой для рядового потребителя. Абрахам Дерби увидел выход в том, чтобы изготавливать литые горшки из железа, а точнее – из чугуна. В 1707 г. он запатентовал собственное изобретение: метод отливки чугунных горшков и других изделий из чугуна в песчаные формы. Вместо традиционного древесного угля Дерби предложил применять кокс – новшество, значительно удешевлявшее производство железа и открывавшее путь для небывалого расширения сферы применения этого металла.

В следующем году Дерби арендовал старую домну в Колбрукдейле (Шропшир) и произвел первые успешные опыты по плавке железа с коксом. Абрахам Дерби II (1711–1763), сын Абрахама Дерби I, к 1735 г. освоил доменную плавку целиком на коксе, без добавления древесного угля. В близлежащих селениях Хорсехей и Кетли были построены новые чугунолитейные заводы, и компания взяла под свой контроль всю горную промышленность края, с использованием собственного сырья и сети конных железных дорог. При сооружении подобных дорог в качестве рельс употреблялись деревянные бревна, которые в отдельных случаях для прочности обшивались железом. По этим «рельсам» лошади тянули деревянные вагонетки с рудой. Считается, что именно отсюда пошло название «трамвай», что означает «бревенчатая дорога».

Первые дороги с железной колеей появились на английских рудниках в 1738 г. Они заменили быстро изнашивавшиеся и очень неудобные в эксплуатации деревянные рудничные дороги. В первое время колеи изготавливались из чугунных плит, в которых были устроены желобки для колес. Но эти рельсовые плиты оказались непрактичными и дорогими.

Настоящие железные рельсы стали производить с 1767 г. Толчком для этого послужила необходимость сбыта продукции чугунолитейного производства, чрезвычайно быстро развивавшегося в Англии. Владельцы Колбрукдейлских железных заводов первыми в истории заменили на одной из местных рудничных дорог деревянные пути железными рельсами. Результаты оказались настолько эффективными, что в том же году были перестроены все подъездные пути к шахтам и рудникам Колбрукдейла. Вскоре железные рельсы стали применяться на всех рудниках Англии.

Продукция Колбрукдейлских заводов с каждым-годом расширялась и усложнялась. Венцом этой деятельности стал чугунный мост Айронбридж через реку Северн под Колбрукдейлом. Для своего времени это был неслыханно смелый проект, осуществление которого потребовало от его авторов большой изобретательности. Изящные пропорции моста еще типичны для архитектуры XVIII в., но, тем не менее, он стал символом уже другого времени – английской промышленной революции XIX в.

Мысль о создании сборного моста из чугунных деталей впервые была сформулирована архитектором Томасом Ф. Причардом из Шрусбери. Эта идея очень понравилась Джону Уилкинсону – богатому фабриканту, владельцу чугунолитейного завода, который был настолько влюблен в железо, что даже получил прозвище «Айрон Мэд» (Iron Mad) – «Железный сумасшедший», «Железный безумец». Уилкинсон действительно отличался весьма экстравагантными поступками: свято убежденный в том, что люди недооценивают всех возможностей стали и чугуна, он демонстративно носил чугунную шляпу, без конца изобретал всевозможные чугунные и стальные конструкции, построил первые корабли со стальным корпусом и даже похоронен был в чугунном гробу, а на его могиле установили чугунный обелиск. Его увлекла мысль о сооружении чугунного моста, и он привлек к ее реализации Абрахама Дерби III, внука Абрахама Дерби I.

Мост Айронбридж

В 1777 г., после нескольких неудачных проб, на заводе Дерби были отлиты первые детали моста. Все конструкции монтировались на месте и доставлялись к месту строительства уже в собранном виде. В 1779 г. мост был установлен, на это понадобилось несколько месяцев. Длина пролета моста составляет 30,6 м, его вес – 384 т.

В первый день 1781 г. мост был торжественно открыт. Он быстро стал главной местной достопримечательностью. К мосту сразу зачастили туристы, его избрали своим излюбленным местом художники. В 1795 г. чугунный мост подвергся первому серьезному испытанию на прочность – Северн вышел из берегов и все каменные мосты были снесены небывалым паводком, однако чугунный устоял. Это стало маркой высокого качества, лучшей рекламой заводам Дерби, и принесло им новые строительные подряды. Дело стремительно расширялось, вокруг заводов и чугунного моста вырос целый город, получивший название Айронбридж.

Зимой 1802 г. инженер Ричард Тревитик построил для Кобрукдейлской компании первый в мире паровой локомотив, предназначенный для рельсового пути. Правда, эта конструкция оказалась не очень удачна и пришлось ждать еще двадцать лет, прежде чем великий изобретатель Джордж Стефенсон успешно решил эту проблему.

С окончанием эпохи наполеоновских войн для британской железной промышленности наступили трудные времена. В 1818 г. доменные печи Колбрукдейла погасли навсегда. С этого времени Колбрукдейлская компания сконцентрировала свою деятельность только на литейном производстве; в викторианскую эпоху здесь выпускалось художественное чугунное литье, находившее спрос далеко за пределами Англии. Со смертью Альфреда Дерби II (1850–1925), руководившего компанией с 1886 по 1925 г., история семейного предприятия закончилась.

В 1967 г. обширное наследие индустриального прошлого Колбрукдейла было передано под защиту Музея Айронбриджского ущелья. Сегодня здесь на площади в 6 кв. миль раскинулся целый музейный комплекс под открытым небом, в состав которого входят 35 исторических

объектов, десять из которых – музеи. Еще в начале 1970-х гг. чугунный мост и большинство заводских сооружений было умело, с большим тактом и воображением, реставрировано, и сегодня многочисленным туристам демонстрируются целые цеха, где стоят старинные станки и машины, которые до сих пор находятся в исправном состоянии. В полной неприкосновенности сохранились плавильные печи, домны, мастерские.

Ядром всего ансамбля является Музей чугуноплавильного дела в Колбрукдейле. К комплексу относятся также Музей фарфора на территории старой Куолпортской фабрики, Музей декоративных изразцов на бывшей фабрике Крейвен-Даннел. Еще одна интересная достопримечательность комплекса – доменная печь, в которой Абрахам Дерби I впервые вместо древесного угля применил кокс. В Блист-Хилл реконструирована жизнь викторианского городка XIX в. с лавками, магазинами, ремесленными мастерскими, пекарней и даже действующим литейным производством. По улицам здесь ездят запряженные лошадьми кэбы, а для того, чтобы посетители музея могли приобрести себе что-нибудь на память, им придется обменять в местном отделении банка современные деньги на символические монеты эпохи королевы Виктории. И повсюду можно увидеть железные изделия местного производства XVIII–XIX вв. – от литых чугунных решеток и тумб до знаменитого Железного моста.

В музейных собраниях представлено множество гравюр, рисунков и картин XVII–XX вв., посвященных прежде всего индустриальной теме. О жизни металлургов и шахтеров Шропшира расскажут орудия труда, предметы быта, старинные фотографии. Археологическое собрание включает в себя материал, обнаруженный учеными при раскопках в Айронбриджском ущелье, преимущественно относящийся к эпохе расцвета Колбрукдейлских заводов. Отдельные экспозиции посвящены декоративно-прикладному искусству местных умельцев: здесь представлены образцы куолпортского фарфора, изразцов и терракот из Крейвен-Даннел, колбрукдейлское фигурное литье.

Ежегодно музей в Айронбриджском ущелье посещает около 300 тыс. человек, четвертую часть которых составляют школьники. В ноябре 1986 г. индустриальные памятники Айронбриджа, включая знаменитый Железный мост, внесен в список Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Венгрия

Венгерский национальный музей в Будапеште

Здание Венгерского национального музея (архитектор М. Поллак, 1837–1847 гг.) – один из лучших образцов архитектуры классицизма. Его фасады отличаются величавой гармонией, восьмиколонный коринфский портик украшают рельефные цинковые скульптуры. Женская фигура с лавровым венком в руке – символическое изображение Паннонии – выполнена по проекту Р. Монти скульптором Л. Шаллером. Справа и слева от нее – аллегорические фигуры, изображающие искусство, науку, историю и славу. Незабываемое впечатление производит анфилада выставочных залов. Музей включает в себя и крупнейшее в стране собрание книг – Государственную библиотеку им. Ф. Сечени.

Граф Ференц Сечени, разносторонне одаренный и по-европейски образованный человек, сознательно стремился превратить семейную библиотеку и семейные коллекции в собрания, имеющие важность для всей страны. В ноябре 1802 г. он передал свои коллекции в дар венгерскому народу. Коллекции эти были поистине богатейшие – чего стоило одно только собрание предметов старины и монет, основу которого составили римские монеты из раскопок города Сирмиума. Собирая свою библиотеку, граф прежде всего стремился приобретать книги венгерских авторов или те, которые так или иначе были связаны с его страной. Уже с 1786 г. он рассматривал их как основу для «государственной библиотеки».

В сопроводительном документе при передаче ценностей говорилось, что библиотека должна отныне носить название «Bibliotheca Hungarise Comitum Szechenyi Patriae sacrata» – «Венгерская Библиотека, которую пожертвовал родине граф Сечени» (она носит его до настоящего времени). В 1825 г. был составлен каталог всех экспонатов и оказалось, что граф Сечени вместе с библиотекой подарил Венгрии более 20 тыс. экспонатов своей коллекции, в том числе 11 884 гравюр, 1156 рукописей, 142 книги, 2675 монет и медалей, 495 предметов старины, карты, картины. Памятник Ференцу Сечени, установленный в саду Венгерского национального музея в Будапеште – лишь скромный дар уважения и благодарности, которые питают венгры к создателю своего музея и Национальной библиотеки.

Сначала сокровища графа Сечени размещались в монастыре паулинов в Пеште. Но коллекции стали быстро пополняться, музейные собрания увеличивались, и вскоре понадобилось другое, более подходящее помещение.

Долгое время музей находился под покровительством королевского наместника герцога Иосифа, который с большим вниманием относился ко всем его нуждам. Еще в 1807 г. по его поручению архитектор Йожеф Хилд разработал проект здания для музея, однако он не был осуществлен: приобретенный для этой цели участок земли оказался слишком маленьким. Позже его обменяли на другой, но и после этого строительство долгое время задерживалось – не было достаточно средств. Только в 1836 г. Национальное собрание Венгрии выделило необходимые для строительства деньги. На этот раз разработка проекта была поручена архитектору Михаю Поллаку. Строительство началось летом 1837 г., однако в 1838 г. случилось опустошительное наводнение, которое надолго остановило все работы. Окончательно здание музея было возведено лишь спустя десять лет после закладки первого камня.

Венгерский национальный музей в Будапеште

Оно вошло в историю венгерской революции 1848–1849 гг. В саду музея происходили революционные выступления молодежи и народные митинги, а в парадном зале состоялось заседание верхней палаты Государственного собрания Венгрии. Поэт Шандор Петёфи выступал со ступеней главного фасада перед огромными массами народа со своими революционными стихами.

После поражения национально-освободительной борьбы для Венгрии наступили тяжелые времена, что отразилось и на жизни музея. Все его собрания сначала хотели даже отправить в Вену, а сам музей обложили большими налогами. Но на защиту национального достояния выступила венгерская общественность. Чтобы собрать нужные средства, в парадном зале музея стали давать благотворительные концерты, на одном из которых выступил композитор Ференц Лист.

Правительство мало заботилось о Национальном музее. Здание постепенно ветшало, а собрания и коллекции не пополнялись. Исключение составляла лишь Картинная галерея, для которой удалось приобрести несколько живописных шедевров. Однако со временем положение стало меняться к лучшему. В собраниях музея накопились уже такие богатства, что некоторые из отделов выделились в самостоятельные музеи. В 1872 г. в рамках Венгерского национального музея был образован самостоятельный Этнографический музей. В том же году от него отделился Музей прикладного искусства. В недрах Национального музея зародился и Музей естественной истории. Его основательницей стала Юлия Фештетич – супруга Ференца Сечени, которая еще в 1808 г. подарила музею свою богатую коллекцию минералов. В 1896 г. на основе части собрания Венгерского Национального музея был создан Художественный музей.

Конец ознакомительного

фрагмента.

Текст предоставлен ООО «ЛитРес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию (http://www.litres.ru/andrey-nizovskiy/velichayshie-muzei-mira/?lfrom=931425718) на ЛитРес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.

notes

Примечания

1

Ошибочное название этой картины, утвердившееся в отечественной литературе советского периода, – «Святое семейство».